Le Khyroscope

TOP 2011

2012-01-03T21:16:00.000-08:00

Voici le top 20 du Khyroscope pour l'année 2011. On dirait que cette année les choix sont plus difficiles, trop de disques intéressants qui sont sortis cette année et que je n'ai pas écouté... Mais tout de même, de nombreux albums se sont rendus à mes oreilles faisant de 2011 une année assez faste merci. À vous de juger.

1-

Colin Stetson: "New History Warfare vol.2: Judges" (Constellation)

New History Warfare Vol. 2: Judges - COLIN STETSON by Constellation Records

Si le disque de Colin Stetson se mérite la première place en 2011, c'est purement pour des considérations personnelles. On peut l'encenser au niveau technique, dire qu'il a redonné les lettres de noblesse au saxophone, etc... Avec raison, il a fait tout cela. Cependant, de mon côté, c'est le disque qui m'a donné le plus envie d'écrire. Et pour ça, merci Mr. Stetson.

2- Case Studies: "The World Is Just A Shape To Fill The Night" (Sacred Bones)

Case Studies - The Eagle, or the Serpent

Superbe album de folk réalisé par Greg Ashley du goupe Gris Gris. Sa marque s'entend et c'est une des choses qui m'a frappé à l'écoute de ce disque. Ça et la plume profonde de Jesse Lortz, me faisant penser par moments à Leonard Cohen. Les thématiques de transformation, de lutte entre le bien et le mal sont traitées de façon magistrale. En plus, on retrouve sur ce disque ma chanson préférée de 2011 (voir plus-haut).

3- Michael Chapman: "The Resurrection And Revenge Of The Clayton Peacock" (Ecstatic Peace)

Disque que j'ai ardemment cherché après avoir lu une critique élogieuse. La chasse a porté fruit et m'a redonné le goût de magasiner au Cheap Thrills, moi qui pensait ne plus pouvoir y faire de découvertes. Michael Chapman c'est ce guitariste britannique de 70 ans, qu'on a ressucité dans les dernières années et qui s'est mis au courant des nouveaux genres de musique. Plus connu pour son jeu de folk teinté de jazz, il offre ici un album de guitare expérimental tirant sur le noise. Riche et frais, le vieil homme peut encore surprendre.

4-

Matana Roberts : "Coin Coin Chapter 1: Gens de Couleurs Libres" (Constellation)

Coin Coin Chapter One: Gens de Couleur Libres - MATANA ROBERTS by Constellation Records

Un grand disque de free-jazz de 2011, malheureusement absent des listes plus éminentes que la mienne... Comme mentionné dans ma série sur le rap et free-jazz, Matana Roberts a réussi ou plusieurs ont échoué: combiner le free-jazz avec le spoken word et l'expression vocale tout en maintenant une trame narrative cohérente.

5-
Shabazz Palaces : "Black Up" (Sub Pop)

Shabazz Palaces - Swerve...

Le disque de Hip-hop le plus intéressant à être sorti cette année. Juste dose d'expérimentation et de boom-bap, ils ont gardé intacte la nature du Hip-Hop tout en l'orientant vers le futur. Peut peuvent prétendre à une telle réussite.

6-
Sean McCann: "Open Resolve" (Orange Milk)

Sean McCann - Open Resolve - Broken Replicator

Sean McCann est un artiste particulier. Il multiplie les albums en passant d'un style à un autre, joue de la guitare folk, enregistre des drones de violons, fait du noise... Sur "Open Resolve" il a fait un des albums les plus intéressants que j'ai entendu depuis longtemps. Pas de guitare ici (ou sinon dénaturée) mais des synthétiseurs et des drums arrythmique. Un des plus beau artwork de 2011 aussi.

7- Bruce Lamont : "Feral Songs For The Epic Decline" (At A Loss)

Bruce Lamont "Feral Songs For The Epic Decline" by At A Loss Recordings

Découvert sur autre blog, ce disque est complètement passé inapperçu. Avec raison surement car Bruce Lamont vient de la scène métal (avec entres autres Locrian) et a décidé de faire un disque solo lui permettant d'explorer un univers particulier. Un mélange de Doom-folk, de noise et de saxophone totalement captivant avec une voix rappelant un peu celle du chanteur de Pearl Jam...

8- Nils Rostad : "Ujamt" (Tallerk Platter)

HVOR SOM HELST

Petit disque scandinave au tirage très limité. Composé de courtes pièces, frôlant les deux minutes, le seul reproche qu'on peut adresser à cet album est qu'on aurait aimé plus de longueur et de déploiement, pour ajouter une profondeur un peu manquante. Mais quand même, le résultat est intrigant et de toute beauté.

9- Village Of Spaces : "Alchemy and Trust" (Corleone/Turned Word)

Ovum's influence

Autre réussite folk. Beau, simple, circulaire.

10- Smegma & Jozef Van Wissem : "Suite The Hen's Theeth" (Incunabulum)

J'ai parlé abondamment de ce disque sur ce blog. Superbe collaboration entre Van Wissem et Ju Suk Reet Meate. Une rencontre improbable qui a donné un disque envers lequel je n'avais aucune attentes. La surprise était de taille.

11-
Odezenne: "O.V.N.I." (Universeul)

Saxophone _ orchestre virtuose national incompétent _ OVNI

Je me répète. Ce disque est excellent et le plus récent clip du groupe Odezenne donne vraiment le goût de connaître la suite.

12- Part Wild Horse Mane On Both Sides : "Poisson" (Mie)

Part Wild Horses Mane On Both Sides - Poisson LP

Je ne sais pas si la version originale de cet album est sorti cette année ou avant. Toujours est-il que la version vinyle proposée par le label Mie est admirable. Duo flûte et percussion, on pourrait s'attendre à quelque chose d'inintéressant et de néo-hippie mais ce n'est pas le cas. La flûte et les percussions sont complètement distorsionnées , à la limite du reconnaissable. On dirait un espèce de collage électro-acoustique qui oscille entre noise et musique ethnique.

13- D. Charles Speer : "Arghiledes" (Thrill Jockey)

d. charles speer - arghildes (album preview)

Un disque qui regroupe tous les ingrédients que j'aime. Folk ethnique psychédélique dans la lignée des Sun City Girls.

14-

Nathan Bell : "Colors" (Lancashire & Somerset)

Membre du groupe Lungfish avec Daniel Higgs, Nathan Bell s'est aussi aventuré dans le banjo et la guitare acoustique. Il a crée un disque folk instrumental, avec des arrangements travaillés (avec Paul Oldham, le frère de l'autre) et des mélodies qui transpirent la désir de solitude et de transcendance.&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;a href="http://nathanscottbell.bandcamp.com/album/colors"&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;COLORS by Nathan Scott Bell&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;am
15- Josh T. Pearson: "Last Of The Country Gentlemen" (Mute)

Josh T. Pearson - Woman, When I've Raised Hell (Alternative Version) by Mute UK

Un disque qui n'a pas fait l'unanimité et s'est vu descendre par de nombreux critiques. Pourtant, moi j'ai aimé ça. Avec une voix rappelant celle de Nick Cave, Josh Pearson parvient à canaliser les démons qui le hantent. Un jeu de guitare minimaliste, des chansons de 7 minutes, le violon de Warren Ellis sur quelques morceaux... Beau, onirique et déprimant.

16- Stare Case: "Lose Today" (De Stijl)

Stare Case : Days like Faces by destijlrecs

Quand deux membres du groupe noise Wolf Eyes décident de faire un projet plus accessible, ont peut douter du résultat. Pas ici, c'est effectivement plus accessible mais quand même fidèle à l'esthétique du groupe. Très beau disque où au travers de la chanson se rencontrent les influences des multiples projets auxquels les protagonistes ont pris part.

17-
Berrocal/Fenech/Tazartes : "Superdisque" (Sub Rosa)

jac berrocal, david fenech & ghedalia tazartes - superdisque (album preview) by experimedia

Trois géant de la scène expérimentale française se réunissent pour faire un "superdisque". Rien de moins.

18- Hubble : "Hubble Drums" (Northern Spy

"Nude Ghost" by Hubble from the album Hubble Drums by Northern Spy Records

Projet solo du guitariste d'un de mes groupes préférés, Zs. Minimal, arrogant dans sa forme et dans son jeu, on se perd facilement dans la fluidité de ses notes répétitives.

19- Artur Zmijewski : "Singing Lesson" (Tochnit Aleph)

Probablement le disque le plus étrange que j'ai écouté cette année. Une chorale d'enfants sourd accompagnée à l'orgue chante des hymnes liturgiques.

20- The Alps : "Easy Action" (Mexican Summer)

The Alps est un groupe que j'aime beaucoup, chaque album est intéressant et j'apprécie particulièrement leur mélange de folk et de kosmiche musik très référentiel. Sur ce dernier album, le côté référentiel et folk semble être mis à l'arrière-plan, avec comme résultat un disque plus abrasif et expérimental mais aussi plus personnel. La pochette du lp est aussi superbe.

Rap et Free-Jazz: Chroniques d'une (non) rencontre pt. 6 (FIN)

2011-12-04T14:15:00.000-08:00

Pour clore cette série, je me dois de parler des outsiders. Car il y a toujours des électrons libres, des groupes qui s'associent peu aux autres et qui ne font pas partie d'un mouvement collectif ou d'une scène particulière. Le meilleur groupe nous permettant de faire la transition entre ces deux mondes est le groupe de Cincinnati Is What?!, formé du rappeur Napoleon Maddox et du saxophoniste Jack Walker. Le premier a déjà été mentionné en lien avec le disque de DJ Spooky "Optometry". Sur ce disque, Napoleon apparaît sur le morceau "Parachutes" avec le saxophoniste Daniel Carter. J'ai appris d'un ami qu'en fait ce morceau était un remix de la chanson du même nom sur le premier album de Is What?!. La particularité du groupe réside dans le fait que Napoleon est aussi beatboxer et parvient à intégrer cet art dans une esthétique plus free sur certaines pièces, ce qui rend l'ensemble encore plus intéressant. Leur premier album, intitulé «You Figure It Out» (Hyena Records, 2004), est celui qui s’approche le plus du free-jazz et ce qui frappe le plus est la participation sur trois morceaux du grand oublié des sorties sur Thirsty Ear; le batteur Hamid Drake. C'est étrange qu'on le retrouve seulement ici, car Hamid Drake joue régulièrement avec les musiciens impliqués sur tous les disques du Blue Series. Guillermo Brown lui a été préféré pour je ne sais quelle raison, mais Hamid Drake est probablement un des meilleurs drummers jazz de notre époque. Is What?! ont sorti trois albums et au fil des disques, ils s'éloignent progressivement du free-jazz pour retrouver une esthétique et une structure plus conventionnelle. Mentionnons cependant, la présence de Roy Campbell à la trompette et d'Hamid Drake sur un morceau chacun du deuxième disque "The Life We Chose". Quoiqu'il en soit, leur premier album demeure celui qui est le près de free-jazz et leur plus intéressant, comme quoi l'expérimentation ne paie pas...

Il y a aussi ce groupe de Minneapolis Kill The Vultures, qui se sont trempés dans l’expérience free-jazz sur leurs trois albums. Le plus intéressant demeure «The Careless Flame » ( Jib Door/Locust 2006). Sur ce disque ils réussissent avec brio à incorporer du saxophone free dans leur pièce titre et un extrait du saxophoniste Sean Behling sur « How Far Can a Dead Man Walk ». Ils incorporent aussi des rythmes saccadées, bancals, des lignes de contrebasse atypiques. Venant agrandir le spectre du free-jazz en utilisant de façon intelligente des échantillons rythmiques. C'est peut être l'échantillonnage qui fait leur force car ils nous ont aussi offert le mini-album « Midnight Pines » en download gratuit , un disque uniquement composés d’échantillons du Sun Ra Arkestra. Le rappeur Crescent Moon, se montre aussi imaginatif que son beatmaker en empruntant un flow près du blues et nettement plus atypique que ce qui se fait dans le rap d'habitude. Je répète: un de mes groupes préférés.

Mais qu'en est-il du côté francophone? Peu d'exemples sont parvenus à mes oreilles de la France, très peu de succès, car je crois que la personne s’en étant approché le plus est sans nul doute le rappeur Rocé, qui sur « Identité en Crescendo » (No Format!, 2006) collabore avec nul autre qu’Archie Shepp sur un morceau. Un duo saxophone/voix qui sur papier, ferait taire Phil Freeman. Sauf que non, le flow de Rocé est beaucoup trop monotone et ennuyant et on commence à comprendre ce que Freeman ressent dans son questionnement...

Naturellement, plusieurs pourront déplorer certains oubliés. Je dois préciser que j'ai tenté de me tenir au plus près du rap et free-jazz, ce qui a pu m'amener à négliger certains artistes qui auraient pu être mentionnés (Dälek, Doseone, K-The-I, entres autres). D'autres aussi que je ne connais pas ou peu, je m'en excuse aussi. Finalement, pour clore la discussion, j'ai été très surpris d'entendre un morceau littéralement free-jazz (la pièce "Will To Power") sur le prochain album de The Roots. Une longue pièce instrumentale, qui permet quand même de croire que tout n'est pas perdu.

Rap et Free-Jazz: Chroniques d'une (non) rencontre pt. 5

2011-12-02T11:19:00.000-08:00

Si on délaisse la côte ouest américaine, où le métissage semble être né sous l'impulsion du rap et on tourne notre regard de l'autre côté du continent, il est intéressant de remarquer que la pulsion vient ici du jazz.

La figure de proue de cette rencontre est le label Thirsty Ear. C'est l'association du label avec le pianiste jazz new-yorkais Matthew Shipp qui a été le fer de lance. Thirsty avec avec Shipp, ont créé une subdivision du label, nommée Blue series, qui avait comme mission de faire découvrir les nouveaux visages du jazz ainsi que favoriser les rencontres improbables. Ils ont permis la sortie du disque de Spring Heel Jack "Masses" qui, il me semble, a été une des premières sorties du genre à avoir attiré l'attention des connaisseurs de musiques expérimentales. Par la suite, les sorties d'albums se sont enchaînées à un rythme effréné, en nous offrant des perles mais aussi quelques ratages. On peut dire par contre qu'ils ont eu le flair de sortir des albums d'artistes hip-hop de premier plan, comme le tiède "High Water" du producteur/rappeur El-P du groupe new-yorkais Company Flow . Cet album (pas mauvais)instrumental n'est pas passé à la légende, car il s'agit d'un disque plutôt linéaire, mélangeant beats et jazz de façon tout à fait conventionnelle, sans saveur particulière. C'est bien dommage, car cela nous a montré que EL-P n'avait peut-être pas la capacité d'être aussi créatif hors de sa zone de confort. Peut-être aurai-t-il fallu qu'El Producto rappe et invite certains des rappeurs de son label Def Jux, tels Vast Aire, Breeze, Rob Sonic et Big Jus afin de donner une touche un peu plus intéressante.

Des autres rencontres avec des rappeurs de premier plan, il y a eu celle de Matthew Shipp et d'Antipop Consortium "Antipop v.s Matthew Shipp". Cette rencontre m'est apparue inévitable suite au premier spectacle que j'ai vu d'eux à l'ancienne SAT, il y a bien des années. Lors de ce spectacle j'avais été vraiment impressionné par l'utilisation des échantillonneurs et synthés. Le trio de Beans, High priest et M. Sayyd parvenait à créer un véritable free-hop. Cependant, ce qu'ils avaient pu mettre à profit en trio s'est soldé par un échec presque total sur cette rencontre avec Matthew Shipp. C'est d'autant plus dommage qu'on retrouve d'autres musiciens de premiers plans tels le contrebassiste William Parker, le vibraphoniste Khan Jamal , le saxophoniste Daniel Carter et Guillermo Brown aux drums. Tous, à l'exception du dernier, sont des grands noms du free-jazz new-yorkais. L'exercice était intéressant mais bien en deça de mes attentes. Le résultat est un intéressant disque de free-jazz, à la manière du disque de Spring Heel Jack mais où le rap est plus souvent qu'autrement absent, même lorsqu'il est présent... Par ailleurs en tant qu'acheteur de disque compulsif, je ne l'ai pas acheté.. Ça en dit long... Si cet album est sorti il y a plusieurs années, voilà qu'est paru cet été, sans tambour ni trompette, le disque "Knives From Heaven" d'Antipop. Il s'agit d'un disque composé à quatre et on y retrouve Beans et High Priest (sans M. Sayyd) accompagnés de William Parker et Matthew Shipp. Le résultat est très intéressant (plus que son prédécesseur), où on touche plus près à un hybride des deux genres musicaux mais les meilleur moments demeurent instrumentaux. La pertinence des deux rappeurs , pourtant emblématique au début des années 2000, semble s'estomper tranquillement...

Toujours sur Thirsty Ear, le disque de DJ Spooky "Optometry" m'est apparu comme une belle réussite. On y retrouve d'excellents moments de rap avec Napoleon de IsWhat?! et de High Priest d'Antipop. Excellentes collaboration entre Dj Spooky et les musiciens usuels du label; Matthew Shipp, Joe McPhee, William Parker et Guillermo Brown. On retrouve aussi le violoniste Daniel Bernard Roumain et même Pauline Oliveros sur l'excellente pièce spoken word de Carl Hancock Rux ... un excellent disque, probablement un des plus méconnus de la série.

LA réussite du label, demeure néanmoins l'album "Negrophilia" (2005) du rappeur Mike Ladd. Celui-ci avait sorti quelques temps auparavant, "In What Language" (2003)paru sur l'éminent label jazz Pi Recordings , en collaboration avec le pianiste Vijay Iyer et plusieurs de ses collaborateurs. Une réflexion sur les lieux de passage que sont les aéroports, à la lumière d'une xénophobie américaine post 9/11. Ce disque reste ordinaire, car met en en lumière différents poètes, inégaux et je n'ai jamais été fan du jeu de Vijay Iyer et de son collègue Rudresh Mahantappa."Negrophilia" par contre est autre chose. Mike Ladd fait partie de cette lignée de rappeur/artiste spoken word tirant une influence directe de la beat poetry en même temps que le Hip-Hop. Trop peu connu des amateurs de rap, Mike Ladd avait entres autres été derrière le projet de Infesticons, dont le premier album de la trilogie "Gun Hill Road" est sorti sur Big Dada en 2000. Ladd est un penseur, et "Negrophilia" n'échappe pas à cette tendance. Un mélange de jazz, de musique africaine et de Hip-Hop qui sert de trame musicale à l'expression d'un critique juste et acerbe de la culture afro-américaine. Vijay Iyer est toujours présent, mais est lui-même sorti de sa zone de confort avec le batteur Guillermo Brown (encore) et le trompettiste Roy Campbell. Beaucoup d'intensité dans les pièces instrumentales mais le propos acerbe de Mike Ladd compense ses absences. Quand j'entends Mike Ladd, j'entends New-York et à l'instar de Daddy Kev, il est probablement un des artiste hip-hop qui incarne le mieux ce soucie de fusion free-jazz et rap.

À défaut d'y avoir des pièces de Negrophilia sur youtube...

Rap et Free-Jazz: Chroniques d'une (non) rencontre pt. 4

2011-11-22T20:11:00.000-08:00

En 2002, le critique musical Phil Freeman, dans son livre “ New-York is Now : The New Wave of Free-Jazz”, dresse un portrait de la scène free-jazz new-yorkaise du début des années 2000. Il y va alors d’une constatation assez étonnante quand il déplore le fait que le rap et le free-jazz ne se sont jamais rencontrés, qu’il attend encore le moment ou un rappeur affrontera un saxophoniste en improvisation dans l’élan de leurs souffles. Il trouve les rappeurs d’une tiédeur incomparable et raille les jazzmen dans leur tentative de franchir le pont entre les styles, dénonçant un conservatisme hypocrite. Freeman n’a pas tort, ce genre de haute-voltige mêlant rap et free-jazz est trop rare mais il serait injuste de dire que certains n’ont pas essayé. Les rappeurs ont suivi le beat, tant que la structure rythmique était soutenu en quatre temps, il était possible pour eux de poser leur flow, structuré en conséquence. D’ailleurs, peu ont essayé de déroger à cette structure. Mais il s’ensuit qu’il manque effectivement un rappeur qui saurait canaliser l’énergie d’une Patty Waters ou d’une Linda Sharrock dans ses performances...

Mais le rap est à mi-chemin entre la chanson et le spoken word. Plus contraignant que le spoken word, il se doit de respecter une rythmique et la notion abstraite du flow. C'est toujours difficile de définir ce qu'est exactement le flow, à vrai dire, c'est probablement ce qui différencie le rap du "slam" et départage les artistes opportunistes qui se lancent dans le rap. C'est bien souvent le flow qui distingue les bons rappeurs des mauvais. On pourrait avancer que le flow est une façon d'approcher la performance lyricale/textuelle afin de le rendre en chanson, mais ce ne serait pas tout à fait juste. Bref, toujours est-il que le rap se veut plus musical que du simple spoken word. Et c'est ici que le problème semble se situer. Comment départager les deux quand on sort du cadre référent du texte et de la chanson? Peut-il y avoir du rap sur une musique arrythmique? Dans la perspective que je propose ici, c’est la personne qui est plus importante que le résultat. Le rappeur, outillé à la performance vocale, à l’improvisation freestyle, peut briser le carcan et sortir du moule, cela demeurera néanmoins du rap. Et c’est en effet à ce niveau qu’on peut déplorer le manque d’audace de certains. Des rappeurs ont pourtant essayé, plusieurs bons freestylers ont tenté leur chance en formule live mais les exemples sont peu nombreux.

Dans cette tendance, il semble que la côte ouest américaine possède une longueur d'avance et s'est montrée plus à l'affût de ce genre de métissage. L'exemple le plus frappant est le crew Freestyle Fellowship et les nombreux artistes/projets qui ont découlé du Project Blowed. Peut-être est-ce aussi une forme d'héritage inconscient du Good Life Cafe. Myka 9 est probablement un excellent exemple de rappeur qui a tenté de briser le moule en développant un flow particulier en "double-time" ainsi que des tentatives d'expérimentations sur les intonations et la rythmique. Son oeuvre est riche et foisonnante d'exemples du genre, je retiens cependant comme exemple sa tentative de scat sur un beat de rap.

Pour un rappeur qui aurait reçu une balle dans la tête et a survécu, il s'en tire quand même bien.

Une autre porte d'entrée dans le West Coast va nous faire prendre le détour du label Mush, qui s'est présenté à la fin des années 90 comme la fine pointe de l’avant-garde Hip-Hop. C’est ce label qui a permis à plusieurs de découvrir l’étrange association du rap et du free-jazz. Tout d'abord, sur la compilation «Rope Ladder 12 » (2000), une des premières sortie du label, on peut entendre la pièce de Pedestrian et Doseone « Generation of Dead Beats », où un violon se laisse aller dans une improvisation déchirante à la toute fin sur un beat bancal. L'album au complet se veut une introduction au monde étrange du rap expérimental, présentant à l'auditeur une sélection quasi exhaustive de ce qui faisait à l'époque.

Mush ont aussi sorti le disque « Pyramidi » (2001) de Radioinactive. Un disque construit à partir d’échantillons de free-jazz mais qui reste très structuré, Radioinactive n’ayant utilisé que des échantillons en quatre temps. Grand fan de free-jazz, Radioinactive a aussi sorti le très bon disque "Free Kamal" avec le beatmaker Anti-Mc où on reconnaît plusieurs échantillons de jazz, dont Alice Coltrane. D'ailleurs, Radioinactive fait parti du crew Shapeshifters, avec Existereo, Subtitle et plus particulièrement Awol One. Sur ce dernier, on retient l’étrange collaboration, toujours sur Mush, avec le producteur angelino Daddy Kev « Slanguage » (2003). Une première "vraie" tentative de mélanger le free-jazz et le rap. C’est surtout la production de Daddy Kev qui est originale et qui incorpore de véritables échantillons de free-jazz; saxophone atonal, piano déconstruit et rythmiques libre. La performance d’Awol One, par contre, est plutôt fade: il freestyle sans grande conviction et la nonchalance typique de son flow semble juste flotter au-dessus des morceaux échantillonnées de Kev et des scratchs du Dj D-Styles sans vraiment plonger dans l'intensité véhiculées par les "beats".

Peut-être insatisfaits du résultat, ou convaincus qu’ils pouvaient aller plus loin, Daddy Kev et D-Styles ont retenté l’expérience et se son adjoint les services du rappeur The Grouch (toujours de Los Angeles) pour créer le disque « Sound Advice » (2003), selon moi la plus grande réussite d'une rencontre entre free-jazz et rap. The Grouch est beaucoup plus habile que son prédécesseur et parvient à déconstruire son flow pour se poser adéquatement sur la musiques beaucoup plus free. Excellent disque quoiqu'un peu court. Le morceau «Dollars For Not » est définitivement la pièce manquante de tout ce puzzle.

Il semble que Daddy Kev soit l'artisan principal de cette rencontre,chaînon manquant de l'évolution du free-jazz au rap. S'exposant à beaucoup plus de risques que la musique d'un Madlib par exemple, celle de Daddy Kev semble vouée à l'underground. On lui doit aussi la production du l'album "Cosmic Cleavage" de Busdriver, sorti sur Big Dada en 2004. Un album que plusieurs voient comme une tache dans le parcours de Busdriver mais qui reste somme toute, selon moi, son album le plus intéressant. Les beats sont très jazzy, touchant un peu au free mais quand même très structurés. Busdriver est un de ceux, de cette seconde génération du Good Life Cafe, qui a le flow assez agile pour réussir un tel exercice.

D'ailleurs, il a tenté le coup, un peu, de façon discrète. Un des projets les moins connus de Busdriver est le projet live fait avec Daedelus "Live Airplane Food", sorti en cd-r seulement. La rencontre des deux artistes s'est faite au travers du live et de l'improvisation. Daedelus est accompagné par d'autres musiciens et improvisent la musique alors que Busdriver improvise les paroles. Mais ce n'est pas de la haute voltige, tant au niveau musical que du rap...

L'autre artiste à avoir exploré l'improvisation en contexte de groupe est le rappeur Eyedea avec son projet Face Candy. Un des rappeurs les plus doués de sa génération en improvisation. Malheureusement, le décès prématuré de Eyedea a mis fin à l'exploration mais ils ont tout de même eu la chance de produire un disque intéressant mais somme toute anecdotique.
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Rap et Free-Jazz: Chroniques d'une (non) rencontre pt. 3

2011-11-13T19:28:00.000-08:00

Le poète américain le plus connu pour son association avec le free-jazz est sans aucun doute Leroi Jones, connu par la suite sous le nom d’Amiri Baraka. Travaillant à l’élaboration du Black Arts Movement, Baraka s’est fait la voix des jazzmen de l’ombre, ceux qui refusaient toute étiquette et qui ne cherchaient qu’à se libérer d’un carcan musical construit par les attentes de l’Autre, le consommateur blanc. Ses collaborations les plus connues sont l’album "A Black Mass"(1968) avec le Sun Ra Arkestra, sa collaboration avec le batteur Sunny Murray sur « Sonny’s Time Now »(1965) et sans oublier le disque du groupe The Jihad « Black and Beautiful …Soul and Madness » (1968), trois albums parus sur le propre label d’Amiri Baraka, Jihad Productions, qu'on peut trouver ici . Il faut souligner aussi les magistrales collaborations au sein du New-York Art Quartet avec John Tchicai, Milford Graves, Ruswell Rudd et Lewis Worrell. Il a aussi publié le livre « Blues People » (1963), qui, s’il était écrit aujourd’hui aborderait la musique rap et si on se fie à ses dernières conférences sur le sujet, décrierait la mainmise des corporations sur la musique et l’ineptie des messages proposés par les rappeurs populaires. Mais faire le lien entre Amiri Baraka et la rap suppose de faire un pas de géant. Quand on l’entend déclamer ses textes sur la musique de Sunny Murray, par exemple, il y aune intensité, ou une liberté qui se contraint mal du rap.

Un lien plus évident, que j'ai découvert grâce à la récente réédition du disque de Bill Plummer and The Cosmic Brotherhood, nous met en contact avec un proto-rap datant de 1968. Sur la pièce « Journey to the East» Hersh Hamel, joueur de basse et de sitare, livre un spoken word rythmé et quasi chanté, sur une pièce indo-jazz psychédélique. Sa façon de déclamer son texte est beaucoup plus proche du rap que beaucoup de ses contemporains, car il intègre ici un aspect important du rap, soit le flow. Ce disque est sorti originalement sur le label Impulse mais vient d’être réédité cette année par l’étiquette Get On Down. Un excellent disque de jazz et de reprises pop avec des instruments indiens. Cela étant dit, on peut quand même se le procurer sur Mutant Sounds.

Suite aux années soixantes, d’autres poètes contemporains ont tenté l’expérience, on pense entres autres à David Budbill et sa collaboration avec le contrebasiste William Parker « Zen Mountains Zen Streets » ou le Judevine Mountain Trio avec l'ajout du batteur Hamid Drake. Mais l’association poésie et musique expérimentale demeure marginale, même aujourd’hui. Il faut explorer des réseaux de diffusions littéraires plutôt que musicaux pour dénicher les perles et quant au free-jazz, l’association se fait de moins en moins. La distinction entre free-jazz et musique expérimentale acoustique se fait aussi de moins en moins évidentes, ce qui donne lieu à des disques hybrides, improvisés mais s’éloignant du jazz. Deux disques intéressants dans le genre demeurent deux albums solos du chanteur/conteur Robin Williamson du Incredible String Band sortis sur ECM. On remarque la participation lumineuse du violoniste Mat Maneri, du contrebassiste Barre Phillips et du saxophoniste Paul Dunmall.

Beaucoup plus près de nous, on peut entendre Ian Ferrier et son disque/livre «Exploding Head Man », le poète Patrice Desbiens accompagné par le groupe Les Moyens du Bord et le disque de Fortner Anderson « Solitary Pleasures », qui sortira prochainement sur & Records, où il est accompagné de Michel F. Côté, Sam Shalabi et Alexandre St-Onge. Par contre, dans le registre free-jazz, le plus récent disque que j’ai entendu qui met en scène une parole poétique est le dernier album de Matana Roberts sorti sur le label Constellation « Coin Coin Chapter 1 : Gens de Couleurs Libres ». Parce que Roberts cherche à se réapproprier une trame narrative historique propre à son histoire personnelle, l’utilisation de la voix devient un incontournable. Par le fait même, elle a produit un disque d’une rare intensité, proche du fabuleux disque d’Eddie Gale « Ghetto Music » (trompettiste qui a joué avec The Coup). Elle utilise la voix comme l'ont fait avant elle les Linda Sharrock et Patty Waters, elle chante, déclame, hurle, crie, tout pour se réapproprier la dit-mension de la parole. Un des meilleurs disques de free-jazz écouté cette année.

Rap et Free-Jazz: Chroniques d'une (non) rencontre pt. 2

2011-11-07T19:44:00.000-08:00

Mais le propos qui nous intéresse est plus pointu, plus obscur, il questionne essentiellement la non-rencontre de l’art vocal du rap et du free-jazz. Et qui dit free-jazz, dit aussi « Fire Music » new-yorkais; un free-jazz urbain, afro-américain qui est né dans le même environnement que le hip-hop moins de vingt ans plus tôt. Il est étrange de parler de non rencontre, ou de non-lieu d’une rencontre, quand on parle de ces deux styles car la ville de New-York a joué un rôle important dans l’émergence des deux genres. Si le constat est plus difficile pour le free-jazz, il demeure plus évident pour l’ensemble de la culture Hip-Hop, celle-ci s’étant consolidée dans les rues du Bronx. Nous sommes au milieu des années 70. Quelques années auparavant, Albert Ayler, Ornette Coleman, Cecil Taylor, Sun Ra (de 1961 à 1970), occupent la ville et tentent de survivre comme ils peuvent en s’accrochant à leurs explorations et en réinventant les genres. Le trompettiste Bill Dixon organise de son côté l’ « October Revolution » en 1964. D’où vient la faille, la cassure entre les deux genres pourtant géographiquement très proches? Peut-on penser que l’exode massif des musiciens en Europe a fait taire le free-jazz dans les clubs et les lofts de New-York, sont caractère « uncool », son manque de commercialisation et sa nature underground ont nui à sa réappropriation par un genre musical en quête d’identité et de richesses ?

On pourrait penser que l’association avec le free-jazz, la Fire Music, aurait pu s’accomplir. Mais il semble que dans les deux démarches, une scissure infranchissable les sépare. Si le hip-hop a pris naissance dans les mêmes terreaux fertiles que le free-jazz, et s’est associé aux mêmes valeurs et revendications, comme la voix du peuple afro-américain en marge des grands courants musicaux modernes et commerciaux, ceux-ci ne se sont jamais rejoints, ou du moins, pas comme plusieurs l’auraient espérés. Peut-être que cette non-rencontre résulte d’une erreur méthodologique que plusieurs font en ce qui concerne la naissance du hip-hop et du rap en particulier. Car il apparaît pour certains que le hip-hop tient plus du reggae et du dub et que l’émergence des mc’s s’approche plus des toasters jamaïcains que des artistes spoken word. Par ailleurs, si le spoken word d’Amiri Baraka était soucieux de véhiculer un message et de s’adresser à la population afro-américaine, les premiers mc’s du hip-hop étaient beaucoup plus intéressés à faire la fête et divertir les gens…

Il est intéressant de noter au passage que les premiers poètes connus pour avoir posé leur voix soutenus par des musiciens jazz étaient associés aux beatniks; Jack Kerouac, Allen Ginsberg et surtout Leroi Jones (qui deviendra Amiri Baraka). Les deux mouvements se situant en marge de la société lors de leur rencontre vers la fin des années 50. Par la suite, les exemples les plus connus de jazz et spoken word sont ceux de Gil-Scott Heron et de son groupe The Last Poets ainsi que The Watts Prophets, ces deux groupes étant souvent considérés comme des précurseurs du rap. Mais est-ce bien vrai? L’association spoken word et jazz s’est fait naturellement au sein d’une communauté afro-américaine en pleine révolution (voir le livre "Free Jazz Black Power"). La parole devenait un élément d’émancipation, car lorsque se libère une voix qu’on a fait taire pendant deux cent ans (et plus!) elle ne peut qu’être consciente de son poids, de la force de ses mouvements. Mais la suite, dans ce continuum d’expérimentation révolutionnaire, s’est fait de façon plus discrète, moins ouverte, et surtout moins populaire. Quand les textes cherchent à passer un message, il leur faut un support permettant leur diffusion au plus grand nombre. Et le free-jazz s’avère être un mauvais médium pour atteindre cette finalité.

Rap et Free-Jazz: Chroniques d'une (non) rencontre pt. 1

2011-11-05T14:31:00.000-07:00

Le fanzine Tout Va Bien m'a demandé de collaborer à leur prochaine édition et j'ai accepté avec joie. Lorsqu'ils m'ont signifié que je pouvais écrire un texte de 4000 caractères, mon peu de vocabulaire m'a fait comprendre 4000 mots... Je me suis donc lancé dans l'écriture d'un article retraçant la rencontre entre deux formes d'art qui n'a presque pas eu lieu et qui , encore aujourd'hui, est dans un non-lieu (presque) malgré les différents efforts/tentatives de forcer cette rencontre. J'ai donc revu mon propos et raccourci mon texte après vérifications, mais voici quand même ce qui aurait dû être. Notez que je m'adresse ici plus aux amateurs de free-jazz que de rap et que 4000 mots c'est long, voici donc la première partie:

L’association entre le jazz et le rap s’est fait de façon naturelle, comme le rhum & Coke, la substance enivrante se diluant dans le saccharose, teintant légèrement le goût des bulles. De mon point de vue, si on poursuit la métaphore, le rap est l’agent alcoolisant et le jazz l’édulcorant. Car c’est ce qu’on retrouve trop souvent; la version diète du jazz, propre, se mélangeant trop bien aux conventions de la musique Hip-Hop la principale étant de suivre une rythmique en quatre temps. Soixante ans d’histoire du jazz ont toutefois mené à un métissage fade et peu savoureux. Enfin, pour l’amateur de jazz marginal. Car les exemples de réussites sont quand même nombreux, l’association jazz et Hip-Hop a donné lieux à de très belles rencontres et des disques grandioses, que ce soit l’esthétique du collectif Soulquarians, le mouvement Native Tongues, les grands albums de De La Soul, de Tribe Called Quest,Common, Pete Rock, People Under The Stairs, Digeable Planets... la liste est longue.

Le réputé label Blue Note à même ouvert ses voûtes au beatmaker californien Madlib,avec l'album "Shades of Blue" lui permettant d’explorer et d’exploiter un catalogue qui en ferait savourer plus d’un. Mais pas moi. Si Madlib a pousser légèrement la note avec le premier album de Yesterday's New Quintet, les autres qui ont suivi ont sombré trop facilement dans l’esthétique nu-jazz, frôlant de trop près les bases de la nouvelle muzak. On s'ennuyait donc de Lootpack. Il en va de même pour ceux qui ont tenté l’expérience avec des musiciens live, Guru et Jazzmatazz (1993) est probablement le meilleur exemple mais on ne peut pas s’attendre à quelque chose de révolutionnaire lorsqu’on collabore avec Branford Marsalis (allez lire le lien). Par chance la présence de Guru contribue à rendre cet album un incontournable du genre. Ainsi, l’amateur de rap y trouvait bien quelque chose de rafraîchissant mais l’amateur de jazz n’était que légèrement rassasié. Plusieurs années plus tard, il se produisit la même chose avec le deuxième album du trompettiste Erik Truffaz « The Dawn » sorti sur Blue Note en 1998. Truffaz proposait un jazz contemporain où il s’appropriait indûment les services du rappeur suisse Nya. À l’époque on pouvait trouver l’idée bonne mais aujourd’hui encore, le résultat à mal vieilli; du rhum cheap mêlé à un Pepsi diète flat…

Les années 90 auraient pu, quant à elles, changer légèrement le visage du Hip-Hop et du jazz mais on ne les a pas averti. Elles sont donc passé à côté. Les dangers inhérent à la génétique peuvent contribuer à donner naissance à des enfants qui se ressemblent à peu près tous, partageant le même bagage génotypique. Ainsi, ce brassage incestueux à donné naissance à l’enfant hassidim de la musique; le trip-hop. L’utilisation de la rythmique en quatre temps propre au Hip-Hop à permis l’émergence de nombreux beatmakers et DJ’s mêlant jazz et beats. L’émergence du label Ninja Tune en est un bon exemple. Certains musiciens de jazz se sont aussi baignés dans les eaux calmes du trip-hop et on fait des choses intéressantes, entres autres Nils Peter Molvaer à ses débuts avec l’étiquette ECM. Mais en se confinant à une rythmique en quatre temps, on perdait un élément qui révolutionné le jazz dans les années soixante; le jazz modal, l’improvisation, l’arythmie cardiaque

Village Of Spaces: "Alchemy and Trust" (Corleone Records/Turned Word, 2011)

2011-10-10T17:49:00.000-07:00

C'est toujours bien de retourner à la musique folk de temps à autre. Après les soubresauts de l'expérimentation, mieux vaut se retrouver en des eaux plus calmes pour contempler la vie et surtout se laisser porter par les paroles. C'est dans le folk que je retrouve les paroles les plus touchantes, la mise en musique minimale sert parfaitement à la poésie latente qui ne demande qu'une oreille réceptive pour se déployer dans toutes sa splendeur. Et quand folk et expérimentation se mêlent, on goûte souvent à une extase irremplaçable; deux joies qui se conjuguent, un plus-de-jouir qui nous fait dire que la vie vaut la peine d'être vécue et surtout, entendue. Il existe de nombreux groupes folk mêlant expérimentations et paroles enivrantes, mais chaque nouveauté vaut la peine d'être soulignée.

C'est sur le site de Volcanic Tongue que j'ai découvert une de ces perles. Le dernier album du groupe Village of Spaces "Alchemy and Trust", une réincarnation du Uke of Spaces Corners. C'est alors que je me suis souvenu: j'avais déjà acheté un disque de Uke of Spaces Corners, il y a quelques années, une recommandation de Time-Lag Records. J'y suis donc retourné par le fait même. Village of Spaces est l'oeuvre de Dan Beckman et d'Amy Moon, les deux ont voyagé entre Portland (Maine) et Portland (Oregon)et ont enregistré cette collection de chansons dans diverses locations. Ce déplacement géographique m'a instillé des rapprochements avec d'autres musiciens du genre, tels ceux issus des cendres de Cerberus Shoal et du groupe Fire on Fire. Eux aussi ont concilié folk et expérimentation et ont sortis de nombreux albums dignes de mention. Notons au passage celui de Chris Sutherland "Me In A Field" paru sur Digitalis, le fabuleux album de Fire on Fire "The Orchard" sur Young God Records et le duo de Caleb Mulkerin et Colleen Kinsella, qui enregistrent sous le nom Big Blood.

Ainsi, le rapprochement est de plus en plus évident quand on retrouve Kinsella et Mulkerin sur la pièce "Forget Me Not". Il s'agit bien de la même scène musicale. On retrouve aussi l'inénarable Michael Hurley au violon sur une chanson et on remarque particulièrement la présence d'une certaine Caethua, musicienne/chanteuse qui vient également de sortir un album aussi sur Turned Word, sur deux chansons (accompagnés d'Andy Neubauer à la basse). En passant, son disque "The Summer is Over Before It's Begun", après une première écoute est très bon malgré une pochette passablement horrible. Quelques invités donc, mais c'est surtout le duo Beckman/Moon qui prend toute la place, leur harmonies vocales retenant particulièrement notre attention. C'est cependant Dan Beckman qui occupe l'avant-plan, avec une voix agréablement nasillarde, un peu plus haute que celle de Dylan.

Petite parenthèse sur l'album de Uke of Spaces Corners que je possédais déjà. "Albumen/Ovum" sorti en 2009, semble plus être l'oeuvre d'un seul homme (Beckman) et de ses amis. Les harmonies vocales sont moins à l'avant-plan et les expérimentations sont beaucoup plus foisonnantes, ce qui rend le disque un peu plus cryptique. On y retrouve une pièce "Eggs Influence", reprise sur "Alchemy and Trust" sous le titre "Ovum Influence", bénéficiant d'une meilleure captation sonore et d'arrangements plus travaillés. D'ailleurs, cette chanson représente parfaitement le travail du duo Beckman/Moon nous entraînant dans une composition cyclique, un genre de spirale ascendante qui nous élève tranquillement au-dessus du marasme de nos vies quotidiennes. Village Of Spaces nous gardent quand même près de la réalité et nous proposent un folk terrestre, qui pousse dans les champs de blé et qui, lorsqu'il rencontre les bons ingrédients, peut se transformer en une nourriture apaisante.

Smegma & Jozef Van Wissem : "Suite the Hen's Teeth" (Incunabulum, 2011)

2011-09-22T19:53:00.000-07:00

C'est étonnant de constater que certains artistes commandent notre attention. Dès les premières mesures d'une pièce on se sent captivé et entraîné par la musique, vers un monde où on en ressort rarement indemne. Parfois les premières mesures suffisent, parfois tout se gâche dès que se déploie la structure de la chanson. Mais des fois, la structure ne se déploie jamais; elle reste figée dans le temps, prise dans une répétition infernale présentant peu de modulations. Certains appellent ça du minimalisme... Le cycle répétitif peu apaiser, endormir ou même exaspérer. Quand j'ai vu le groupe australien The Necks en concert pour la première fois, il y a quelques années, j'avais de la difficulté à réprimer une montée de rage, d'agressivité. La répétition m'avait terrassé, je n'étais plus capable de soutenir le poids de notes provenant des instruments de ce trio.

À un moment donnée, on a commencé à parler d'un certain Jozef Van Wissem, un musicien néerlandais qui faisait aussi dans le répétitif. Son caractère iconoclaste se révélait cependant par l'utilisation d'un instrument particulier; le luth médiéval (ou baroque). Un musicien qui tentait donc de sortir un instrument confiné aux orchestre de chambres, ou aux ensembles de musiques médiévales, de sa zone de confort. Et surement, par le fait même, se sortir de sa zone de confort à lui. Van Wissem depuis les années 2000, cumule les sorties d'albums, autant en solo qu'avec des collaborateurs. Pour ma part, je l'ai découvert en duos avec le guitariste Tetuzi Akiyiama (autre minimaliste, parfois) et avec le guitariste Gary Lucas, qui jouait au sein du Magic Band de Captain Beefheart. Deux disques très différents; le premier est beaucoup plus abstrait et TRÈS minimal, tandis que que le deuxième est beaucoup plus mélodique et rythmé. Par la suite il a collaboré avec l'excellent guitariste James Blackshaw et ont formé le duo Brethren of The Free Spirits. Van Wissem naviguait donc dans les eaux connues de la guitare, des instruments à cordes similaires au sien. J'ai aussi eu la chance de jouer en première partie de son spectacle à la Casa Del Popolo dans le cadre du Suoni il y a quelques années. Sa musique solo est hypnotisante, méditative et nous entraîne dans un monde émotionnel où chaque notes de son luth résonnent avec les formations inconscientes peuplant nos manques.

Pour l'info, j'ai lu récemment que Van Wissem allait faire un album avec le réalisateur Jim Jarmusch et qu'ils avaient fait une chanson ensemble, parue sur le plus récent disque de Van Wissem sortie sur Important records, intitulé "The Joy That Never Ends". Mais je me lasse vite des artistes solo, en particulier des guitaristes (luthistes, whatever...). Il m'apparaît qu'après quelques disques (2-3) de guitare solo, il est temps de faire autre chose. Ainsi, je ne suis plus aussi excité qu'avant quand Glenn Jones sort un nouveau disque solo, par exemple, non plus quand Jozef Van Wissem le fait...

Van Wissem a également mis sur pied son propre label, nommé Incunabulum, qu'il utilise pour sortir sa propre musique mais aussi d'artistes qu'il apprécie. L'esthétique du label est très léchée, sombre, pochettes sérigraphiées reproduisant souvent des gravures médiévales ésotériques. Le noir et l'argent sont omniprésents.

C'est ainsi qu'en cherchant des nouveaux disques récemment, chez un disquaire où je mets rarement les pieds, je suis tombé sur des nouvelles sorties du label Incunabulum, dont deux totalement excellentes. Je vais ici parlé de celle qui m'a le plus jeté par terre, soit la collaboration entre Smegma et Jozef Van Wissem. Je connais peu la musique de Smegma, les seules occasions d'écoute m'ont laissée l'impression d'un groupe brouillon, un peu noise et, malgré tout ce que j'ai pu lire sur eux, ne m'a pas donné le goût d'en écouter plus. J'avais donc quelques appréhensions...

Peu d'informations sur la pochette du disque, on sait que Van Wissem joue du luth(!) mais on ignore de qui est composé Smegma pour cet enregistrement et quels sont les instruments utilisés. Il semble cependant qu'il s'agit plus d'une collaboration entre Van Wissem et Ju Suk Reet Meate, un des membres fondateurs de Smegma. Au niveau sonore, cela fait beaucoup de sens, car les pièces ne sont pas trop chargées et les différents instruments utilisés respirent suffisamment. Le seul "magma sonore" est le titre d'ouverture du disque :"Prélude", qui somme toute apparaît comme le morceau le plus démocratique du lot. Car naturellement, c'est le luth de Van Wissem qui occupe sensiblement l'avant-scène et ont peu parler d'accompagnements de la part de Smegma (d'ailleurs, le smegma n'accompagne-t-il pas... laissez-faire).

Excellente pièce d'impro "Fugue de la Psyche", Van Wissem propose un jeu plus épuré, moins mélodique et des sons de cloches, de vibraphone, de percussions, qui prennent une place plus importante, surtout quand Van Wissem entre et ressort dans passages rythmés mélodique et des passages abstraits qui laissent une place plus importante aux accompagnements. Mes morceaux préférés demeurent ceux où la trompette dissonante de Smegma partage les devants avec le luth de Van Wissem comme sur "Bransle de Chevaux" et "Courante la Pomme D'Or".

Franchement, un excellent disque. Dans la ligné de ceux qui ont tenté de mélanger guitares acoustiques et expérimentation/improvisation, dont la seule comparaison qui me vient est le disque (beaucoup plus construit) de Cul-De-Sac avec John Fahey.

Huntsville: "For Flowers, Cars and Merry Wars" (Hubro, 2011)

2011-09-12T08:39:00.000-07:00

Lors de mon passage au Festival de Musique Actuelle de Victoriaville en 2010, j'ai assisté à plusieurs concerts en raison d'une passe me permettant l'accès à toutes les salles. J'ai dû restreindre mes choix en fonction d'un séjour plutôt court au festival. J'ai néanmoins assisté à un concert soporifique dont la description sur papier m'intriguait. Il s'agissait du groupe Dans les Arbres, dont j'avais entendu aussi des critiques élogieuses, surtout sur les musiciens individuellement. Ce quatuor formé de Xavier Charles, Christian Wallumrod, Ingar Zach et Yvar Grydeland venait aussi de sortir un disque sur le prestigieux label ECM, garant d'une certaine qualité musicale. Un groupe qui explore les sonorités et les textures, qui pratique une musique non-idiomatique, s'éloignant des lignes mélodiques et de rythmiques pour privilégier le son. Ce genre d'improvisation m'apparaît souvent trop cérébrale et je décroche après un certain temps, surtout le lendemain d'une soirée bien arrosée...

Huntsville m'a permis de retrouver deux de ces musiciens; le percussionniste Ingar Zach et le guitariste Ivar Grydeland . Tous deux collaborent régulièrement dans la scène jazz expérimentale norvégienne. Outre Dans les Arbres, ils forment aussi le duo Visiting Ants et participent au groupe No Spaghetti Edition. Pour ce projet, ils se sont fait rejoindre par le contrebassiste Tonny Kluften, lui aussi associé à la scène jazz expérimentale et qui a joué avec de grandes pointures telles; Tony Oxley, Derek Bailey et Peter Brotzmann. Si je fait leur curriculum, c'est que le résultat de leur association dans Huntsville est plutôt surprenant.

Les trois musiciens ont concocté un album à saveur résolument krautrock/kosmische musik en privilégiant les rythmiques répétitives, les drones orientalisant et les ambiances psychédéliques. Ils ont réussi à faire un disque d'improvisation accessible et rafraîchissant. Alors que je m'étais assoupi au spectacle de Dans Les Arbres, Huntsville me tient vraiment réveillé. En ayant un souci rythmique, ils s'assurent de garder plus facilement l'attention de l'auditeur. D'ailleurs, le jeu d'Ingar Zach est fabuleusement riche; même s'il ne peut trahir ses origines, on reconnaît que son jeu est libre et improvisé, mais il le déploie en suivant diverses rythmiques et utilisant de multiples sonorités. Les trois musiciens ont une qualité d'écoute et de réponse incroyable, les lignes mélodiques se développent rarement et sont brouillées par les effets de distorsion.

La pièce titre forme le gros de l'album, toute la face du côté A. On retrouve sur ce morceau la chanteuse Hanne Hukkelberg pour les cinq premières minutes. Sa présence est un leurre car dès qu'elle s'estompe à l'arrière plan on s'éloigne du domaine de la chanson pour entrer dans le monde de Huntsville, où les drones de Kluften permettent à la guitare de Grydeland de se déployer. On a un peu de difficulté à discerner qui joue quoi et la présence d'électroniques vient brouiller les pistes. Cependant, quand le banjo et les handclaps embarquent, c'est presque jouissif.

J'apprécie énormément de voir des musiciens polyvalents capable de tremper dans différents styles d'improvisations.Cette superbe sortie sur le label Hubro se retrouve dans ma liste d'albums prétendants au titre de disque de l'année.

Art Fleury: "I luoghi del potere" (1980, réédition Die Schachtel, 2007)

2011-09-06T16:14:00.000-07:00

Ayant déjà abordé le sujet du mouvement Rock In Opposition, je ne me perdrais pas en conjonctures. La politisation de la musique m'intéresse de plus en plus ainsi que les groupes qui ont su incarner le politique dans une démarche artistique. Parmi ceux-ci, il faut souligner le groupe italien Art Fleury, qui en plus de militer pour la révolution, ont tenté de créer une révolution musicale à leur échelle. Le groupe a pris naissance au milieu des années 70's et les trois membres étaient affiliés avec un groupe d'extrême gauche radical nommé la Lotta Continua. Ce groupuscule compta parmi ses leaders l'écrivain italien Erri De Luca. À l'instar du RIO, le groupe se plaçait volontairement en marge des réseaux de diffusion traditionnels, prônant une indépendance totale. Même s'ils n'ont jamais adhéré à la famille du Rock In Opposition, Art Fleury ont tout de même partagé la scène avec Henry Cow.

Formé d'Augusto Ferrari (claviers), Maurizio Tomasoni (saxophone soprano, flûte, clarinette) et Giangi Frugoni (guitares, basse), Art Fleury ont tenté de s'opposer à la masse oppressante du capitalisme dans l'art et de libérer leur créativité au travers d'une musique à l'image de leur rêves et aspirations; libre de contraintes, nouvelle, révolutionnaire. Avec leur premier album "I luoghi del potere", ils ont aussi tenté de reprogrammer l'humain dans sa façon d'écouter la musique; en juxtaposant divers éléments sonores et en fracturant de façon abrupte toute tentative d'homogéinité mélodique pouvant mener à endormissement des masses. Un premier album hautement inspiré, mêlant les éléments du rock avec l'électronique, l'improvisation et les collages sonores. Les mélodies sont souvent brisées avant qu'elles ne se déploient dans leur totalité et les changement brusques de registre, souvent à l'intérieur d'une même pièce, incitent l'auditeur à rester sur le qui-vive. Ils proposent rien de moins qu'une nouvelle façon d'écouter la musique...

Naturellement, Art Fleury n'innovent pas dans cette réinvention de la musique. Ils suivent les traces des John Cage et Pierre Schaeffer de ce monde qui ont, pour leur part, vraiment révolutionné la musique et l'écoute. Par contre, ils tentent de faire sortir la musique des lieux de pouvoirs (I luoghi del potere), en particulier celui du système capitaliste régissant l'art et la musique. À la lumière d'une écoute actuelle, je ne saurais dire s'ils y parviennent mais ils ont réussi à créer un disque inventif et unique en son genre.

Il est intéressant de noter que l'Unesco vient tout juste de déclarer comme patrimoine mondial de l'humanité 7 "lieux de pouvoir", répartis dans toute l'Italie, qui sont en fait des lieux historique du culte catholique. On ne sait pas si l'expression "I luoghi del potere" était utilisée en 1980 pour désigner ces sept lieux de culte. Seulement, en nommant leur disque de cette façon, Art Fleury s'attaquent non plus à l'usine, l'école, la ville... mais aussi à la religion de façon directe; institution sociale contrôlante et pré-déterminante par excellence.

Die Schachtel ont fait un superbe travail pour la réédition avec un livret en anglais et en italien. Les illustrations du livret (et la couverture) sont magnifiques et, quoique crées spécialement pour la réédition, fidèles à l'aspect totalitariste de la musique telle qu'envisagée par le groupe. Pour les lecteurs montréalais, la Bouquinerie du Plateau vendent des copies neuves du disque ainsi qu'une bonne partie du catalogue de ce label.

"Music IS Rapid Transportation; from The Beatles to Xenakiss" ( Charivari Press)

2011-08-31T20:09:00.000-07:00

Je viens de terminer la lecture d'un livre très intéressant chez Charivari Press. Il s'agit d'une collection de textes de divers auteurs canadiens (Lawrence Joseph, Dan Lander, Donal McGraith, Bill Smith, Alan Stanbridge, Scott Thomson & Vern Weber, édité par Daniel Kernohan) qui s'intéressent de près à la musique. Propriétaires de maison de disques, critiques, organisateurs de spectacles, musiciens à temps partiel, tous font le récit de leur entrée dans la musique sous forme d'une narration chronologique. Comment la musique pop (plusieurs mentionnent The Partridge Family...) de leur enfance leur a servi de portail vers un monde parallèle, celui des musiques spécialisées. Issus de générations différentes, les auteurs abordent leur parcours en s'arrêtant sur les moments marquants de leur vie; les concerts, la découverte d'un nouveau style musical et on note l'amorce d'une réflexion intéressante sur les êtres qu'ils sont devenus.

Ma réflexion est plutôt alimentée par le fait que les auteurs partagent entre eux de nombreuses expériences communes. La première est l'ouverture aux styles de musiques hors-normes à travers le jazz et le rock expérimental: Captain Beefheart, King Crimson, Frank Zappa, etc... Bref, des groupes qui ont réussi à être commercialisés tout en intégrant dans leur démarche des éléments et des idées appartenant à d'autres styles musicaux. Dans le cas de ceux tout juste mentionnés, c'est l'incorporation du jazz, de la musique classique contemporaine et la collaboration avec des musiciens issus de d'autres scènes (Jamie Muir avec King Crimson, par exemple, qui a suscité un questionnement. On remarquera au passage que ces auteurs sont de culture Anglo-Saxonne...

Deuxièmement, ils sont tous devenus des collectionneurs de disques. La recherche musicale semble avoir comme constante la fétichisation de l'oeuvre. Le désir de posséder l'objet devient envahissant et s'ensuit une course folle pour obtenir l'objet convoité. D'autant plus qu'à l'époque de l'avant-internet, socialiser avec les disquaires et s'abonner à des mailing lists de maison de disques, semblaient être les façons les plus accessibles pour avoir accès à des nouvelles musiques. Tous mentionnent aussi la nécessité d'une socialisation particulière, presque hiérophantique, avec des individus qui leur ont fait découvrir de nouveaux artistes et à quel point ces gens sont toujours importants pour eux.

Troisièmement, l'ouverture n'est pas que musicale. La plupart des auteurs font état aussi d'une ouverture au monde de l'art contemporain en général et sur la philosophie, les sciences humaines, etc... La musique ayant servi de point de départ à la découverte d'un autre monde. C'est la quête de possession qui semble être à l'oeuvre encore une fois. Possession intellectuelle cependant, pour s'approprier les idées qui infusent dans la musique.

Finalement, la dernière constante est que cette course folle a aussi permis l'ouverture à d'autres genres musicaux. Progression très naturelle. Je suis presque certain que ces quatre constantes se retrouvent chez tous ceux qui s'intéressent de près à la musique expérimentale. Juste en regardant mon parcours et celui d'amis proches, je peux dire que nous partageons en effet une démarche en tout point similaire.

Il faut donc suivre un fil d'Ariane qui mène aux travers des méandres du comportement humain pour arriver à en faire ressortir les signifiants. Quels sont ceux qui dictent une telle démarche? Bonne question dont je cherche encore la réponse. Pour revenir au livre, les auteurs ajoutent chacun à la fin du livre une liste personnelle de disques ou d'artistes qu'ils qualifient de majeurs et qui ont contribué à leur enrichissement musical. On ne parle plus juste de musique expérimentale ici. D'ailleurs un autre fait intéressant, c'est qu'ils retournent tous à un certain moment de leur vie vers des formes de musiques plus populaires... J'ai aussi été frappé par ceci de particulier: la plupart font mention du groupe Art Bears (et Henry Cow) comme étant un groupe ayant changé leur vie.

Art Bears était formé de Fred Frith à la guitare, Chris Cutler à la batterie et Dagmar Krause au chant. Ce groupe a pris naissance suite à la dissolution d'Henry Cow, à l'origine du mouvement. Des trois je ne connaissais que Frith, en raison de ses disques solos et des collaborations sur le label Tzadik dont Death Ambient et Massacre . Mais je n'apprécie pas encore toute la portée de Art Bears, je continue de penser que c'est un groupe pour baby boomers, faisant saliver ceux derrière la programmation du FIMAV... Peut-être que mon opinion va changer avec le temps, comme elle l'a fait si souvent.

Il va sans dire qu'après la lecture du livre je suis allé écouter plusieurs extraits de Henry Cow et Art Bears mais je ne m'y fais pas encore. Peu importe, car au delà de la musique, il y a toute l'idée derrière le fameux Rock In Opposition. Et c'est cela qui m'a intéressé le plus. Comment des groupes an marges des diffuseurs traditionnels sont arrivées à s'organiser et assurer leur survie par la distribution de disques, la mise sur pied de labels et l'organisation de réseaux de tournées. Un modèle qu'il serait grand temps de revisiter afin d'assurer la survie d'une scène musicale underground de qualité. Plusieurs groupes dans plusieurs pays d'Europe ont adhéré à ce que je me permet de qualifier de mouvement politique; entres autres Aksak Maboul en Belgique et Etron Fou Leloublan en France. j'avais déjà lu sur le mouvement et connaissais les groupes qui en faisaient parti mais on dirait que de plus en plus, j'en retire quelque chose de plus urgent. Comme le besoin de revenir à une politisation de l'acte musical, de faire une musique politique dans sa forme et pas nécessairement dans son contenu.

Lewis Parker: "Masquerades & Silhouettes" (Melankolic, 1998)

2011-08-15T18:35:00.000-07:00

Je ne l'avais pas vu arriver. Quand on m'a parlé de Lewis Parker pour la première fois, j'ai tout de suite pensé à un jazzman. Quand j'ai vu le disque, mon impression ne faisait que se confirmer. Mais on m'a assuré que c'était bien du rap, du bon. Que je pouvais glisser le cd dans mon lecteur et que je ne serais pas déçu. Qu'il s'agissait d'un grand album; cohérent, travaillé, des bons beats et des textes réfléchis. On m'avait dit la vérité. À partir de ce moment, "Masquerades & Silhouettes" m'a suivi partout en cassette, comme la trame sonore de la fin du millénaire, en symbiose avec mes préoccupations et mes questionnements.

En fouillant un peu, on voit que plusieurs amateurs partagent cette opinion, que ce premier album de Lewis Parker s'est imposé avec le temps comme un classique du rap U.K., au même titre que "Brand New Second Hand" de Roots Manuva. Sauf que le label ayant sorti ce disque n'avait rien à voir avec Big Dada et Ninja Tune, c'était plutôt le label du groupe Massive Attack, Melankolic, division de Virgin. Avec ce label, les musiciens de Massive Attack souhaitaient faire connaître des artistes underground de Londres, leurs collaborateurs ou des musiciens méconnus méritant une vitrine à plus grande échelle. Une équipe expérimentée était derrière le label et ils avaient les moyens de leurs ambitions; l'utilisation des échantillons est légale.

Ce qui frappe d'abord est la superbe direction artistique d'un certain Stephen Male; l'esthétique visuelle de la pochette est irréprochable, un clin d'oeil aux couvertures de LP de jazz avec seulement une silhouette qui marche sur la grève, souliers à la main. Rien de bien hip-hop... Surplombé d'une typographie classique avec un sous-titre qui nous éloigne encore de nos habitudes: "The Ancient Series One" (Il était supposé avoir toute une série d'albums de Lewis Parker mais finalement ça ne semble pas s'être concrétisé, il y a eu le "Ancient Series Three", mais pas de deux...). La production est assurée par Parker lui-même mais il est aidé par The Sea sur la prod additionnelle. J'ai comme l'impression que c'est cet apport qui scelle ce disque d'une formidable cohérence au niveau sonore. Peu de featurings aussi, seulement un certain Supa T sur deux pièces et la présence de DJ Bias sur la plupart des morceaux. Au résultat, un disque court; 8 chansons, 36 minutes, frôlant la perfection.

Lewis Parker se présente sous des crépitements de vinyles et des breaks poussiéreux, envoûtants, épousant les formes de sa mystique. C'est un rappeur en mission, qui développe au travers de ses chansons une trame narrative où il traverse le désert des faux-semblants pour pourfendre les wack mc's. Représentant d'un hip-hop libéré de ses artifices, son combat fait écho à celui de ses homologues américains avec les débuts d'Anticon, de Mush et d'une certaine intelligentsia underground américaine (New-Yorkaise principalement). Sauf que Parker est plus mélodique, plus lyrique et semble être moins nourri d'agressivité. Il reste calme et posé sur l'ensemble de l'album, laissant transparaître une attitude détachée, s'élevant au-dessus de la situation trompeuse du Hip-Hop de l'époque. De plus, il prône une transcendance, l'illumination pour accéder au savoir qui permet de distinguer le faux du vrai. Avec le recul cependant, on se rend compte que l'outillage de ses métaphore est un peu puérile; des métaphores de chevaliers, de jedis, "la force", le troisième oeil, etc. Rien de bien substantiel au final. Des clichés d'une spiritualité de masse, plus proche de la culture populaire que ceux véhiculé par Kunga 219 dans "Tharpa's Transcript" (par exemple).

Parker joue la carte du mystique sans trop approfondir. En gardant les concepts superficiels, il se garantit d'être compris par un plus grand nombre de personnes. Il parvient à écrire des textes hybrides entre la quête spirituelle véritable et les préoccupations futiles d'un jeune artiste hip-hop londonien. Mais comme beaucoup d'autres sa droiture spirituelle s'est affaissé après son premier disque (un peu comme Kunga 219, d'ailleurs...). Difficile de garder cette ligne directrice, surtout pour des considérations artistiques. Ça ne prends pas de temps avant de redevenir qu'un humain comme les autres. Pour la majorité des jeunes rappeurs qui ont exploré cette branche, le résultat est le même; ils finissent toujours par se heurter au dur sol de la réalité. Pas de pouvoirs extra-sensoriels, pas de complots, pas de magie. Juste leur pauvre égo aux prises avec la même réalité que tous les autres. On peut toujours se faire croire des choses, reste que la réalité nous rattrape toujours.

Cut Hands "Afro Noise I " (Very Friendly, 2011)

2011-08-09T20:28:00.000-07:00

Je suis très peu familier avec le groupe Whitehouse. Je ne sais pas si s'être submergé dans leur musique est un prérequis pour appréhender la musique de Cut Hands...

Cut Hands, les mains coupées. Il ne reste que des moignons noircis par le feu pour éviter que la gangrène se propage. William Bennett est un homme de concepts... et d'excès. Seul membre érigé de Whitehouse,groupe à géométrie variable depuis 1980, où Bennett et plusieurs collaborateurs ont exploré l'excès à travers la musique. Des signifiants hautement sexualisés qui servent à transgresser les tabous; perversions, viol, pédophilie, sado-masochisme... Bien souvent les mots qui ont accompagné la musique de Whitehouse étaient tout aussi provocateur et sexualisés, comme le soulignent les collaborations avec l'écrivain Peter Sotos. Est-ce que Cut Hands est différent de Whitehouse? Surement au niveau du contenant, mais je crois bien que le contenu reste le même. Je serais surpris de lire que Bennett a voulu faire un album léger avec ce projet, d'oublier les idées et les images qui infusent sa musique depuis plus de trente ans.

Si la Sharia prescrit aux législateurs de couper la main à celui qui vole, la sentence s'est pervertie et a affecté des travailleurs miniers et agricoles du Congo de l'ère coloniale. En fait, le mot travailleurs est bien ironique. Les mains coupées,; c'est le sort réservé à l'esclave qui ne sert plus à rien et dont on veut éviter qu'il travaille pour la compétition. Cette façon de faire a été décrié par plusieurs et l'élection démocratique de Lumumba ne mena qu'à son assassinat et au retour de l'exploitation.

Quel est donc le message que veut passer William Bennett avec Cut Hands, un projet dit "Afro-Noise" ? Bennett n'incarne-t-il pas le blanc colonisateur qui pille les ressources d'une culture pour la ramener à l'occident en tant qu'homme blanc conquérant? Où s'agit-il d'une oeuvre d'amour, de profonde révérence envers une culture qui le fascine? Y a-t-il une différence entre ses deux positions... bien sûr on peut nuancer. Reste qu'en raison de son parcours, je questionne l'intention.

Il y a quelque chose de profondément morbide dans la musique de Cut Hands; trame sonore d'un film afro-futuriste où des esclaves meurent dans des mines sombres, ne pouvant rêver que de la lumière du jour. Ils cherchent le salut dans la transe et la possession, les seules façons qui leur reste d'échapper à leur prison corporelle. Le mélange de noise et de percussions de style africaines est particulier. En mélangeant pecussions traditionnelles et synthétiseurs, Cut Hands parvient à créer une musique électronique hypnotisante et intrigante. Les pièces rythmées sont parfois entrecoupées de pièces de synthés mais l'introduction qu'est "Welcome to the Feast of Trumpets", avec sa rythmique plus posée est une de mes pièces préférée du disque.

Particulière aussi la vision fantasmatique de l'esclave africain qu'entretient Bennett; celle de l'animiste qui utilise la sorcellerie pour retrouver la liberté de son esprit. D'ailleurs il utilise comme image des vévés archaïques tracés par une certaine Mimsy De Blois. Dans le vaudou créole, les vévés sont tracés autour du potomitan (poteau central), la pochette du disque représente-elle ce phallus dressé à l'instar de l'album "Erector" de Whitehouse? Une chose est sûre, Bennett est parvenu à m'intriguer.

Je lisais récemment des trucs sur Throbbing Gristle, Psychic TV et leurs amis. En particulier sur le Temple Ov Psychic Youth (TOPY). Intéressante corrélation entre la magie, la sexualité et la musique

Shabazz Palaces: "Black Up" (Sub Pop, 2011)

2011-07-28T20:29:00.000-07:00

Il y a déjà quelques mois que le nom de Shabazz Palaces circule sur les internets. Même le Wire a fait une entrevue avec Ishmael Butler aka Palaceer Lazaro, l'homme derrière le projet. Butler s'est fait connaître dans les années 90 sous le pseudonyme Butterfly, en tant que rappeur au sein du trio Digable Planets. Suite à l'arrêt de DP, l'homme s'est fait discret pour mieux revenir. Repenser son approche, faire des spectacles masqués (à la MF Doom), construire une mystique autour du projet et s'entourer de collaborateurs intéréssants entres autres, le percussioniste/rappeur Tendai Maraire et le duo féminin THEESatisfaction (à découvrir).

Car de nom, Shabazz Palaces fait directement référence à une mystique empruntée ouvertement à la mythologie du Nation of Islam. Shabazz est un personnage mythique, scientifique, guide d'une tribu royale qui a émigré en Afrique plus de 4000 ans avant notre ère. 13ème et unique tribu ayant survécu au cataclysme, toutes les nations descendent de la tribu de Shabazz. Ce nom fut aussi celui adopté par Malcolm X ainsi que par les membres de sa famille, il s'appropriait une descendance directe de la lignée de Shabazz:Malcolm Little aka El-Hajj Malik El-Shabazz aka Malcolm X. Une histoire de nom donc, d'héritage et de descendance.

Ainsi, les palais de Shabazz sont-ils les restes d'une légende, cachés sur des territoires isolés, que seul l'explorateur aguerri saura retrouver? Ou est-ce le fruit d'un travail de topologie, nécessaire pour situer une négritude afro-américaine dans l'inconscient du principal intéressé? Peut-être. On sait cependant que la feuille de route d'Ishmael Butler est longue. Que grâce à celle-ci, il amène ce que tous ces nouveaux rappeurs modernes n'ont pas: de la crédibilité. Voici un homme qui s'est voué corps et âme au Hip-Hop, s'est fait l'ardent défenseur d'un Hip-Hop conscient, apôtre de la non-violence et d'un éveil spirituel. Il revient maintenant au commande d'un projet Hip-Hop afro-futuriste solidement ancré dans ses racines. Et son discours reste sensiblement le même qu'à l'époque de Digable Planets; la libération intérieure des chaînes de l'égo, l'élévation, la découverte de soi, l'honnêteté et la transparence.

J'avais été très impressionné par les deux ep's de Shabazz Palaces sortis cet hiver, disponibles uniquement sur leur site internet. Les écussons arabisants servant de d'ornements aux pochettes se voulant une autre référence directe au Nation of Islam. Deux excellents albums de rap qui se complétaient et mettaient la barre haute pour un album complet. Mais Butler et ses compères ont su relever le défi en poussant l'enveloppe de la recherche musicale. C'était calculé, la réflexion et l'esthétique derrière «Black Up» semblent beaucoup plus mûres. De plus, Shabazz Palaces ont du soul, du vrai. Ils infusent de l'âme à leur musique avec des sonorités chaleureuses et une recherche musicale poussant vers l'originalité.

La principale qualité de l'album "Black Up" est son assise dans la culture afro-américaine. Shabazz Palaces parviennent à intégrer dans leur musique une multitude d'influences, surtout puisées dans les musiques dites noires; soul, jazz, rnb, rap et s'en servent comme moyen de transport pour sortir de notre système solaire. Bien souvent on rencontre des références lexicales sur l'espace, le cosmos, le voyage. On y voit rapidement un Sun Ra Arkestra des temps modernes. Cette constatation m'a d'ailleurs permis de me remémorer comment j'ai jalousé l'autre rappeur de Digable Planets, Cee-Knowledge, lorsqu'il a sorti en 2002 un single avec le Sun Ra Arkestra.

ALors que celui-ci restait dans l'idiome jazz/rap, Shabazz Palaces va plus loin et multiplie les références à ses racines africaines. Reste à voir jusqu'où ils vont aller, et si, à l'instar du Hip-Hop, ils ne vont pas finir par se scléroser dans une façon de faire.

Épiphanie musicale 1: Die Like a Dog

2011-07-26T20:13:00.000-07:00

Il y a des expériences musicales qui changent nos vies. Je l'ai écrit suffisamment sur ce blog mais je tenais à revenir sur une expérience particulière qui a transformé ma façon de voir la musique.

En octobre 2000, j'ai décidé d'arrêter de consommer toutes formes de drogues et à partir de ce moment, sans m'en apercevoir, j'ai commencé à remplacé le manque par autre chose. À l'époque je travaillais dans un magasin de meubles au coin des rues St-Denis et Marianne à Montréal. Un emploi pas très très compliqué ou je devais m'occuper de l'entrepôt et de l'emballage des meubles. J'avais par ailleurs beaucoup de temps pour moi, pour lire et écrire. Je commençais à m'intéresser au jazz et plus particulièrement au free-jazz et/ou expérimental. Sous l'impulsion du beatmaker d'Atach Tatuq 1-2 d'Piq, je découvrais un paquet d'artistes et des formes musicale dont j'avais aucune connaissance. Par un heureux hasard,un après-midi, je suis entré au magasin de disque l'Oblique, situé à un coin de rue de mon travail. Et j'ai commencé à acheter des disques. Plein de disques.

Je ne me souviens plus du premier disque que j'ai acheté là-bas, seulement que c'était un genre d'électro drum & bass qui se voulait expérimental. Un artiste local. Je me souviens par contre que je suis allé le retourner et qu'à partir de ce moment je n'allais pas être dans les bonnes grâces du disquaire. Mais j'ai fait à ma tête. J'ai acheté beaucoup d'albums, surtout sur le label Tzadik. Des albums que j'ai revendus pour la plupart mais quand même intéressants. J'ai découvert Derek Bailey, Fred Frith, John Zorn bien sûr, Masada, Ikue Mori, Otomo Yoshihide et bien d'autres... Par la bande j'ai aussi découvert le label Ambiances Magnétiques, Shalabi Effect, Godspeed You Black Emperor....

Précisons qu'avant 2000, je n'écoutais que du rap. De 95 à 2000 je suis passé de uniquement du rap américain, à uniquement du rap français, à uniquement du rap québecois, à uniquement du rap américain. Vers la fin de 2000 je m'ouvrais au jazz, au dub, à l'électro...

Je continuais d'écrire des textes de rap mais me dissociait de plus en plus du mouvement et de la direction artistique de mon groupe Traumaturges. Parallèlement, je pratiquais la méditation de façon quotidienne, me plongeait dans les écrits bouddhistes et autres doctrines ésotériques orientales. C'est avec toutes ces considérations en tête qu'une petite entrevue dans le journal hebdomadaire Ici (R.I.P.) a capté mon attention en avril 2001. Une entrevue d'un quart de page qui annonçait un concert du saxophoniste allemand Peter Brotzmann. Le concert avait lieu à la Casa Del Popolo, endroit dont je n'avais jamais entendu parler à cette époque. Je connaissais un peu la musique de Brotzmann, surtout par ses collaborations avec Bill http://www.blogger.com/img/blank.gifLaswell telles Last Exit et Low Life. J'ai réussi à convaincre un ami rappeur de Traumaturges (Égypto Boz) de m'accompagner pour ce concert, hésitant un peu à m'y rendre seul.

Je n'aurais jamais pu prévoir l'impact que ce concert a eu dans ma vie. Dans une Casa del Popolo pleine à craquer, j'ai assisté à une performance du Die Like Dog Trio, soit : Peter Brotzmann au saxophone tenor, tarogato et clarinette, William Parker à la contrebasse et Hamid Drake au drums. J'ignorais tout de ces trois musiciens, ignorais surtout que les deux autres (Parker et Drake) étaient des maîtres dans leur art. Je savais que les trois improvisaient mais ne savait pas qu'on pouvait improviser de cette façon: que c'était possible d'être libre et de communier avec le public, de par la musique procéder à une expérience mystique transcendant la dyade public-musiciens. Quelque chose de nouveau se créait, une troisième force conciliatrice permettait à l'évènement qui était en train de se produire de passer à un autre niveau. Un niveau où l'écoute est totale; nous permettant de faire un avec la musique et les musiciens. Je n'ai jamais éprouvé une telle expérience par la suite. À ce moment j'ai compris que je pouvais être libre, rien de moins.

Évidemment, par la suite j'ai recherché les enregistrements de ces musiciens. J'ai découvert le Die Like a Dog Quartet, avec le trompettiste japonais Toshinori Kondo,l'album de Parker et Drake en duo ainsi qu'une pléthore de jazzmen remarquables tels;Alan Silva, Albert Ayler, Kidd Jordan, Jemeel Moondoc, Sunny Murray, Sabir Mateen, Joe McPhee... J'étais lancé et rien ne pouvait m'arrêter à ce moment.

J'ai surtout découvert le fabuleux label Eremite, qui a sorti le concert du 10 avril 2001 cd double. Brotzmann/Parker/Drake: "Never Too Late But Always Too Early" dedicated to Peter Kowald, contrebassiste décédé l'année de la parution du disque, soit 2002.

Plus tard, j'ai vu des photos de ce concert affichées à l'Oblique. Prise par un certain Jocelyn Boulais. J'ai hésité longuement pour en acheter une mais ne l'ai pas fait et finalement elles ont été retirées du mur. Quand j'ai fait la connaissance de Jocelyn via Michel à l'Oblique (5 ans plus tard), je lui ai demandé s'il avait encore les photos, il m'a répondu que oui et m'en a offerte une pour ma fête. Un geste que j'apprécie encore grandement aujourd'hui.

Ginsberg's Inkling: "Ummmm" (Neferiu Records/ Pretentious Music, 2010)

2011-07-14T21:20:00.000-07:00

Dans la catégorie" rap des provinces de l'ouest n'ayant jamais traversé la frontière de l'Ontario", on retrouve ce disque que j'ai découvert par hasard, sur le site de Phonographique (qui est passé de online store à un genre de blog...) lors de leur vente de liquidation. J'ai pris une chance à un coût dérisoire, celle de commander les deux albums de Ginsberg's Inkling, projet solo de John Creary. C'est le plus récent disque qui m'intérese ici, beaucoup plus mature et un flow se distançant de celui de Buck 65.

Je n'ai jamais, mais jamais entendu parlé de Ginsberg's Inkling. Le premier disque s'est vu mériter des critiques élogieuses dans le Exclaim (que je lis à chaque mois) en 2006, mais faut croire que j"ai passé tout droit. Creary est originaire des Maritimes et s'est relocalisé dans l'ouest canadien. Cela n'est pas sans importance car on sent une grande influence du hip-hop haligonien dans les deux disques. On peut penser que Creary a grandi en écoutant Sebutones, Josh Martinez, Recyclone et leurs amis. Comme mentionné plus haut, Creary sur son premier album intitulé «Half-Penny Marvel», adopte un flow qui ressemble un peu trop à celui de Buck 65 et qui est suffisant pour détourner mon attention de sa musique. C'est commme si j'étais incapable d'arrêter de me dire qu'il ressemble à Buck 65, m'empêchant d'apprécier le disque à sa juste valeur.

Par chance, il s'en éloigne sur «Ummmm» et nous propose un rap avec plus de personnalité. Cependant, on revoit ses anciens démons dans les morceaux au débit moins rapide où il adopte une voix plus rugueuse. Creary possède une excellente plume. Créatif et inspiré, il fait preuve de grande sensibilité poétique sur les morceaux plus tristes, me faisant penser un peu à l'excellent Brad Hamers à ce niveau. Les beats aussi sont intéressants, beaucoup d'échantillons de conversations ou de show d'humour, nourrissant une réflexion en filigrane sur les relations hommes-femmes et sur l'humain en général. Le disque s'essoufle un peu à mi-chemin mais se termine sur une bonne note, plus introspective. Soulignons la présence de DJ Braille sur la plupart des morceaux, qui me fait penser que les dj's sont désormais trop peu présents dans la musique hip-hop aujourd'hui. De plus, il me fait désirer travailler avec un dj pour des projets futurs d'Héliodrome...

Un disque intéressant qui mérite un meilleur sort que de sombrer dans l'anonymat

De la Caucase : "La mort cruelle de Marcel Léart" (auto-produit, 2008)

2011-06-13T13:16:00.000-07:00

Les affiches de concert attirent mon attention. Ça m'intéresse, non seulement de savoir qui joue mais aussi les designs, les couleurs, la typo utilisée, le papier... Il y en a une qui a capté mon attention au Atom Heart, c'était en 2007 ou 2008, une immense affiche qui annonçait un concert du groupe De la Caucase. L'image était sobre et belle, un visage sur fond gris. On m'a alors expliqué que De la Caucase était le projet d'un gars nommé Hrair et qu'il faisait parfois des concerts avec Radwan Moumneh à l'époque des débuts de Jerusalem in My Heart. J'ai d'ailleurs vu un spectacle des deux hommes en duo dans le restaurant Sala Rosa rempli comme jamais. En fait, je ne voyais pas grand chose, mais j'ai entendu.

Un jour, alors que je traînais à l'Oblique, j'ai remarqué un cd dans la section groupes locaux. À ma surprise il s'agissait d'un ep du groupe De la Caucase. En m'informant, on m'a dit que le gars du groupe était venu porter des cd cette semaine, qu'ils venaient de les avoir au magasin. J'en ai acheté un immédiatement. Une chance que je compulse parfois car lorsque je suis retourné à l'Oblique la semaine suivante, tout en vantant la musique du cd acheté, j'apprenais que Hrair était venu reprendre les cd laissé en consigne. Michel, le disquaire, s'était même excusé d'avoir vendu une copie à un ami (moi en l'occurence). Hrair aurait invoqué une raison obscure pour justifier la décision de reprendre les disques (une histoire de subvention?).

Marcel Léart est le nom d'emprunt de l'écrivain arménien Krikor Zohrab (1861-1915). Politicien réputé et proche du ministre de l'intérieur turc Talat Pasha, il a dénoncé les atrocités vécues par son peuple lors du génocide arménien. Malgré tout, il fut lui-même arrêté et exécuté sans procès le 21 mai 1915. Hrair Hratchian semble donc faire parti de cette catégorie d'artistes en exils, qui tentent par tous les moyens de renouer avec leur héritage culturel, de reprendre possession des biens dont l'immigration les a dépossédé. En mariant tradition et modernité, cette jeunesse errante parvient souvent à créer une musique intemporelle, dépassant largement les frontières et les références culturelles. Pour ce mini album, Hrair est accompagné par Jean-Pierre Lézada-Côté à la guitare, Alexandre Jobert à la basse et Numa Dallaire à la batterie. Pour sa part, Hrair chante et joue du doudouk; sorte de hautbois arménien. Le groupe nous offre quatre titres magistraux, oscillant entre rock répétitif et musique traditionnelle arménienne. Le côté répétitif et minimal des compositions plus rock me rappellent même un peu Swans ou Rhys Chatham.

La première pièce, dont le titre est écrit en arménien est soutenue par rythmique d'enfer et laisse le chant de Hrair (en arménien aussi)se déployer dans une intensité grandissante jusqu'à une finale malheureusement avortée en fade out. "Proposition d'une marche funèbre" suit une rythmique imposée par la guitare électrique et c'est le chant mélancolique du doudouk qui attire nos fantasmes vers une mort imminente; marche forcée vers le destin. "La mort cruelle de Marcel Léart" met en musique un texte en français, déclamé avec l'intensité caractéristique du leader du groupe, soutenu par une superbe ligne mélodique jouée à la guitare et au doudouk. Le drum est simple, constant et répétitif. "Vers la mer" clôt le disque de façon superbe, une pièce solo de doudouk, empreinte de mélancolie. Une mélodie qui me rappelle la musique klezmer à son plus triste, une musique d'exil qui en demande qu'à rentrer chez elle.

Avec l'autorisation de Hrair c'est http://www.mediafire.com/?5ce58n63b8d95dm

Odezenne: " O.V.N.I." (Universeul, 2011)

2011-06-01T20:51:00.001-07:00

Il y a des moments dans notre vie où on regrette d'être passé à côté de quelque chose. En 2008, Héliodrome était en tournée en France et de passage à la ville de Bordeaux. Les gens qui nous hébergeaient nous ont amené au disquaire Total Heaven (que j'ai finalement compris le nom qu'ils me disaient qu'en voyant l'affiche, car des français qui disent le mot Heaven en anglais, ce n'est pas évident.) et nous avons fait la connaissance de Martial le proprio. Je souhaitait acheter des disques locaux, rap ou non et Martial m'a proposé une nouveauté d'un groupe local nommée O2ZEN dont l'album s'appelait "Sans chantilly". J'avais trouvé l'écoute agréable mais n'ait pas accroché d'emblée. Par la suite j'ai su que nous allions jouer avec ce groupe au bar l'Inca (RIP). Pour ce spectacle, nous partagions l'affiche avec Thesis Sahib, Fritz Tha Cat et Zoën. J'étais heureux de retrouver des compatriotes canadiens, d'autant plus que Thesis était l'ami de Scott Da Ros et Bleubird et que j'admirais son travail en tant que graffeur. J'étais aussi curieux de faire la connaissance de Fritz The Cat,un auteur que j'avais suivi dans les débuts du magazine Vice et qui s'occupait de la section Hip-Hop. Ainsi, j'ai passé à côté de l'occasion de faire connaissance avec le groupe O2ZEN et je m'en veut aujourd'hui. Je m'en veut aussi de ne pas avoir acheter leur album ou minimalement tenté de l'échanger contre le nôtre... J'écoute présentement leur vieux titres sur Youtube et je trouve ça super bien fait.

Ce qui est pire, c'est que le groupe bordelais est passé de O2ZEN à Odezenne et vient de sortir un nouveau disque intitulé "O.V.N.I." pour "Orchestre Virtuose National Incompétent" et que ce nouveau disque est tout simplement génial. Comme j'étais déjà en train de me réconcilier avec le rap français je ne suis pas trop abasourdi par l'objet, sonné mais encore capable de garder un esprit critique.

Dommage que les gars d'Odezenne n'ait pas fait de version vinyle de leur album car le cd est superbe. Un visuel léché, des photos pour chaque chansons avec les paroles, une carte de Tarot sur le dessus et le cd dans une pochette bleu marin/doré. Voilà pour le contenant.

Et le contenu? À la hauteur, largement. Les beats comme les textes sont bien ficelés, rythmé de façon créative, des sons électroniques, des sonorités linguistiques qui décroche un sourire... Il y a cinq membres dans Odezenne; deux rappeurs, un guitariste, un dj et une danseuse/choriste. Cependant, si l'artiste qui a signé le visuel du cd n'est pas dans le groupe, il n'en est pas très loin.

Le cd débute en force avec le titre "Saxophone", inspiré de la comptine "Trois petits chats, trois petits chats, chat chat..." (vous connaissez la suite).Ils explorent les sonorités des mots avec une agilité surprenante et les associations d'idées sont jouissives. Un des meilleurs morceaux de rap que entendu récemment.

Le reste de l'album demeure tout aussi intéressant. En l'écoutant en boucle depuis la semaine dernière, je me suis vu comparer les rappeurs d'Odezenne avec Mc Solaar et Serge Gainsbourg, surtout dans leur façon de raconter des histoires et d'explorer les métaphores. Mais c'est surtout les sonorités et la façon de se poser sur certains beats qui ont évoqué Solaar. Au niveau de beats, les échantillons jazz poussiéreux présents côte-à-côte avec les synthés électros, donnent une touche magique à l'ensemble. Ce n'est pas sans rappeler Madlib à certains moments de sa carrière, mais moins échantillonné. Très beau travail sur les drums qui sont diversifiés dans leur son et leur rythmique. Vraiment un disque cool (comme dans "Birth of The Cool" de Miles Davis). Certains moments plus électros, couplé avec un flow nonchalant, soulèvent même la poussière de TTC à leur époque "Bâtards Sensibles". Mais Odezenne restent aussi des puristes Hip-Hop comme sur la pièce "Hirondelles" et viennent balancer originalité et conformisme tant au niveau des textes que des sons.

Excellent.

Philippe B. "Variations Fantômes" (Bonsound, 2011)

2011-05-30T21:34:00.000-07:00

Il y a quelques années, j'ai joué avec Philippe B à la maison de la culture Hochelaga. À ce moment, je discutais avec mes collègues de sa musique. Bons textes, bonnes mélodies mais on trouvait particulier le fait qu'il choisit de brancher sa guitare directement dans la console au lieu de jouer sur un ampli. Surtout car cela lui donnait un son générique, sans âme, sans grain... Je continue de reprocher à la musique québécoise cette absence d'abstraction immatérielle qui se définit par âme. Il en manque dans la musique, trop peu de personnalité, comme si la langue suffisait à elle seule pour se particulariser.

Philippe B est aussi connu comme un des accompagnateurs de Pierre Lapointe. Il partage cette tâche avec entres autres Guido Del Fabbro et Philippe Brault, deux musiciens qui parviennent à tremper un pied dans la musique pop et l'autre dans l'expérimentale. C'est presque impossible que Philippe B ne se soit pas laissé influencé par eux dans ses goûts musicaux, d'autant plus qu'ils sont présents sur le disque. D'ailleurs, comme il est un bon client de l'Oblique, j'ai un accès privilégié à ses achats et ceux-ci transparaissent un peu.

Ainsi, il semble que Philippe ait tenté de pallier à cette absence d'âme en incorporant dans sa musique des arrangements et des segments échantillonnés de musique classique. C'est la carte de visite de "Variations Fantômes", ce qui fait son originalité. Poulenc, Satie, Saint-Saëns, Ravel, Vivaldi.... Ils se côtoient tous dans cette oeuvre quand même très réussie. Visuellement aussi c'est bien réussi. La version vinyle est superbement sérigraphiée. Il y a aussi un lot de photos qui accompagnent chaque chanson. Une photo d'un photographe différent pour chaque pièce. Chacun s'est inspiré d'une partie de la chanson choisie ou du processus créatif derrière cette chanson pour réaliser leur cliché. Très beau résultat qui nourrit amplement mon côté fétichiste. Merci pour ça.

Mais il y a plus. Philippe B écrit des belles chansons, c'est un auteur qui sait mettre en musique des mots et des thèmes lexicaux intéressant. De plus, ce disque est clairement le résultat d'une séparation amoureuse. On y retrouve donc le pathétisme familier, propre aux hommes ayant trop aimé. Ceux qui ont la sensibilité de s'identifier à ces paroles y verront leur fin de relation et les questionnements qui y sont associés quand on remet tout en question. Et ils se diront peut-être comme moi que j'aurais pu écrire sensiblement la même chose...

C'est difficile de dire que "Variations Fantômes" est un disque folk même si c'est l'esthétique qui prédomine. Comme mentionnée, la présence d'échantillons de musique classique vient brouiller les pistes et entraînent une atmosphère un peu plus baroque. Somme toute, c'est la guitare acoustique et le piano qui demeurent à l'avant-plan. Naturellement, les morceaux les plus déchirés et tristes sont ceux qui m'ont le plus touché et sont mes préférés du disque. Les autres, un peu plus pop, m'ont laissé parfois indifférent.

Le disque commence en force avec "Hypnagogie", une pièce folk lumineuse qui laisse entrevoir l'aura qui prédomine le disque; la perte de l'autre, peut-être cette photographe qu'il n'est pas capable de quitter des yeux...La pièce qui suit, "L'été", est tout aussi bonne et Philippe B est vraiment bien accompagné par les choeurs de Josiane Hébert. Sur "La ballerine", même si j'ai trouvé le textehttp://www.blogger.com/img/blank.gif moins bon, la musique est magistrale, surtout Guido à la scie musicale en finale. Superbe "Petites leçon de ténèbres" qui contient des extraits vocaux de la pièce "Leçons de ténèbres" de François Couperin. Les échantillons de voix fantomatiques m'ont rappelé les frissons que j'avais eu en écoutant le merveilleux disque d'Akira Rabelais intitulé "Spellewauerynsherde". "Nocturne n.632", où Philippe s'accompagne seul au piano, m'a fait un peu pensé à du Tricot Machine et ça m'a demandé un effort pour l'apprécier. Mais le texte est fort et beaucoup plus poussé, tant mieux. La pièce "Reprise" qui clôt le côté A est une que j'aime le moins, la dessus Philippe est encore en amour et c'est dommage car la face A du vinyle aurait été presque sans failles.

Le côté B s'essouffle une peu. On retrouve l'intérêt avec California Girl et ses arrangements de cordes qui m'ont fait penser à samples Hip-Hop. Juste avant, "Chanson pathétique" est très intéressante mais est rendue plus opaque par le jeu de drums de Francis Mineau. j'ai moins accroché sur le reste, en particulier sur la valse de "Marie" même si la scie et l'harmonium la réchappe un peu.

La thématique du voir revient sensiblement souvent dans les textes de Philippe, l'absence de voir, la noirceur, le dévoilement, l'aveuglement... Si effectivement ce disque fait suite à une rupture amoureuse, il y a un élément visuel qui revient systématiquement dans les textes les plus tristes. "Ma photographe" ?

Mais si ça peut te rassurer Philippe, c'est normal que parfois quand ça fait mal ça fait en fait du bien...

Respirer sous l'eau

2011-05-08T20:35:00.000-07:00

Il paraît qu'on reconnaît l'arbre à ses fruits. Si l'adage se vérifie dans la musique, on pourrait reconnaître les grands groupes aux différents projets prenant naissance dans leurs fins. D'emblée, l'exemple de Traumaturges me vient à l'esprit. Mais il y a surtout cet autre groupe, mythique celui-là, venant de Baltimore et faisant dans le post-hardcore. Il s'agit de Lungfish, groupe que je ne peux prétendre connaître à fond mais dont les différents projets ayant pris leur envol à même ce tronc commun bénéficient de tout mon intérêt.

D'ailleurs, Lungfish existe toujours, leur dernier album étant paru en 2005. Formé en 1987, ce groupe a développé une relation solide avec le label Dischord, qui ont sorti l'ensemble de leur discographie. La seule période de Lungfish que j'ai écouté est celle des deux derniers albums, soit "Love is Love" et "Feral Hymn", sortis en 2003 et 2005 respectivement. Ces deux disques sont parmis les moins hardcore; plus lents, mélodiques et minimalistes dans l'approche. La guitare électrique est à l'avant-plan, ainsi que le chant de Daniel Higgs.

C'est ce dernier qui a initié mon intérêt dans ce groupe; sa voix, ses textes, son intensité et la mystique l'entourant m'ont suffisamment donné le goût de plonger dans un genre (le post-hardcore) qui ne m'intéresse pas aux premiers abords. Ses albums solo sont des perles de folk psychédélique. Il s'accompagne principalement d'un banjo et nous livre une poésie ésotérique orientée vers la recherche du divin. Sa discographie solo gagne toujours en peu plus en quantité et en variété. Tous les albums parus sous son nom méritent qu'on s'y arrête. Cependant, le premier paru sous l'étiquette Holy Mountain, "Ancestral Songs", reste la meilleure introduction à son oeuvre. Il a aussi fait un disque de guimbarde solo en 2005, qui demeure une curiosité dans la musique moderne.

En 2002, Higgs a exploré le côté plus folk de son art en créant avec le guitariste de Lungfish, Asa Osborne, le groupe The Pupils. Leur unique album paru également sur Dischord est particulièrement intéressant et demeure un de mes préférés.

Asa Osborne s'est lui aussi lancé dans l'aventure solo avec son projet Zomes. Il a enregistré deux albums sous ce nom, le premier sur l'étiquette Holy Mountain et le plus récent, sorti depuis peu, sur Thrill Jockey. Des disques de beats lo-fi joués sur des synthés et des beatbox qui m'ont instantanément charmés. Ce doit être le côté hip-hop de la chose qui est entré en résonance avec le mien....

De plus, l'ancien bassiste de Lungfish, Nathan Bell a lui aussi tenté l'expérience solo. Il nous a offert un ep de banjo solo paru il y a quelques années et un superbe vinyle de folk instrumental, il y a quelques mois sur l'étiquette Lancashire & Somerset. Un disque où Bell est superbement accompagné de plusieurs autres musiciens. Je m'en voudrais de passer sous silence l'excellent album de son projet Human Bell, sorti aussi sur Thrill Jockey. Nathan Bell est tout un joueur de banjo.

Ces trois musiciens partagent une démarche musicale très particulière, une démarche orientée vers la transcendance, le divin, la vérité. Je considère le fait que ces trois hommes se soient retrouvés au sein d'un même groupe à une époque comme hautement improbable, rendant le groupe Lungfish encore plus intrigant. D'ailleurs, Dischord rééditent vont rééditer certains des albums épuisé en version vinyle.

J'en profite pour mentionner que Daniel Higgs joue à la Casa del Popolo dans le cadre du festival Suoni per il Popolo le 14 juin.

Colin Stetson : "New History Warfare vol.2 : Judges" ( Constellation, 2011)

2011-04-03T16:17:00.000-07:00

Au début, il y eut le souffle. Point d'ancrage dans le vivant, source de la création dans le réel. Cependant, le souffle de l'homme est caractérisé par un mouvement d'inspiration et d'expiration, qui marquent un temps distinct dans son accomplissement. C'est par ce même souffle que se modèle l'inconscient, au travers des mots vocalisés grâce aux vibrations de nos cordes vocales. J'ai déjà lu que la saxophone peut être considéré comme le prolongement de notre larynx, comme un outil servant a modeler une autre langue, émettant des sons proches de ceux émis par l'organe humain. Colin Stetson a dû lire la même chose que moi lorsqu'il a commencé à jouer du saxophone car il a développé un langage qui lui est propre, sans se soucier des limitations physiques imposées par l'instrument.

C'est Scott Da Ros, de chez Endemik, qui m'a parlé en premier de Colin Stetson. Il y a quelques années, il l'a vu en spectacle en première partie de Bell Orchestre et avait acheté le cd pour me le donner. Son commentaire était à peu près:"You will love this, this guy is crazy, he makes beats while blowing in his saxophone!" Ça m'a pris un peu de temps avant d'écouter le disque "New History Warfare vol.1" (sorti en 2008) et quand je l'ai fait, je ne l'ai écouté qu'à moitié, d'une oreille distraite. J'ai vite compris que le dit Stetson pratiquait la technique dite de respiration continue et les quelques pièces écoutées ne m'avaient pas accrochées. En le réécoutant récemment j'ai compris pourquoi je n'avais pas embarqué. Ce premier disque est plus près de l'idiome du free-jazz/musique improvisée et disons que je n'avais pas été impressionné mais il laissait entrevoir l'esthétique qui semble avoir guidée Stetson pour son second disque. J'ai été habitué aux Evan Parker, Peter Brotzmann, Ken Vandermark et Mats Gustafsson de ce monde, ainsi, un nouveau venu avec un disque de saxophone solo, malgré la technique, n'allait pas me renversé. Mais live, je comprends qu'on peut être impressionné, surtout si on est pas habitué à ce genre de musique. C'est un peu ce que j'ai observé à un récent show de Colin Stetson à la Sale Rossa, en première partie de Tim Hecker. Beaucoup de hipsters n'en revenaient tout simplement pas et semblaient n'avoir jamais rien vu de tel de leur vie. Personnellement, même si la technique m'impressionnait, j'ai trouvé son set assez redondant. Mais je me doutais bien que le disque allait être beaucoup plus intéressant, surtout si Constellation le sortait. Je ne me suis pas trompé.

"New History Warfare vol.2 : Judges" est beaucoup plus qu'un disque de saxophone. C'est l'oeuvre d'un musicien en voie de marquer une époque car capable de transcender les limites de son instruments tout en développant un langage qui lui est propre. Premièrement, la prise de son d'Efrim Menuck de l'Hôtel2Tango et Vid Cousins de Monkey Puzzle, est exceptionnelle. Plus de 20 micros judicieusement placés près de sa gorge, son anche et ses touches permettent de capter beaucoup de subtilités difficilement amplifiables lors d'un concert. Outre la technique de respiration continue, Stetson parvient à chanter en même temps qu'il joue, fait claquer son anche et ses touches, arrive donc à produire deux mélodies distinctes soutenues par des éléments rythmiques en simultané, et ce sans loops ou bandes pré- enregistrées. Ses lignes mélodiques l'éloignent considérablement du jazz et semble plus s'inscrire dans une lignée indie-rock (à défaut de meilleur terme). De plus, on retrouve Laurie Anderson pour quatre pièces pour un spoken word prenant, dans la lignée des meilleures chansons sur son plus récent disque. Le résultat est un disque d'une beauté rarement entendue, empreint d'une tristesse sous-jacente qui prend aux tripes.

Plusieurs formes de méditations reposent sur le souffle, sur le moment de l'inspiration, le moment de l'expiration. Gurdjieff a enjoint ses élèves à porter notre attention sur ce souffle, le soufisme demande à ce qu'on s'y rappelle Dieu, pour le laisser apparaître dans cet instant qui suit l'inspiration et précède l'expiration. Colin Stetson, happe notre attention et ne nous laisse pas reprendre notre souffle. Il nous emporte dans un tourbillon musical où se heurtent les différentes factions de l'identité. Une musique expérimentale, jazz, lyrique, pop, rock... crée par un seul homme et la force de son souffle.

D. Charles Speer : "Arghiledes" (Thrill Jockey, 2011)

2011-03-27T16:59:00.000-07:00

****AVIS****
Je ne suis pas commandité par Thrill Jockey.

Je suis moi-même surpris que Thrill Jockey est probablement un des labels qui me tient le plus en haleine pour le moment. Chaque nouvelle sortie attire mon attention et récemment j'ai été largement comblé.

Cela dit, le nouveau disque solo de D.Charles Speer risque de plaire aux amateurs de psychédélisme et d'exotisme. D'ailleurs, ces deux termes ne me paraissent plus très éloignés. Au-delà du travail fabuleux du label Sublime Frequencies, il y a dans la nature signifiante de ces deux mots beaucoup plus de rapprochements qu'on pourrait y croire aux premiers abords. Si l'étymologie du mot "psychédélique" est une formation à partir des mots grecs "Psyché" (esprit) et "Delos" (révéler) on peut définitivement élargir son acception usuelle liée à la consommation de substances ou au mouvement de Timothy Leary. L'exotisme est cette qualité propre à une chose qui permet de nous décentrer de notre être, quelque chose d'inhabituel, qui a une origine ethnique ou culturelle différente de la culture prédominante dans laquelle on baigne. Pour quiconque qui a voyagé de façon solitaire, dans des pays radicalement différents de l'Occident, ce phénomène de décentralisation est facilement observable; c'est ce moment où on perd nos repères culturels usuels et où on fait l'effort d'habiter ceux de ces autres qui nous accueillent. Généralement lié à un effort de perception et d'être, ces instants nous forcent sortir de nos habitudes. C'est dans ces instants où l'habitude est brisée, où nous sommes dérangés par ce qui se passe et où nous agissons différemment, que quelque chose de notre esprit en effet, se révèle.

Mais ce n'est pas tout, il y a aussi de ces instants dans la vie d'un individu où l'esprit se révèle, quand on prend conscience d'une partie de nous qui nous était auparavant voilée. Je ne parle pas ici d'une essence divine ou autre charabia du genre, mais plus du processus identitaire d'intégration des refoulements ou des dénégations. Pour plusieurs contemporains, les métissages ethniques vont entraîner ces refoulements et leur redécouverte fera partie d'un cheminement permettant d'avoir accès à la totalité d'un bagage culturel obscurcit pour toutes sortes de raison.

C'est un long détour que je prends pour introduire la musique d'"Arghiledes", détour nécessaire pour en comprendre l'ampleur chez un musicien comme D. Charles Speer (David Charles Shuford). Shuford est membre du fameux No-Neck Blues Band et cumule les projets intéressants tels ; Coach Fingers, Enos Slaughter et Egypt is the Magick# (pour ne nommer que ceux que je connais). Depuis quelques années, il enregistre sous le nom de D. Charles Speer and the Helix, un groupe qui puise allègrement dans le country, le honky-tonk et le rock traditionnel. Shuford a cependant décidé de prendre un pause de ce projet pour aller se ressourcer dans son bagage ethnique, le temps d'un album, afin de surement faire la paix avec les différentes parties de son être. Il a réussi à accomplir une oeuvre remarquable qui se hisse d'emblée dans le palmarès de mes albums préférés de cette année. C'est le genre d'album que j'aurais aimé que ma copine me ramène de Grèce lorsqu'elle y est allée l'été dernier... mais non, les grecs eux-mêmes ne connaissent pas la richesse de leur héritage.

Premièrement, pour la photo formant la pochette de ce vinyle, D.Charles Speer mentionne qu'il a puisé dans ses secrets de famille pour faire ressortir son héritage grec et par le fait même se doter d'une légitimité nécessaire quand on souhaite retravailler des musiques traditionnelles. Car c'est le cas ici, Shuford s'est largement inspiré du musicien grec Markos Vamvakaris, considéré comme le patriarche du bouzouki, pour composer plusieurs pièces de cet album. Shuford joue l'ensemble des instruments sur le disque, on retrouve à l'avant-plan le bouzouki, la mandoline et la guitare, mais il y a aussi des percussions, de la contrebasse et plusieurs autres instruments ethniques. On apprend dans le feuillet accompagnant l'album que la tradition grecque partage plusieurs choses en commun avec les traditions arabes et turques, d'ailleurs, Shuford en fait ressortir les éléments les plus intéressants.

Il fait lui même le lien entre la recherche de son ethnicité et le psychédélisme, avec des pièces telles "O Sinachis" (The Sniffer), chanson originale de Markos chantée en grec, qui traite d'un utilisateur de cocaïne et d'héroïne et de la façon dont il est perçu par les utilisateurs de haschish. "Lost Dervish" un superbe duo mandoline et contrebasse, dont le titre ne se rapporte pas aux derviches tourneurs du Moyen-Orient mais bien au terme grec qui signifie
"brave". Dans la même lancée, Shuford nous apprend que le mot grec "téké" qui signifie un lieu où on fume le haschish, est dérivé du mot turc "Tekke" qui veut dire monastère de soufis. Par ailleurs, il nous informe que la pièce "Harmanis" est jouée en utilisant un mode "Percoceti" en suivant une variante rythmique dite "Chillum"... excellent.

L'humour n'est jamais bien loin des descriptions que Shuford fait des chansons de l'album. Pour la description de "Wildlife Preserve", il dit qu'il chante dans un style traditionnel influencé par les chanteurs classiques américains que sont les Bishop Brothers (i.e. Sun City Girls). Le paragraphe final de son pamphlet a définitivement retenu mon attention et me laisse croire en un rapprochement possible avec les idées véhiculées par G.I. Gurdjieff. Shuford nous raconte qu'en travaillant sur cet album il a éprouvé un distanciation de lui-même, se rapprochant simultanément d'une actualisation de soi rassemblée, par la séparation et le "self-obversation" (sic). À quel point doit-on (se) prendre cette musique au sérieux?

Dooz Kawa : "Étoiles du Sol" (3rd Lab, 2010)

2011-03-18T21:46:00.000-07:00

Voilà un disque qui me réconforte avec le rap français un peu plus traditionnel. Bon, certains pourront argumenter en disant que le phrasé de Dooz Kawa sonne parfois comme du slam mais sachez que je m'en fous. J'ai pris la résolution de ne plus utiliser ce mot honni cette année sauf lorsqu'il en est vraiment question. Mais je m'éloigne...

Un certain Nyko a laissée des commentaires sur ce blog avec des liens pour le sien: Alternative Sound. J'y ai découvert des trucs vraiment intéressant, surtout en matière de rap. Son top de l'année m'a fait découvrir Dumhi, Melodica Deathship et Apollo Brown. Je vous réfère donc à son blog pour vous sustenter. Cependant, je tenais à écrire une entrée sur Le Khyroscope et le disque que j'écoute le plus depuis plus d'un mois est "Étoiles du Sol", dont j'avais lu la critique sur son site.

D'emblée, je tiens à mentionner le site français cd1d; une plateforme permettant la diffusion et l'achat d'albums provenant d'un regroupement de labels indépendants, un peu comme ce que LOCAL aurait pu devenir...

Dooz Kawa est donc un rappeur de Strasbourg qui a su faire de bons contacts au bon moment. Le bon est sans aucun doute celui du guitariste jazz-manouche Bireli Lagrène, qui lui a permis de s'associer également avec les guitaristes Mito Loeffler et Mandino Reinhardt. De gros noms qui viennent effectivement teinter cet album de guitares manouches et qui, selon moi, contribuent largement à son succès. Car c'est la guitare qui nous éloigne du beat traditionnel en 4 temps qui deviendrait lassant au final. Il faut dire que ce n'est pas un album qui regorge en expérimentations; gardant le même son de drum presque tout le long et qui se contente d'échantillons peu travaillés. Mais ça va. Comme mentionné, la guitare vient tout changer et il y a aussi le phrasé et les propos de Dooz Kawa.

On a ici un rappeur inventif, qui fait des jeux de mots habiles, qui est capable de soutenir des métaphores durant plus d'une phrase et qui se soucie des sonorités, assonances, etc.... Il y a par contre des morceaux que je suis incapable de passer au travers, soit "Les hommes et les armes" et "Dieu d'Amour". Deux pièces où on entre dans le mode "rap engagé" qui me rend allergique. Il aurait pu s'en tirer car il possède une plume suffisamment intéressante pour le faire. Mais non, raté. La première est tout simplement mauvaise et manque définitivement de style au niveau des rimes et des métaphores, comme si ce texte aurait été écrit plus tôt dans son parcours et nous apparaît plus simple et plus enfantin que les autres. Simple écart sur un album quand même bien réussi. Je me plaît plus lorsque Dooz Kawa se fait irrévérencieux, comme sur "Rap de Branleur" et "Bouquet de Proses". Ou lorsqu'il se fait l'amant de la musique et qu'il nous partage ses déboires amoureux avec un côté salace très plaisant à l'écoute. Car Dooz Kawa fait partie de cette catégorie d'hommes sensibles, qui cherchent l'amour comme tant d'autres mais finissent souvent triste et désillusionnés. "Sous ma capuche je suis Steve McQueen mais en sac à puces", je ne sais pas quel genre d'amoureux Dooz Kawa fait, faudrait peut-être demander à Renée Gagnon...

Par ailleurs, le superbe clip "Poupée de Son" lui fait grandement honneur et le morceau est, lui aussi, excellent.

Latitudes

2011-03-03T21:20:00.000-08:00

Il y a des gens qui aiment vraiment la musique. Qui s'investissent corps et âmes dans la diffusion de trucs obscurs, de groupes expérimentaux qui rejoignent un public trop restreint. Les gens derrière le label Latitudes font partie de cette catégorie. Définitivement.

J'ai été exposé une première fois à Latitudes à travers les Sun City Girls. Dans ma maladie, je cherchais toutes les sorties des SCG et je suis tombé sur un album solo de Sir Richard Bishop intitulé "Fingering the Devil". J'avais déjà accroché sur le titre et l'iconographie du cd. D'emblée, je savais que la musique allait me satisfaire pleinement. Je peux avouer que je n'ai pas été déçu et "Fingering the Devil" demeure un de mes albums préféré de Richard Bishop. De plus, quand j'ai eu l'objet entre les mains j'ai pu constater de visu le travail admirable du label Latitudes; une superbe pochette en carton qui se referme en rabattant les pans arrières les uns par dessus les autres, un artwork embossé et un texte explicatif de la session d'enregistrement en guise de liner notes. Tout ce que j'aime. En lisant le texte j'ai découvert que les deux types derrière ce label sont des fans finis de musique et qu'ils invitent différents artistes, de passage à Londres, à venir enregistrer au studio Southern. Aucune préparation au préalable, les artistes viennent enregistrer des trucs spontanés. Latitudes est en fait une division du label Southern Records, également un magasin de disques de Londres.

Je me suis procuré par la suite un ep de Blood and Time, un projet folk de certains musiciens du groupe métal Neurosis. Suite à cela, j'ai gardé un oeil ouvert pour chacune des nouveautés apparaissant sur Latitudes Seulement, en raison de la courte durée de certains albums j'ai réprimé mes ardeurs. Comme moi, certains ont pu rechigner un peu sur la durée trop courte de certaines parutions en comparaison avec leur prix de vente. Ce qui fait que 1$ la minute, c'est parfois cher payé pour un disque. L'idée était en fait de sortir des ep,dont la durée oscillerait entre 15-25 minutes mais certaines parutions sont beaucoup plus longues, pour notre plus grand bonheur.

Voilà que Latitudes semble ouvrir ses voûtes cette année et met sur le marché plusieurs albums d'un coup, du moins il semble avoir une nouvelle parution à chaque mois; Gang Gang Dance, Ariel Pink's Haunted Graffiti, Gowns, Nadja, Bohren und der Club of Gore, Magik Markers, Circle, Grails, Miasma et plein d'autres... Je ne sais pas si ces disques sont tous sortis cette année mais on dirait que la plupart viennent tout juste d'apparaître sur les listes de nouveautés de mes distributeurs et disquaires préférés.

De mon côté, j'ai commandé ceux de: Master Musicians of Bukkake, Boduf Songs, Mount Eerie, Dälek, The (Fallen) Black Deer et Alexander Tucker Decomposed Orchestra. Je n'en regrette aucun.

Tout d'abord, le disque de Master Musicians of Bukkake "Elogia De La Sombra" est tout simplement génial. Fidèles à leurs bonnes habitudes, ils continuent de mélanger rock psychédélique, musique ethnique et improvisation à la manière des Sun City Girls. On retiendra la pièce titre «Elogia de la Sombra», où ils infusent une rythmique Krautrock à leur pratique barbare et «Tainted Phenomena» avec la répétition du mantra du Sutra du Coeur.

Un autre disque qui m'a beaucoup impressionné est celui du Alexander Tucker Decomposed Orchestra "Grey Onion". Je connaissais Alexander Tucker pour ses albums solos sur ATP et j'appréciais beaucoup son mélange de rock psychédélique aux incursions baroques. Mais avec l'ajout de Duke Garwood à la clarinette et au saxophone, on entre dans un univers assez différent. Mélange de folk, de drone et de free-jazz très convaincant, avec la voix de Tucker sur deux pièces.

Puis il y a le disque de Dälek... Que dire. Il s'agit d'une longue pièce de 40 minutes où s'entremêlent spoken word, drones orientaux, guitares électriques acerbes, breakbeats tirant sur le métal/industriel. Un disque essoufflant mais brillant, un peu dans l'esprit du Faust v.s. Dälek. Assommant et magnifique.

Le disque de Mount Eerie "Black Wooden", respecte la forme classique du folk mélancolique auquel nous a habitué Phil Elverum. Celui-ci s'accompagne à la guitare acoustique et électrique, avec une pièce instrumentale construite avec un peu d'overdubs tout en restant minimale. La prise de son est exceptionnelle et les chansons très belles, comme d'habitude.

The (Fallen) Black Deer "Requiem" est une belle surprise. Il s'agit en fait d'un projet de Josh Graham et Greg Burns du groupe Red Sparowes (et Halifax Pier). Ceux-ci sont entrés en studio avec l'idée d'enregistrer une trame sonore improvisée sur la fin du film "The Shining". Le résultat est excellent et du même coup m'a permis de découvrir le groupe Red Sparowes, qui font un post-rock un peu plus folk, très cinématographique. Un peu surprenant quand on apprend que le groupe est formé entres autres, de musiciens des groupes métal Neurosis et Isis.

Finalement, l'album de Boduf Songs "The Strait Gait" or "A Great Difficulty In Getting To Heaven" ; deux longues pièces qui nous éloignent sensiblement de leurs albums sortis sur Kranky. Malgré la voix un peu difficile de Matt Sweet, j'ai appris à aimer son projet Boduf Songs et surtout son album "How Shadow Chase the Balance" . Pour cette session d'enregistrement, Matt Sweet s'est associé à deux autres musiciens soit C. Henry et W. Goatley (dont j'ignore la provenance). La première pièce "Please Extract my Teeth with your Rustiest Pliers (For Redemptive)" est un drone digne de films d'horreur et qui n'a rien à envier à des groupes noise plus connu pour ce genre de style. À partir de 10:38 la tension s'apaise et se transforme en une pièce de folk acoustique superbe. Le deuxième morceau "That Angel was Fucking Piss" nous reconnecte avec la voix et la guitare de M. Sweet pour se terminer avec un superbe drone de basse. 22 belles minutes de musique.

Limités à 1000 copies vinyles et/ou cd, ces albums (et le label en arrière) méritent d'être entendus, achetés, découverts... Vous pouvez les commander chez vos disquaires favoris ou directement au label (à bon prix).

Phil Manley : "Life Coach" (Thrill Jockey, 2011)

2011-02-12T15:38:00.000-08:00

Encore Thrill Jockey qui nous arrive avec une excellente sortie à laquelle on ne s'attendait pas. Phil Manley est guitariste dans le groupe post-rock Trans Am et nous propose ici une incursion dans les méandres des racines de son inspiration. Tout d'abord il y a la pochette; une photo à la limite de l'horrible, de Manley jouant de la guitare sur un fond de ciel bleu et de nuages, aux motifs suprenament semblables à son t-shirt, chapeau de pêcheur en prime. Le ton est donnée, on a affaire ici à un disque vidé de toutes prétentions. D'ailleurs les titres des neuf pièces composant cet album viennent évacuer toute possibilité au sérieux de reprendre ses droits (Make Good Choices, Work It Out, Gay Bathers...). Mais l'esthétisme est au diapason de la musique du disque, nous offrant une oeuvre tellement agréable à écouter qu'elle crée une dépendance.

D'entrée de jeu, la première pièce "FT2 Theme" nous transporte dans un univers très proche du Krautrock, aux teintes d'un Tangerine Dream soutenue par des beatbox cheaps. Mais ça reste très réussi, entraînant, pouvant décocher une sourire ou même ce sentiment de toute puissance lorsqu'on écoute cette pièce en marchant dans la rue. Merveilleux sentiment nous offrant l'opportunité de croire qu'on est effectivement dans un film et que plein de bonnes choses sont au point de nous arriver. Si cette pièce est le prémisse de ce coach de vie, c'est réussi, je me sens déjà mieux.

Suite à cette égayante ouverture, le reste tombe dans un registre parfois plus sombre, plus ambiant mais somme toute empreint d'une légèreté enivrante. Un disque qui s'écoute du début à la fin, sans temps mort, que l'amateur de rock référentiel que je suis se plaît à le laisser m'imprégner dans mes moments de mélancolie...

Blue Water White Death : "S/T" (Graveface, 2010)

2011-02-09T21:34:00.000-08:00

Dans la catégorie des disques étranges sortis l'année dernière, on peut y retrouver cette perle qui s'est subtilement glissée dans mon top 2010. La sortie de Blue Water White Death est, selon moi, complètement passée inaperçue. Et pourtant. Il s'agit ici d'une collaboration entre deux gros noms de la pop alternative soit Jamie Stewart de Xiu Xiu et Jonathan Meiburg de Shearwater. Précisons que je ne suis pas un grand fan de ces deux groupes, le seul contact que j'ai eu avec Xiu Xiu est par leur collaboration "XXL" avec le groupe italien Larsen, intitulée "?Spicchiology?", sortie sur le label Important en 2007.

Shearwater je ne connais que de nom, j'ai écouté d'une oreille distraite deux de leurs albums et n'ai pas vraiment accroché. Meiburg est aussi membre d'Okkervil River, groupe que j'aime un peu plus. Surtout à cause de cette chanson:

L'histoire derrière cette collaboration entre Meiburg et Stewart est intéressante; les deux musiciens se seraient enfermés pendant une semaine en studio et en l'espace de quelques jours ont pondu un disque exigeant et audacieux. Il émane une viscéralité prenante de chacune des 8 pistes composant le disques; une émotion à fleur de peau du chant de Meiburg et un désir d'expérimentation qui surprend l'auditeur dans chaque détours. La pièce "Death for Christmas" en particulier m'a décroché un sourire par son audace. Une guitare acoustique éparse, flottant au-dessus d'une nappe d'harmonium, des percussions apocalyptiques, le tout joué par-dessus un enregistrements de chants africains présents du début à la fin de la chanson, manifestant sa présence dans les moments les plus silencieux...l'idée est vraiment intéressante.

Sombre, glauque, torturé... l'album est lourd mais regorge de bonnes idées qui viennent barioler un disque pop d'expérimentations urgentes, un peu brouillonnes, mais qui rendent l'écoute mémorable. Chaque pièce amène avec elle son lot de surprises, par des sons qui viennent briser l'homogéinité apparente. Comme quoi il faut se méfier de l'eau qui dort... bleu est la mort, blanche est la mer...

Alexis O'Hara : "Ellipsis" ( & Records, 2010)

2011-01-20T22:34:00.000-08:00

Alexis O'Hara fait partie de cette catégorie de femmes qui sont capable de laisser une impression profonde dès la première rencontre. J'ai eu la chance de la côtoyer pour un projet musical au dernier Festival de Musique Actuelle de Victoriaville et ces quelques moments, de répétitions, d'échanges, n'ont fait que confirmer l'impression que j'avais eu d'elle au départ.

J'avais déjà vu Alexis jouer des électroniques dans le cadre du festival Voix d'Amériques en compagnie de Bernard Falaise et Michel F. Côté. J'avais trouvé son apport très intéressant et me suis mis à penser qu'il serait intéressant de collaborer avec elle. Cette dernière est cependant nettement plus connue comme artiste spoken word et par ses installations sonores. Que ce soit par son igloo d'haut-parleurs ou ses compétitions de slam. Voilà qu'elle sort un premier album complet depuis 2002 sur l'étiquette & Records, un label de musique expérimentale dirigé par Michel F. Côté. "Ellipsis" est un disque très pop, avec des chansons accrocheuses soutenues par une fine musique recherchée.

Alexis est superbement accompagnée tout au long de son disque; ses collaborateurs sont variés et viennent chacun ajouter une particularité qui leur est propre. On retrouve avec joie le guitariste Bernard Falaise et Michel F. Côté aux percussions sur plusieurs morceaux. Mais il y a aussi le trompettiste Brian Lipson, Alexandre St-Onge à la basse, le percussioniste Stefan Schneider de Bell Orchestre, Radwan Moumneh et Sophie Trudeau de Godspeed au violon. C'est un des album que j'ai écouté le plus souvent l'année dernière en raison de son caractère accrocheur, pop mais expérimental. Alexis O'Hara nous offre une oeuvre trilingue, où s'alternent un poésie anglophone aux nuances hautement maîtrisé, une prose en français naïve et un espagnol approximatif. Mais cela n'enlève rien au charme, au contraire. Seulement, les pièces en anglais sont, à mon avis, les mieux réussies.

Il fallait voir Alexis à son lancement, celle-ci jouait la carte de la naïveté, de l'inexpérience, du cocasse et du loufoque. Le charme a opéré facilement sur le public présent à cette soirée. Son album est un peu tout ça mais plus contenu, sans son humour grinçant et auto-dérisoire, du moins il n'est pas mis autant de l'avant que sur scène.

Il y a beaucoup de bonnes pièces sur le disque et à partir de la moitié du disque celle-ci s'enchaînent à un rythme soutenu. Les moments forts restent la pièce "Butterfingers", avec son riff de bass rappelant vaguement le morceau de Mark Lanegan et Kurt Cobain "My Girl". "Balade gelée" est tout simplement superbe, la trompette de Lipson et la contrebasse de St-Onge sont jouées tout en douceur, le ton de voix d'O'Hara est sulfureux, velouté, digne d'un jazz lounge enfumé. Une des meilleures pièces de l'album qui vogue sur une contrebasse free et une trompette mélodique, une référence facile serait l'amalgame de chanson et de jazz improvisé qu'est "Comme à la radio" de Brigitte Fontaine. Le jeu rythmique de Michel F. Côté sur "Detached Love Song" est magique et tellement entraînant qu'il nous donne envie de le chanter. Comme je disais précédemment, ce disque regorge de perles.

Il est intéressant de noter comment Alexis O'Hara, dans sa démarche artistique, se joue de la sexualité. Elle est capable de se travestir en homme de façon convaincante, mais en même temps est capable d'assumer une féminité hautement sexualisée. Ceci se traduit dans les chansons de cet album; la plupart sinon toutes parlent d'amour, des relations hommes/femmes et d'une sexualité qui apparaît malgré tout comme incomplète. Un manque inhérent sous-tend la trame lyrique du disque. D'ailleurs, on peut se demander qu'elle est cette éllipse évoquée par le titre titre. Qu'est ce qu'elle cherche volontairement à omettre dans ce disque somme toute assez sexuel? Ce sont plus que trois points de suspension qui sont nécessaires pour masquer les préoccupations de l'inconscient féminin.

Scott Tuma : "Dandelion" (Digitalis, 2010)

2011-01-08T20:47:00.000-08:00

J'ai déjà fait mention de Scott Tuma dans ce blog. J'avais comparé son oeuvre avec celle de la trame sonore de "The Hired Hand" de Bruce Langhorne. La comparaison était un peu poussée, mais à l'écoute de son nouveau disque, elle n'est que plus flagrante.

Scott Tuma est originaire de Chicago et s'est fait connaître dans le groupe country/grunge Souled American au début des années 90. Il semble que ce groupe ait connu un certain succès mais j'ignore complètement les retombées de ce succès. Lorsque j'ai découvert Tuma, il n'était qu'un obscur musicien de plus à la longue liste des joyaux se fondant dans le marasme de la musique underground. Il a aussi fait parti du Boxhead Ensemble, un collectif d'impro à géométrie variable avec un membership allant de Jim O'Rourke à Fred Lonberg-Holm, en passant par Glenn Kotche...

Grâce au label Tumult, il est possible de se procurer les quatre premier albums de Souled American en cd soit "Fe" , "Flubber", "Around the Horn" et "Sonny". Depuis longtemps épuisés en vinyles, l'Oblique avait encore jusqu'à tout récemment une copie vinyle de "Around the Horn". Au travers de ces quatre albums, Souled American nous offrent des compositions originales mais revisitent également bon nombre de classiques country/folk.

Donc, le plus récent album de Scott Tuma se veut un suite à la quête humaine dans laquelle il s'est lancé au milieu des années 80. Se tenant comme un seul homme, debout devant l'adversité, au bord de ce gouffre intérieur dans lequel il se lance à chacune de ses créations. Il y a quelque chose de profondément intime dans les compositions de Tuma; une sorte de lyrisme fragile, se tenant en équilibre sur le fil tranchant d'une épée de Damoclès qui menace à chaque fois de s'affaisser sur la bas de sa nuque. Car il s'agit surement de ne pas perdre la tête, lorsqu'on se lance dans un épisode créatif où on tente de remédier et d'articuler cette mélancolie qui semble nous habiter sans jamais vouloir nous quitter. Sur "Dandelion", Scott Tuma est accompagné par le bassiste Jason Ajemian, le percussionniste Mike Weis de Zelionople (et avec qui il a le projet Good Stuff House) ainsi que James Barker. Les trois ont réussi une oeuvre magnifique, éthérique, où se mêlent banjo, guitare, violon, clochettes, fields recordings.... La pièce "Red Roses For Me" est particulièrement réussie, surtout lorsque se manifeste le spectre d'un saxophone distant se laissant aller dans une improvisation libre... Le jeu de percussions de Mike Weis est sublime, tout en résonances métalliques et soutien parfaitement le côté impalpable de l'oeuvre. À l'image d'un pissenlit à la fin de l'été, après avoir offert à l'oeil de l'homme ses vives couleurs jaunes et vertes, la fleur s'éteint et il n'en reste qu'un squelette. Frêle carcasse menaçant de s'envoler au moindre coup de vent.

Là où s'arrête la version vinyle de cet album, la version cd y inclut à mi-chemin une pièce intitulé "Intermissions", de plus de 20 minutes. Débutant par un long moment de silence pour venir marquer la fin de ce que devait être l'album dans sa totalité, celui-ci est brisé par ce qui semble être une émission de radio espagnole où s'enchaînent des moments de musique générique orchestrale accompagnées de choeurs, comme des annonces d'une vieille chaîne de télévision. La réception étant plus ou moins bonne, on oscille entre le son des ondes hertziennes et des grichements sonore pour laisser émerger des prières issues d'un monde lointain qui font penser au collage sonore "Ethika Fon Ethica" sur l'album "Clic" de de Franco Battiato mais en beaucoup plus linéaire.

Suite à cette "intermission", Tuma reprend le chemin de son oeuvre avec "Smallpipes 1 2 3". Ces Smallpipes sont en fait des enregistrements de groupe, soit avec Jason Ajemian, James Barker, Mike Weis, Johnny Kimber et James Provencher. Très belles pièces, que la version cd de "Dandelion" nous offre en guise d'avant goût d'un éventuel projet de groupe pour Scott Tuma. On se croise les doigts...

TOP 2010

2010-12-25T21:18:00.000-08:00

Pour la forme. C'est toujours un exercice intéressant que de pouvoir cibler les albums qui nous ont le plus marqué durant une année... ou juste voir encore une fois à quel point j'ai acheté trop de disques...

Top 15 Albums:

- Acid Mothers Temple: " In 0 to infinity" (Important)
- Daniel Higgs :"Say God" (Thrill Jockey)
- Emeralds: "Does it Look I'm Here?" (Éditions Mego)
- Zs : "New Slaves" (The Social Registry)
- Mecha Fixes CLock: "À l'inattendu les dieux livrent passage" (& records)
- Peeesseye & Talibam! :"S/T" (Invada)
- James Blackshaw :" All is Falling" (Young God)
- Sabbath Assembly : "Restored to One" (Ajna Offensive)
- Duane Pitre : "Origin" (Root Strata)
- Mark McGuire: "Living With Yourself" (Éditions Mego)
- C.C. Hennix : "The Electric Harpsichord" (Die Schachtel)
- Pas Chic Chic : "12"(Semprini)
- Etienne O'Leary : "Musique de Films 1966-1968" (TNZR)
- Blue Water White Death :"S/T" (Graveface)
- Joshua Abrams : "Natural Information" (Eremite)

Top 5 Rééditions:

- German Oak: "S/T" (World Wide Records)
- Vincent le Masne & Bertrand Porquet :" Guitares Dérive" (Fractal)
- Charanjit Singh : "Ten Ragas to a Disco Beat" (Bombay Connection)
- Doug Snyder & Bob Thompson :"Daily Dance" ( Lion Productions)
- Far East Family Band : "The Cave Down to Earth" (Phoenix)

Top 5 Hip-Hop:

- Iris & Arm : "Les Courants Forts" (LZO)
- Lil B : "Rain in England" (Weird Forest)
- Shabazz Palaces: "CD1 + CD2" (Indépendant)
- 2 Mex : " My Fan Base Will Destroy You" (Strange Famous)
- Gangrene : "Gutter Water" (Decon

À bientôt

Iris & Arm :" Les Courants Forts" (LZO Records, 2010)

2010-12-22T21:08:00.000-08:00

J'ai déjà parlé de Arm, le rappeur du groupe Psykick Lyrikah, sur ce blog. Il a, à mon humble avis, une des meilleures plumes du rap français. Quand j'ai découvert son groupe avec leur album "Des lumières sous la pluie", je me suis tout de suite identifié avec la sonorité et les paroles; adhésion immédiate à une esthétique que je recherchais depuis longtemps. Par la suite j'ai suivi les différentes sorties du groupe et j'.ai pu me procurer leur disque "Vu d'ici" lors d'une tournée en France. C'est lors de cette tournée que plusieurs personnes m'ont parlé d'un projet un peu obscur du beatmaker Robert le Magnifique auquel participait Arm. Un disque que j'ai cherché à chaque FNAC que je voyais mais que je n'ai jamais trouvé. Il s'agit de l'album "Hamlet", composé par Robert le Magnifique, Tepr et My dog is gay, trois beatmakers super intéressants. "Hamlet" est en fait la trame sonore d'une adaptation de la pièce de théâtre par une troupe un peu underground. De retour chez moi, j'ai cherché cet album sur les internets et j'ai finalement découvert qu'il y avait deux albums, le second intitulé "Thème et variations", où Robert le Magnifique compose tous les morceaux. J'ai donc commandé les deux disques directement à la troupe de théâtre l'Unijambiste. Quand l'année suivante je suis retourné à Saint-Étienne, le type qui m'avait parlé de ce disque me l'avait acheté et me l'a offert... Je n'ai pas eu le coeur de lui avouer que je l'avais déjà...

J'apprends donc il y a quelques temps que Arm s'apprête à sortir un nouveau disque en compagnie du rappeur Iris avec des productions de Robert le Magnifique, My dog is gay ainsi que d'autres producteurs une peu moins connus (pour moi)dont; Le Parasite, Pan@point, Boulo et Le Kidd (qui signe l'excellent beat de la chanson titre). J'avais un peu oublié qui était Iris en fait... Je ne me souvenais plus de l'avoir entendu sur une compilation que je m'étais procuré peu de temps après la découverte de Psykick Lyrikah. Quelle erreur, non seulement Iris est un excellent rappeur avec une écriture toute aussi intéressante que celle de Arm mais cette compilation est de la bombe. En fait, je ne sais pas s'il ne s'agit pas plutôt de l'album d'un collectif plutôt qu'une compile. Il s'agit du disque Soul'Sodium, un album regroupant la crème du rap français actuel, pour les amateurs de substance et de sons recherchés, bien entendu. On retrouve la-dessus Iris et Arm mais aussi Soklak, Sept et Grems, des rappeurs franchement intéressants. Sur cet album ils enchaînent les collabos et les pièces solo avec une homogénéité remarquable et beaucoup de bon goût. Pour en savoir plus sur ces artsites on peut aller sur le site du label LZO, très bien fait.

Par ailleurs, j'ai aussi découvert ce superbe morceau de Iris sur un beat de Para One (connu pour ses collabos avec TTC...)

Qu'en est-il de ce disque des deux plus grandes plumes du rap français? Un excellent disque, des beats variés, des thèmes introspectifs et réfléchis, avec des textes hautement imagés. De plus, la présentation de l'album est superbe, du moins la version du vinyle 7" avec le cd inséré à l'intérieur. Un superbe produit qui a eu le mérite d'être critiqué par Bande à Part.... un décevant 6.5.... que j'ai trouvé légèrement insultant... La pièce titre est probablement un de mes morceaux préférés de 2010, avec un beat parfait pour soutenir des textes d'une richesse qu'on retrouve trop peu dans le rap.

Le Retour

2010-12-06T22:19:00.001-08:00

Wow... rien écrit depuis le mois d'octobre. Disons que les derniers mois ont été quand même occupés et que je tarde à réinvestir ce blog... Mais ça s'en vient, avec prochainement une rétrospective de mon année 2010 en musique.

Reste que j'essaye de garder à jour les entrées pour le site de Digitalis où vous pouvez me lire dans ma langue seconde.

En passant je veux mettre en lien un disque qui est simplement phénoménal et je veux remercier Éric Fillion (Tenzier) d'avoir osé le sortir en vinyle. Il s'agit du disque d'Etienne O'Leary "Musiques de Films (1966-68). Un disque à se procurer pour sa pertinence historique et culturelle.

Tant qu'à y être, procurez-vous aussi les films de O'Leary avec la trame sonore, sur le site de Tenzier.

Lisez la critique ici

À bientôt

Lil B :"Rain in england" (Weird Forest, 2010)

2010-10-05T21:23:00.000-07:00

J'avais jamais entendu parlé de Lil B avant de tomber sur la plus récente liste d'Aquarius Records. Mon attention a été captée instantanément et les extraits proposés ont complété l'hameçonnage. Avec un nom comme Lil B, si j'étais tombé sur cet artiste avant, je l'aurais surement discrédité sans vraiment porter attention à son oeuvre et sa démarche. Et je serais passé à côté de quelque chose de vraiment particulier.

L'histoire de Lil B est somme toute connue; rappeur de Berkeley en Californie, âgé de 20 ans, fait parti d'un collectif juvénile nommé The Pack et a envahi Myspace avec une centaine de comptes différents. Il a aussi fait un video avec Soulja Boy, ce qui a grandement contribué à le faire connaître. Mais il est aussi très prolifique sur Myspace, Twitter et Youtube,etc. Lil B sait utiliser les réseaux sociaux à son avantage et les utilise bien.

Toute une démarche créative sous-tend sa musique et c'est une des chose qui le rend fortement intéressant. Autoproclamé "Based God", ce dernier a nommé sa démarche artistique comme étant des "Based Freestyles". Dans ses propos, il semble que Lil B a toujours été celui qu'on considérait comme étrange, le bizarre du groupe. Il se faisait traiter de "Basehead" (synonyme de crackhead) par les gens autour de lui en raison de son étrangeté . Seulement celui-ci s'est approprié l'insulte et l'a détourné à son avantage, lui donnant une signification tout autre, soit une appellation lui permettant de nommer le caractère unique de sa démarche. Ce faisant, il se permet une liberté artistique totalement incroyable. Beaucoup de ses chansons sur Youtube sont salaces et vulgaires, traitent de bitches, de grills, d'armes à feu, mais en même temps il se traite lui-même de tapette et de princesse...

Voilà qu'il vient de sortir un disque fascinant sur le label Weird Forest, qui a sorti plus tôt cette année le merveilleux disque de Mark McGuire (du groupe Emeralds) "Tidings/Amethyst Waves". Sur ce disque, Lil B rappe sur des nappes de synthétiseurs, sans beats. Un disque de rap New-Age, en lien direct avec tout la mouvance dite hypnagogique, se rapprochant musicalement d'artistes tels Emeralds, Oneohtrix Point Never et Dolphins in the Future. Produit par The Based God, on peut présumer que c'est lui qui a produit la totalité des pièces planantes qui composent ce disque. Sur 14 morceaux, Lil B nous livre son monde intérieur de façon surprenante, s'exprimant sur des thèmes très personnels qui lui permettent aussi d'exposer sa philosophie de vie. Il aborde ses craintes, les femmes, le rêve, la famille... C'est par moment d'une honnêteté étonnante, qu'on se surprend à se sentir voyeur. On reconnaît parfois le phrasé et les images d'un Saul Williams ou même de Killah Priest sur "Temple of the Mental". La majorité des morceaux durent plus de 5 minutes et sont exempts de refrains, ce qui m'amène à apprécier encore plus la démarche de cet artiste atypique...

Sauf que Lil B n'a pas la voix de Saul Williams et son flow reste somme toute monotone et redondant. Sur quelques pièces seulement s'autorise-t-il a chanter faux, mais cela apparaît comme bienvenue dans cet ensemble plutôt monochrome. La composition musicale est aussi un peu redondante, reposant surtout sur des notes de synthétiseur tenues à la manière de drones. Reste que ce disque est hypnotisant. Il me fascine de plus en plus, surtout dans l'écoute des propos de Lil B, qui semble osciller entre l'improvisation et le texte à l'intérieur d'une même chanson. Je me suis surpris à m'intéresser au cheminement de son inspiration et ses associations d'idées et surtout comment il enchaîne les images. Il dit lui-même qu'il tente de laisser parler son inconscient à travers ses freestyles (tiens tiens, ça me rappelle quelqu'un) et c'est en effet assez riche pour qu'on s'y perde momentanément. Car je doute quand même du côté totalement improvisé de la chose, car on aurait droit à des accrochages et des lapsus intéressants. Quoique certaines pièces sont livrées avec un débit plus près du spoken word, ce qui peut faciliter l'enchaînement des mots et des idées, improvisées ou non.

Bref, j'aime Lil B. J'aime quand un artiste ne se confine pas à une image et se permet de faire ce qu'il veut, vraiment ce qu'il veut.

Masayo Asahara : "Saint Agnes Fountain" (Audiolaceration , 2005)

2010-10-01T22:10:00.000-07:00

Tromperie, parade...

C'est sous ces thèmes que se révèle ce disque intrigant et remarquable. Les notes du livret situent l'enregistrement et la composition de cette oeuvre en 1974. Masayo Asahara est alors étudiante à l'université d'Osaka et complète un doctorat portant sur les minimalistes américains tels LaMonte Young et Tony Conrad. Sous l'influence de groupes plus rock comme Faust et Soft Machine, elle décide d'enregistrer une de ses compositions fusionnant la musique minimale et le rock plus progressif.

S'ensuit un des meilleurs disques que j'ai écouté cette année, composé de drones d'orgue parsemé de manipulations sur bandes et augmenté d'une bonne dose de free-jazz. J'ai rarement mis la main sur un disque qui incorporait aussi bien différents genres de musique que j'affectionne. Avis à tous: il est incompréhensible que ce disque ne se soit pas faufilé dans les palmarès de musique obscure des années 70. Incompréhensible car tout simplement sublime.

L'histoire est quand même bien ficelée: seulement quelques copies en "test press", distribuées aux musiciens et amis, et qui finissent par sombrer dans l'oubli. Les musiciens sont nommés sur la pochette, l'histoire contemporaine de Asahara est relatée, une photo d'elle à Stonehenge... D'emblée la table est mis pour faire saliver tous les collectionneurs et aficionados du genre, moi en premier.

Seulement, une rapide recherche sur les internets nous montre que nous avons été floués. Il s'agit plutôt d'une oeuvre très contemporaine, composée en 2002 par un certain Martin Archer, l'homme derrière le label de musique improvisée anglais Discus. Il est aussi un musicien méconnu qui trempe dans le free-jazz et la musique électro-acoustique. Il a récemment sorti un disque en duo avec la vocaliste Julie Tippetts qui s'est attiré des critiques élogieuses. Néanmoins, on en ressort avec le sentiment de s'être fait tromper.

Pour Lacan, l'amour est le résultat d'une tromperie où on parvient à convaincre l'autre que l'on possède ce qui lui fait défaut, donc de donner ce qu'on n'a pas. Cette dynamique est superbement exemplifiée avec ce disque de Martin Archer et le sentiment qu'il a suscité chez moi au début était tout aussi fascinant que de tomber en amour. N'ai-je pas déjà dit que ma recherche amoureuse et ma recherche de disques sont étroitement liées? C'est encore plus vrai en prenant ce pas de recul que ma fait vivre non pas la musique du disque, mais toute l'image qui l'entoure.

Par ailleurs, sur la pochette, nous avons une toile datant de 1450 du peintre Jean Fouquet. Elle fait partie d'un dyptique célèbre et représente la Vierge Marie donnant le sein à un enfant Jésus surprenamment joufflu (et âgé). Il s'agit d'une des rares représentations de la vierge où elle dévoile la totalité d'un de ses seins. L'histoire raconte qu'il s'agirait plutôt d'un portrait, celui d'Agnes Sorel, première maîtresse officielle d'un roi de France. Celle-ci serait morte à l'âge de 28 ans et de récentes recherches avancent qu'elle a surement été empoisonnée au mercure. Il est étrange qu'un portrait de la Vierge Marie soit en fait inspirée par une femme qui est tout sauf vierge... L'oeuvre en fait n'est surement pas ce qu'elle paraît. Ce dyptique fut une commande d'un certain Etienne Chevalier, qui fut "très proche" d'Agnes Sorel et aussi son exécuteur testamentaire. Peut-être s'agit-il d'une supercherie. On peut supposer Chevalier comme un amant proche d'Agnes et la seule façon pour lui de posséder la maîtresse du roi fut de commander son portrait sans que personne ne le soupçonne. D'ailleurs les anges et chérubins qui complètent la toile sont tous occupés à regarder ailleurs.

German Oak ou Le Lieu de l'Autre

2010-09-28T20:49:00.000-07:00

Le psychanalyste Jacques Lacan a travaillé une bonne partie de sa vie à déterminer une topologie de l'inconscient. En utilisant des figures telles la bande de Moebius ou le noeud boroméeen, il propose une étude du lieu par où l'homme se définit et plus particulièrement du lieu où il parle. Où ÇA parle. Le Sujet de la psychanalyse, ou de l'inconscient freudien, se manifeste à travers le Langage et subséquemment, ne peut se définir complètement de la sorte. Il y a toujours une partie de lui qui lui échappe, un irréductible. L'Autre, pour Lacan, est préalable à l'existence d'un pur Sujet signifiant, pas d'Autre, pas de Sujet. L'Autre est le lieu de déploiement de la parole.

Mes premières explorations en musique improvisée, particulièrement dans le free-jazz, m'ont amené à considérer cette notion du lieu dans l'improvisation. Tout d'abord, j'en était venu à la réflexion que l'idiome du jazz , dans l'improvisation, variait sensiblement en fonction du lieu d'où il était joué et par qui il était joué. Outre les différentes écoles qui se sont formées, il semblait exister encore un irréductible propre à l'individu qui le jouait, qui semblait fortement influencé par son origine, son lieu de naissance, la langue qu'il parlait. Naturellement, un interprète ne reste qu'un émulateur, mais lorsqu'on aborde l'idiome du jazz à travers l'improvisation libre, quelque chose est voué à se manifester. Une chose à laquelle l'individu ne peut échapper qui va au-delà de la technique; le Sujet.

Ainsi, outre notre langage ou notre lieu de naissance, le lieu physique joue également un rôle important dans l'improvisation. Car les lieux parlent. À travers les musiciens bien sûr mais aussi à travers cet Autre qui nous habite et dans lequel nous baignons constamment. Plusieurs reconnaîtront avoir vécu d'étranges impressions lorsqu'ils se trouvaient dans des lieux bien particulier. Des impressions difficilement verbalisables. Mais pour certains, la musique permet de témoigner ce qui est en train de se produire.

Sur le sous-estimé disque "Hell's Kitchen/Live from Soundscapes", on retrouve deux improvisations de Don Cherry à l'intérieur de la Mammoth Cave au Kentucky, enregistrées en 1978. Sur ces pures pièces de créativité, Cherry joue des stalactites et de la flûte. La première, stalactites seulement, est phénoménale; une oeuvre pour percussions naturelles aux résonances d'un monde distant. Plusieurs artistes ou compositeurs ont utilisé des lieux naturels pour offrir des installations sonores ou y donner des performances utilisant l'acoustique particulière des lieux. Mais ici on a l'impression de se retrouver face à un musicien qui fonctionne à l'instinct et qui laisse définitivement le lieu parler à travers lui.

Même chose sur l'incroyable le disque de Peter Brotzmann et Han Bennink "Schwarzwaldfahrt", enregistré en 1977 où les deux comparses se sont retrouvés dans la Forêt Noire (dans le Sud-Ouest de l'Allemagne)pour y improviser leurs vies. S'enfonçant au coeur de la forêt pour laisser le Langage parle à travers eux: leurs instruments, les éléments, leurs cris, les animaux...

Plus près de nous, c'est le Jewelled Antler Collective qui s'est légèrement réapproprié cette démarche esthétique; des enregistrements extérieurs avec les aléas de la nature à leur disposition. Un de mes disque préférés du genre demeure cependant "Leaves" des australiens Eugene Carchesio et Leighton Craig, sorti sur Naturestrip il y a quelques années. Vraiment un disque d'une fragile beauté qui mérite d'être découvert.

Mais outre la nature, il y a des lieux qui sont chargés d'histoire et ce sont ceux-ci qui nous intéressent présentement. German Oak est un groupe allemand qui semble n'avoir enregistré que très peu d'albums dont leur premier en 1972. Il y a eu quelques rééditions en cd mais le label Flashback viennent de le faire en vinyle pour la première fois, si je ne m'abuse. Plusieurs considèrent ce disque comme la quintessence du Krautrock et ils n'ont pas tort. Disque incroyable, enregistré dans un bunker nazi de la deuxième guerre mondiale par quatre jeunes musiciens allemands issus de cette générations d'après-guerre. Le documentaire de la BBC sur le Krautrock nous éclaire un peu sur le sentiment envahissant qui s'instillait chez les jeunes de cette première génération d'après-guerre. Au lieu de tout refouler, German Oak se sont appropriés l'histoire et le lieu avec des titres comme "Raid Over Dusseldorf", "Swastika Rising" et "The Third Reich". J'ignore leur allégeance idéologique, je ne crois pas qu'il soient pro-nazis, peut-être seulement des jeunes qui ne souhaitaient pas souffrir de la honte et de l'humiliation de la défaite en effaçant une partie de leur histoire. D'ailleurs, à l'arrière du disque on peut y lire:

"If we were not born, we could not have done this. So we dedicate this record to our parents which had a bad time in World War 2.

As we played down there in the bunker, suddenly a strange atmosphere began to work. The ghosts of the past whispered.

There has been fear, desperation- but also hope!
Maybe you will feel such impressions too by listening carefully."

Certaines pièces sont groovy (comme celle plus haut) mais d'autres moments sur ce disque sont beaucoup plus près du Kosmische rock avec des improvisations aux synthés, de la guitare électrique et des structures un peu plus déconstruites.

Il y a un autre disque, qui lui a presque fait mon top 10 de l'année dernière, enregistré dans les mêmes circonstances ou presque. Il s'agit de l'album "Well Song" du néo-zélandais Anthony Milton, plus connu sous The Nether Dawn, sorti sur le label Porter Records. Ce magnifique album a été enregistré dans un bunker en Nouvelle-Zélande qui avait comme fonction de défendre l'île face à une éventuelle invasion tsariste au début du 20e siècle. Vraiment un beau disque de guitare, de chants inspirés et de drones... un moment de fragilité.

Shawn David McMillen : "Dead Friends" (Tompkins Sqaure, 2010)

2010-09-20T21:40:00.000-07:00

Sacrament.

Tout pue la mort ces jours-ci. C'est peut-être la venue de l'automne qui instille cette odeur omniprésente... Quoique d'habitude c'est plutôt durant les mois d'octobre et de novembre que cette aura se fait sentir.

Difficile d'avoir le coeur à la fête et les disques qui me marquent le plus ces derniers temps sont en général glauques. De par son titre, le dernier album de Shawn McMillen m'emmène à réfléchir sur la perte et le deuil... Souvent il y a des deuils qui n'impliquent pas de personnes, mais des relations, des personnes interposées... ce sont souvent ces deuils qui nous prennent par surprise. À l'image d'une famille dans laquelle un des parents est alcoolique. S'il arrête sa consommation (pour le mieux), le reste de la famille, ou le système, va devoir se réajuster à la nouvelle entité qui prend place. Les choses ne sont plus les mêmes et on s'habitue bien vite à notre malheur. Marquer le deuil dans ces situations est une façon de voir le changement, de ne pas se fermer les yeux sur la situation mais bien de l'appréhender sous un angle nouveau, avec une bonne dose de réalisme. Mais ce n'est pas un blog de psycho-pop et de croissance personnelle.

"Dead Friends" est un disque d'automne, mais ce n'est pas une oeuvre monochrome, elle affiche bien des couleurs. Je n'ai pas accroché d'emblée sur le guitariste Shawn David McMillen. Je l'avais vu en spectacle au Divan Orange dans le cadre du Suoni il y a deux ans en première partie de Tom Carter., Son spectacle était honnête, sans plus, mais j'avais tout de même acheté un de ses albums. Ce disque, j'en ai parlé dans ces pages, intitulé "Catfish" avait été une sacrée découverte. Sorti sur Tompkins Square, un label que j'associe à la guitare folk somme toute conventionnelle, cet album m'avait surpris par son côté plus "noise" et l'utilisation d'électroniques.

Cette nouvelle sortie de McMillen est dans la même veine que le précédent; un beau mélange de folk et de noise. Les pièces alternent entre guitare acoustique, guitare électrique, piano, banjo, violon.. Certaines pièces sont augmentées de kalimba, joué par Ralph White, ce qui par moment vient donner une teinte un peu exotique à l'ensemble. On retrouve sur certains morceaux le chant de McMillen, parfois avec des paroles, mais généralement se sont plus des vocalises. Les atmosphères sont surprenamment changeantes dépendant des pièces. Certaines sont épurées, où on retrouve des lignes de guitares superposées et d'autres nous offrent des ambiances plus chargées, aux sonorités un peu plus touffues. Tout de même, malgré la perte de ses amis, McMillen parvient à conserver un équilibre intéressant entre folk et musique expérimentale.

Équilibre que je me dois de retrouver moi aussi.

James Blackshaw: "All is Falling" (Young god Records, 2010)

2010-09-14T22:00:00.000-07:00

Tout est en train de s'écrouler. Lucrèce, dans De Natura Rerum, parlait du clinamen des atomes, c'est-à-dire des variations altérant leur chute dans l'abysse, permettant au monde sensible d'exister.

Si on doit tomber pour exister, j'ai rarement aussi exister que ces derniers mois.

Cependant, dans la chute on cherche des repères auxquels s'accrocher, des points d'ancrage qui permettront de nous retenir si jamais la prise commence à glisser.

Quand je parle de ces disques qui remplissent cette fonction de trame sonore de nos vies, le dernier disque de James Blackshaw en est un. C'est aussi un disque qui me permet d'écrire et de m'accrocher à quelque chose, à cette insaisissable émotion qui me rappelle à ma vulnérabilité, à cette qualité d'humain.

Blackshaw nous sert une oeuvre solennelle, empreinte d'émotions et de beauté afin que s'ouvre cette scène de l'imaginaire sur laquelle se déroule la trame parallèle de nos vies. Mais quand les acteurs sont en place, on ne sait jamais quels sont leurs rôles véritables.

Ce disque se veut un point culminant du parcours de ce musicien atypique. "The Glass Bead Game" paru l'année dernière m'avait laissé un peu sur ma faim et ne paraissait pas totalement achevé. Sur "All is Falling", Blackshaw est accompagné de Charlotte Glasson au violon, flûte, saxophone alto et glockenspiel, Fran Bury au violon et voix et Daniel Madav au violoncelle. La charge émotionnelle que d'habitude suscite les cordes est au rendez-vous . Blackshaw quant à lui s'arme d'une guitare électrique à douze cordes, joue beaucoup de piano, du glockenspiel, des percussions et un peu de voix également. Un disque très lyrique aux mélodies captivantes et aux répétitions bien entretenues. Ses références aux compositeurs minimalistes sont beaucoup plus assumées que sur son album précédent. Ses compositions sont limpides, et superbement achevée.

Les morceaux formant ce disque sont sans titres, ils sont seulement chiffrés de 1 à 8. Une longue pièce en huit mouvements aux enchaînements sans heurts. En fait, les seuls morceaux se terminant par des silences ou des coupures musicales sont les parties 1, 6 ,7 et 8, la pièce finale. La dernière pièces permet au compositeur de sortir un peu du cadre référentiel auquel il nous habitué à la guitare et au piano en explorant plus les tonalités des drones. Les glissandos de la partie 7 peuvent à cet effet être perçus comme une sirène d'alarme nous invitant à prêter l'oreille à ce qui s'ensuit.

La partie 6 a particulièrement capté mon attention. C'est uniquement sur cette pièce que se font entendre les voix de Blackshaw et Bury. Ceux-ci ne chantent pas, ils comptent la rythmique la pièce. En fait Bury compte les 1-2-3-4 et Blackshaw ponctue une autre rythmique sur laquelle les percussions viennent appuyer la guitare. Quiconque ayant une expérience des mouvements sacrés de Gurdjieff sentira une certaine familiarité avec cette façon de compter, rappelant le compte rythmique de certains mouvements lorsqu'ils sont pratiqués sans la musique. Mais peut-être est-ce moi qui ressent trop le besoin de m'accrocher à quelque chose...

Aceyalone : "A Book of Human Language" (Project Blowed, 1998)

2010-08-18T22:27:00.000-07:00

Je me fait souvent demander quels sont les disques de rap qui m'ont le plus marqué. Je suis toujours très embêté de répondre à cette question car on dirait que ça s'est passé par étapes. Donc, certains disques ont marqué certaines étapes de ma vie et de ma démarche musical. Material Intonarumori, Wu-Tang "Enter the 36 chambers", Mobb Deep "The Infamous", Company Flow "Funcrusher Plus", Swollen Members "Balance".... Et la liste s'allonge encore de plusieurs titres... Des albums qui m'ont accompagnés dans des moments forts de am vie, où je ne prêtais pas nécessairement attention à la réalisation ou l'agilité lyricale des rappeurs.

Cependant, l'album qui vient constamment en tête de liste n'est pas celui qui a laissé la plus grande empreinte émotive. C'est un disque que j'ai découvert assez tard (99-2000), mais qui a profondément marqué ma vision du rap et de la musique. Je réalise de plus en plus que je ne suis pas le seul qui a été marqué par ce chef d'oeuvre. Partout à travers le monde, je vois cet album se faire mentionner comme étant un des plus grand disque de rap jamais fait. Je parle ici de l'album du rappeur californien Aceyalone "A Book Of Human Language".

Aceyalone s'est fait connaître à Los Angeles par les sessions de micro ouvert de The Good Life Cafe et Project Blowed. Le documentaire "Freestyle: The Art of Rhyme" retrace bien cette épopée du début des années 90.

C'est à cette époque que se forme le groupe Freestyle Fellowship, un des plus grand groupe de la côte ouest à mon avis. Formé de Aceyalone, mais aussi de Mykah 9, P.E.A.C.E. et Self Jupiter. À eux seuls, ce quatuor ont redéfini la scène Hip-Hop undergound de Los Angeles. Ils ont fait paraître quelques albums dans la première moitié des années 90 mais je n'ai jamais vraiment accroché. Aceyalone et surtout son acolyte Mykah 9 ont redéfini les notions de "flow" et ont emmené le rap à sortir d'une zone de confort artistique. On dit aussi que Mykah 9 est le premier à avoir rappé en "double-time" sur un beat.

(man je pourrais faire une entrée entière sur Mykah 9...)

Fier de cette origine mythique, Aceyalone a tenté rapidement l'aventure solo et en 95, il fait paraître "All Balls Don't Bounce". Disque que je dois avouer n'avoir jamais écouté... J'ai été trop pris par son successeur, le fameux "A Book of Human Language". Pour ce disque, Acey a fait appel à un producteur très peu connu de la scène Hip-Hop, un certain Mumbles. Issu d'une famille de musiciens de jazz, Mumbles, après avoir complété cet album, s'est tourné vers la pratique spirituelle en embrassant une branche de l'hindouisme. Quand on réalise avoir une telle oeuvre, cela ne m'apparaît pas comme déplacé, mais bien comme étant la seule issue possible s'il ne souhaitait pas finir comme Aceyalone et jamais ne pouvoir remonter au niveau atteint par cet album. Les beats, sont riches et variés, très différent des beats hip-hop de l'époque et c'est une des critiques qui a été faite à ce disque. Je me souviens quand j'ai découvert ce disque, je l'écoutais dans l'auto de ma mère et Rass et l'Intrus de mon groupe Traumaturges, avaient eu la même réaction : " Yo, c'est pas du rap, ça!" Commentaire qui a l'époque avait contribué à marquer une scission définitive au niveau artistique avec une partie de mon groupe. J'étais convaincu de tenir dans mes mains un chef d'oeuvre de Hip-Hop et me faire dire que ce n'en était pas, n'était tout simplement pas concevable. Je me rappelle même que j'étais en train d'écouter cette chanson:

Encore aujourd'hui j'ai de la misère à identifier un rappeur capable de "flower" autant sur un beat, surtout sur celui-ci en particulier. C'est un des meilleurs exemples de comment "rider" un beat.

Mais le véritable tour de force de ce disque, selon moi, réside dans les paroles d'Aceyalone et la structure du disque. Construit comme un livre avec des chapitres, il y a une incroyable cohésion entre les pièces, où bien les thématiques se suivent d'une façon logique, les paroles se référent à d'autres "chapitres" du disque. Une cohésion tellement logique et solide que je ne crois pas que l'exploit ait été reproduit dans le monde du Hip-Hop depuis. On voit bien que Aceyalone avait une idée directrice en tête et qu'il l'a suivi jusqu'au bout. Je peux difficilement m'imaginer le degré de réflexion qu'il lui a fallu pour écrire ces textes. Car chaque texte aborde un aspect de l'être humain, de son intégration dans le Langage et de sa survie. sur les vingt pièces composant cet album, il n'y a pas de moments faibles, certains morceaux marquent plus que d'autres, mais tous sont pertinents et contribuent à la cohésion de l'oeuvre. La lucidité de son propos est tout aussi remarquable.

Je me souviens d'avoir attendu impatiemment la suite de ce disque, de me tenir à l'affut de ce qui sortait chez Project Blowed et Nu Gruv Alliance. J'ai découvert des bons trucs et finalement est sorti le disque "Accepted Eclectic" en 2001... et la déception fut grande, à un point tel que je lui en voulait presque de ne pas avoir été à la hauteur de mes attentes. Mais avec le recul je comprends qu'il est extrêmement difficile de réaliser un tel tour de force.

The Hired Hand

2010-08-14T18:17:00.000-07:00

Au départ il y a eu une trame sonore. Superbe oeuvre du compositeur Bruce Langhorne, que j'ai découvert dans les pages virtuelles d'Aquarius Records. Je faisait une recherche sur le musicien Scott Tuma et je suis tombé la-dessus. L'éloquence des extraits proposés fut suffisante pour m'inciter à acheter ce disque. Quand je l'ai reçu, j'étais un peu réticent à l'écouter; les trames sonores et les compilations ont toujours cet effet là sur moi. D'autant plus que je n'avais jamais entendu parler du film en question. Mais une fois que je l'ai mis dans mon lecteur cd, je ne pouvais plus l'enlever. J'ai dû écouter l'album 6 fois en ligne le même soir... par chance c'est relativement court. J'ai été totalement subjugué.

J'ai tout de suite voulu en parler; faire connaître cette musique hypnotique et envoûtante au plus grand nombre. Mais je me disais que ce ne serait pas faire justice que de le faire sans avoir regarder le film au préalable. Mais voilà, c'est fait.

Car "The Hired Hand" ce veut un film relativement mythique. Premier film produit par Peter Fonda tout juste sur les traces fumantes de "Easy Rider". Fonda cherchait encore à marquer le cinéma américain au fer rouge. Cependant ce scénario ne s'est pas déroulé comme prévu. Selon l'histoire, le film est resté deux semaines en salle de cinéma à sa sortie, a été retiré par la suite , est passé une fois à la télé américaine en 1973 et a été oublié. Ce serait sous l'insistance de Martin Scorcese que le film a été réédité en dvd en 2001 par Sundance Films.. Et ce n'est pas un film facile à trouver... j'ai fait quelques clubs vidéos dit de répertoire (Boîte Noire, Le Cinoche, Torréficition...) et aucun ne savait de quoi je parlais. C'est sur Ebay que je l'ai finalement déniché.

Je ne peux pas dire que c'est le meilleur film que j'ai vu, loin de là. Mais c'est sans doute un des plus beau. La musique de Bruce Langhorne prend tout son sens dans le contexte du film et acquiert une profondeur qui échappe lorsqu'écoutée pour elle-même. Les lentes scènes de chevauchées en solitaire, où les images se superposent et où les bleus et les oranges sont saturés, apportent une teinte de mélancolie angoissante si difficile à définir à la musique... Ces instants d'abstractions cinématographiques de superpositions de photos et d'images qui s'emmêlent les unes dans les autres sont rehaussé par une musique tout aussi surréelle mais ô combien ancrée ancrée dans le folklore folk américain. L'utilisation du dulcimer appalachien, de banjo, de farfisa, d'échoplex rudimentaire, font de l'ensemble musicale une trame vaporeuse à travers laquelle émerge quelques fragments de signifiants, d'un film qui au premier abord est un peu long et plate.

Le scénario apparaît comme simple mais en lui sommeille une mine d'interprétations ne demandant qu'à être extraites. Il s'agit de ce qu'on a qualifié d'un anti-western; l'inverse de ce qu'on film de western devrait être. Le film débute avec trois cow-boy sur le bord d'un cours d'eau, dont un se baigne dans la rivière, les images aux ralenties, la lumière saturée et la musique...cette musique... l'introduction est à couper le souffle. Cette insouciance du début s'envole rapidement avec la découverte du corps d'une petite fille flottant dans la rivière. Personnage passager du film, dont on ignore la genèse et qui n'a pas de lien avec l'intrigue principale. Cette macabre découverte est le début d'une remise en question d'un mode de vie. Nos trois comparses sont en route vers la Californie pour refaire leur vie, ils rêvent à l'océan, dont ils ont entendu dire que c'était la plus grande étendue d'eau jamais vue. En chemin ils arrivent dans une étrange ville, où il n'existe aucun forgeron et où il y a peu de femmes. Ville que le personnage principal de Harry Collings (Peter Fonda)reconnaît y être venu il y a quelques années. Car ça fait maintenant 7 ans que notre héros à quitté sa femme et sa fille, femme dont il ne se souvient plus très bien, de 10 ans son aînée. Dans cette ville étrange, son compagnon le plus jeune, se fait tuer par un homme qui l'aurait surpris à violer sa femme (on en doute), probablement l'unique du village.

Il est de mon avis que les trois personnages masculins sont tous des dimensions particulières du personnage principal. Le plus jeune, Dan Griffen (Robert Pratt), est un peu fol, rêve ardemment de Californie et est un peu naïf. Peu avant la mort de celui-ci, Harry annonce qu'il désire retourner chez lui, qu'il est fatigué de cette vie d'errance et suite au décès de Dan, la décision est prise: Harry et Arch Harris (Warren Oates)vont retourner chez Hannah (Verna Bloom), la femme de Henry. Mais avant leur départ, ils doivent venger la mort de leur ami en allant reprendre son cheval chez les bandits. Ils quittent avec le cheval, et étrangement, Fonda laisse un drôle de souvenir à l'homme qui a tué Dan en lui tirant une balle dans chaque pied alors qu'il dort, pour en faire un genre de scène de "stigmata", rappelant la crucifixion du Christ...

Naturellement le retour du mari fuyard n'est pas très bien reçu par sa femme. Mais celle-ci accepte tout de même d'héberger les deux hommes comme "hired hand", soit des hommes à tout faire. Ceux-ci se mettent rapidement au travail et tandis que Henry garde ses distances face à sa femme et sa fille qui le croit mort, Arch Harris lui s'en rapproche un peu plus. Plusieurs scènes le montre le soir discutant avec Hannah en fumant, et une scène particulière où il est plein d'attention envers la fille de son ami alors que ce dernier ne lui adresse jamais la parole. Le personnage de Peter Fonda est un homme de peu de mots, il s'exprime avec parcimonie et ne manifeste que très peu d'émotions, ce sont les deux autres qui parlent à sa place. Alors qu'ils sont en ville les deux hommes apprennent d'un type au saloon que Hannah engageait régulièrement des "hired hand" et qu'elle avait l'habitude de leur faire partager son lit. Lorsque Henry la confronte à ce sujet, celle-ci ne nie pas et au contraire, s'affirme comme une femme libérée, maîtresse de sa maison, de son corps et de ses terres. Par la suite, Mr.Harris décide de repartir, reprendre la route de la Californie. Lorsqu'il décide de quitter, nous avons un superbe dialogue entre Hannah et Henry sur le rôle symbolique de Mr. Harris dans la vie de Henry. Elle expose les tenants d'une relation homosexuelle (sans sexualité) qui lie Henry à cet homme; qui se tient entre elle et lui et qui le rappelle toujours à son passé de cow-boy errant. Après le départ de Mr. Harris, Henry se rapproche de sa femme et reprend graduellement le rôle qu'il avait délaissé quelques années auparavant; le père et l'époux.

Mais alors qu'on croyait notre héros de retour à une vie familiale rurale, un des bandit du début lui amène un doigt de Mr. Harris, en lui disant que son ami le demandait et qu'il devait le voir. Chaque semaine où il ne se présenterait pas, Arch Harris perdrait un autre doigt. "The Hired Hand"...

Henry pars donc à la rescousse son compagnon au grand désarroi de sa femme qui réalise bien que son mari ne reviendra pas. Comme de fait, c'est Arch Harris qui revient à la ferme de Hannah, pour s'installer dans la grange en tant qu'"Hired Hand", un doigt en moins.

On a ici possiblement une belle métaphore psychanalytique, illustrant la seconde topique freudienne du Ça, Moi et Surmoi. Où trois générations d'hommes se côtoient au départ et meurent au courant du film pour ne laisser qu'un seul vainqueur, le plus vieux, celui qui a le plus d'expérience, qui est celui capable de porter un regard critique sur sa situation et de s'imposer des interdits (le Surmoi). Le plus bel exemple de cet interdit est la finale où, sans un mot, Arch Harris passe devant Hannah en traînant le cheval de Henry et entre dans la grange, non dans la maison de Hannah... La perte du doigt, c'est aussi l'inscription dans le corps de la métaphore, le passage à une instance psychique qui impose des limites et des interdits ne se fait pas sans en payer le prix. Le Moi pourrait être incarné par le personnage de Peter Fonda; instance silencieuse, qui est constamment menacé par la répétition et qui finit par effectivement quitter, en proie à la pulsion de mort. Le personnage du Ça n'apparaît que très brièvement, mais cette pulsion reste omniprésente dans le film et est ramené à la réalité par les questionnements de la femme. On comprend rapidement que Dan Griffen incarne cette pulsion de découverte et de liberté. Exemples éloquents quand il se baigne au début,lorsqu'il se promène dans la ville insouciant en combinaison et qu'il ne peut réprimer sa pulsion sexuelle. Pulsion sexuelle qui l'entraîne vers la mort.

Film somme toute intéressant, avec une superbe direction photo et une trame sonore magnifique. La scène de baignade du début est d'ailleurs considérée par plusieurs amateurs comme une des plus belles introduction de film jamais faites.

Ceschi Ramos : "The one-man band broke up" (Fake Four , 2010)

2010-07-26T19:56:00.000-07:00

Pour l'amateur sérieux de hip-hop underground, il y a un nom dont il n'est plus possible de faire abstraction. Un rapper qui, depuis 2004, soit la sortie de son premier album officiel, accumule les éloges du public mais aussi de ses pairs. Ce nom est bien entendu celui de Ceschi Ramos; artiste originaire de la côte ouest américaine (Los Angeles plus précisément) mais relocalisé présentement à New Haven au Connecticut. En 94, lui et son frère David Ramos ont parti le projet/label/c'est pas clair, Anonymous Inc. Depuis, ils ont aussi crée le label Fake Four, en l'honneur des quatre doigts à la main droite de Ceschi.

C'est cependant en 2007 que Ceschi a connu le succès d'estime avec la sortie du disque "They Hate Francisco False" sur son propre label. Un bon disque, sans plus. Le ton est un peu geignard et il faut aimer le genre "rap chanté", qui semble devenir de plus en plus à la mode dans certains réseaux. C'est encore une fois Scott Da Ros qui m'avait prêté ce disque pour que je l'écoute. Je n'ai pas super accroché sur le moment, ce n'est qu'en écoutant sa collaboration avec Noah 23 que j'ai eu envie de me lancer un peu plus dans la découverte de cet artiste.

Il m'est arrivé sensiblement la même chose avec Atmosphere. Au moment de la sortie de "God Loves Ugly", il y avait un gros hype autour de ce rapper. J'ai donc écouté son disque en magasin et n'ai pas aimé sur le coup. C'est son morceau sur la compilation "Music for the Advancement of Hip-Hop" du label Anticon "Nothing but Sunshine" qui m'a ouvert la porte de son univers, son humour et sa profondeur.

Ainsi, depuis 2007, Ceschi accumule les featurings et tourne énormément aux États-Unis et en Europe (mais jamais venu à Montréal...). On peut comprendre pourquoi. C'est invitant de faire une collaboration avec Ceschi; rapper polyvalent, capable chanter juste, de jouer des instruments, de rapper normal et en "double time" et souvent dans la même chanson. Il peut s'adapter à toutes sortes de styles et de contextes et contribue normalement à rehausser une pièce par des refrains accrocheurs.

Son nouveau disque,"The One Man band Broke Up", est produit par Dj Scientist et est vraiment intéressant. Nous est servi un hip-hop somme toute relativement conventionnel, avec des collaborateurs qui le suivent depuis le début et quelques invités ayant croisé sa route depuis les dernières années. Ceschi joue plusieurs instruments tels; synth, guitare, banjo, ukulélé, piano, basse... Ce qui donne au final un disque très riche mélodiquement et suffisamment varié pour maintenir l'intérêt durant tout l'album. Il y a même un morceau qui m'a fait penser à du Genesis époque Peter Gabriel( For My Disappointing Hip Hop Heroes).Les chansons sont très bien construites, parlent de solitude, de la difficulté à vivre de la musique (superbe "No New-York" avec Astronautalis), de mal de vivre, la mort, la perte de l'innocence... On passe du folk, à un genre de prog, ensuite au Hip-Hop avec au passage des drumkits plus jazzy.

On s'entend que si un "One man band" se sépare, c'est suite à des conflits internes entre différentes factions. Cette séparation interne est un concept intéressant et je ne sais pas si Ceschi lui attribue la même signification que moi. Une des célèbres question du psychanalyste Jacques Lacan est: "Qui dis JE ?". En effet, qui en nous à la capacité de parler au nom de tout notre être? Gurdjieff quant à lui nous avait aussi prévenu; nous sommes construits d'une multitude de "moi" qui s'affrontent sans cesse et contribuent à nous maintenir dans un état de demi-sommeil. "La vie n'es réelle que lorsque JE suis" nous rappelle-t-il.

Les invités sur ce disque sont assez nombreux et se partage les tâches de production, d'arrangements et de composition musicales. Soulignons la présence de Sole sur la pièce "Long Live The Short Lived", Le seul moment faible du disque. Pas la pièce en tant que tel, mais le couplet de Sole est d'une banalité... De plus en plus, j'ai l'impression que Sole ne se force pas pour écrire lorsqu'il collabore sur le disque de quelqu'un d'autre. J'ai eu la même impression avec son couplet sur l'album de Bleubird "RIP U.S.A.". Peut-être que c'est moi aussi qui est juste saturé. En parlant de Sole, son deuxième disque avec le Skyrider Band est sorti sur Fake Four et non sur Anticon... comme quoi les temps changent. Reste que je m'ennuie de ça :

Le label Fake Four commence sérieusement à se faire remarquer. Devenu un joueur majeur dans l'underground. Ils ont sorti l'excellent album de Myka 9 "1969"(si vous avez dormi sur cet album réveillez-vous! Retournez l'écouter, un excellent exemple de ce que veut dire avoir du flow...), le disque de Factor (beatmaker l'ouest canadien)et la collaboration entre Factor et Awol One. C'est encore ce même beatmaker qui a produit le disque de Myka 9, il n'invente rien mais est très efficace. Mais Fake Four ce n'est pas que du Hip-Hop, c'est du pop, du rock progressif, des mélanges de genres parfois réussis et d'autres fois moins. Une des belles réussites est le disque du jeune frère de Ceschi, David Ramos "This Up Here".

Sabbath Assembly: "Restored to One" (Ajna, 2010)

2010-07-14T21:42:00.000-07:00

Quelle étrange époque que représente les années soixante dans le monde occidental. Soulevée par une génération d'après-guerre, cette période de l'humanité porte en elle les caractéristiques des périodes charnières. Ce n'est surement que dans une centaine d'années qu'on s'apercevra à quel point le monde occidental a été façonné par les réformes sociales, humaines et religieuses qui ont eut lieu à cette à ce moment-là.

Dans cette ère associée à la modernité, plusieurs prédisaient la chute de la religion et la victoire de la pensée scientifique. Comme de fait, de nombreux fidèles ont quitté les églises chrétiennes mais c'était pour mieux s'investir dans d'autres religions ou nouveaux mouvements religieux. Ce phénomène a mené plusieurs chercheurs à avancer que la modernité ne signifie pas la fin du Croire, simplement une restructuration des tenants de cette soi-disant modernité. De plus, l'utilisation d'un modèle de réduction/non-réduction ne s'applique plus si on veut se sortir de l'impasse que le Croire impose à la modernité.

Il s'en est passé des choses dans les années soixante; l'ouverture de l'occident aux philosophies orientales est venue marquer au fer rouge toute une génération de chercheurs, en quête de réponses existentielles. Les communes hippies se sont avérés des terreaux fertiles où pouvaient s'implanter des nouvelles croyances, drogues incluses ou non. Timothy Leary, Ram Dass, Chogyam Trungpa, Pandit Pran Nath, Alan Watts, Krishnamurti, Aldous Huxley, Osho Rajneesh, Yogi Bahjan, Sathya Sai Baba, Sri Aurobindo, Maharishi Mahesh Yogi... voici quelques-uns des noms les plus connus associées à cette époque et on peut surement en rajouter plein d'autres. Mais voilà des maîtres ou enseignants qui se réclamaient, ou descendaient presque tous d'une lignée ou d'une tradition spirituelle (sauf Timothy Leary). L'idée est qu'il y en a eu une multitude d'autres qui ont aussi marqué l'histoire à leur façon et certains pour des mauvaises raisons (Charles Manson, par exemple).

Les nouvelles technologies et la facilité à laquelle circule l'information ont permis la résurrection (!) de certains groupes n'ayant pas laissé de marques très profondes. Ceux qui nous intéressent ici, sont ceux qui ont explorés la spiritualité dans la musique. Un des plus connus et qui bénéficie d'une bonne campagne de revalorisation, est le groupe de Father Yod ou Yahowa, décédé en 1972, connu sous le nom de The Source Family. Disciple de Yogi Bahjan, James Baker s'est petit à petit dissocié des enseignements hindous du yoga de la Kundalini pour enseigner un genre de syncrétisme mystique, incorporant aussi bien des idées maçonniques et rosicruciennes. Le fait le plus marquant de la Source Family, est le groupe Ya Ho Wa 13, un groupe de rock psychédélique improvisé qui a enregistré de nombreux albums durant l'existence de ce groupe spirituel. Avec Father Yod à la tête du groupe, celui-ci disait "channeler" l'inspiration du moment et les enseignements des Grand Maîtres dans ces paroles improvisées, où il n'est pas rare de l'entendre chanter en langue. Auparavant considéré comme une curiosité de la musique psychédélique, la majorité des enregistrements sont à nouveau disponibles et restent très pertinents. Le film-documentaire "Re-Visiting FATHER and THE SOURCE FAMILY" s'avère un précieux document pour découvrir ce groupe particulier.

Une autre récente redécouverte, est The Trees Community, un groupe de hippies chrétiens dont les albums ont été réédités en 2007. Le superbe boîtier de 4 cd intitulé "The Christ Tree" vaut la peine d'être découvert par ce superbe billet du blog Les oreilles qui bourdonnent. Ce groupe a évidemment moins fait parler de lui, car il s'agit de chrétiens contemplatifs, chantant des hymnes à l'amour de Jésus et des passages de la bible. Disons que s'ils n'ont pas marqué l'histoire, c'est qu'ils n'ont pas connus les frasques que d'autres groupes ont connus. On parle plus ici d'un groupe de musiciens voyageant à travers les États-Unis et le Canada, contribuant à répandre la parole des Évangiles... un peu moins "sexe, drogues et rock'n roll".

Cette année, c'est au tour des compositions d'un groupe nommé The Process Church of The Final Judgement à renaître des cendres de l'oubli. Groupe légèrement controversé durant les années soixante, ceux-ci reconnaissaient un principe quaternaire à la divinité en les personnes de Dieu, Satan, Lucifer et Jésus, ce dernier étant le messager des trois autres entités. Naturellement, cela fut plus que suffisant pour qu'ils se fassent apposer l'étiquette satanique. Cependant, il ne semble pas que ce groupe fut ouvertement satanique, ni se réclamait des écrits fondateurs des religions sataniques. Cette triple personnification de Dieu fut simplement une lubie (ou illumination) du fondateur de la secte, lui-même ancien membre de l'Église de Scientologie. Certaines de leurs idées furent reprises par Charles Manson, mais le groupe du Process Church (ou Processean) ont entrepris des démarches judiciaires contre les auteurs ayant prétendus en des liens plus qu'idéologiques entre les deux groupes. Démarches qu'ils ont gagné par absence d'éléments prouvant des contacts directs avec Manson.

C'est au groupe Sabbath Assembly que revient le mérite d'avoir dépoussiérer les textes et les hymnes du Process Church. C'est d'ailleurs ce qui différencie Sabbath Assembly des autres groupes mentionnées plus haut. Il ne s'agit pas d'enregistrements d'époque fait par les membres de cette église. C'est plutôt un hommage à ce groupe religieux, en revisitant les hymnes de dévotions écrits par les membres. Sabbath Assembly est l'association de divers musiciens de la scène freak-folk américaine, regroupant entres autres David Nuss du No-Neck Blues Band et Jex Toth, originellement de Wooden Wand and the Vanishing Voice. Jex Toth étant la conjointe dudit Wooden Wand (James Jackson Toth). Deux groupes incroyables, mélangeant le folk et l'improvisation collective. Je me souviens d'avoir assisté au premier concert de Wooden Wand à la Casa Del Popolo il y a environ 3 ans, j'étais un fan avoué de son groupe et de son projet solo et une question me tracassait; en raison des nombreuses références à la religion et à la spiritualité, qu'elle était leur allégeance spirituelle? Faisaient-ils parti d'un groupe religieux? La réponse fut sans équivoque: on ne fait parti d'aucun groupe, si on fait cette musique c'est parce qu'on trouvait que ça manquait dans le paysage musical...

C'est donc par considération esthétique qu'un groupe de jeunots américains chantaient Dieu, la mystique et la quête spirituelle. Ça m'a un peu déçu. Je ne suis pas un fervent du "faire comme si" et certains vidéos sur Youtube montrent Sabbath Assembly "faire comme si" ils étaient dans le Process Church... Mais ils ne le sont pas. Même que je doute de leur connaissance de ce que représente s'investir corps et âme dans une démarche spirituelle, car ils auraient su reconnaître qu'on ne peut faire semblant...même si beaucoup le font...

Par contre, ils sont parvenus à créer un excellent disque de rock psychédélique, mystico-religieux, avec une saveur et une teinte résolument "seventies". C'est tout à leur honneur. Mais vu la qualité des musiciens derrière ce projet, on ne pouvait s'attendre à quelque chose de médiocre. Au début je croyais qu'il s'agissait d'un projet plus Black Métal (surtout que le label Ajna est reconnu pour ce genre de musique), ce fut une belle surprise de découvrir leur rock quand même léger, très mélodique, porté par la superbe voix, juste assez solonnelle, de Jex Toth.

Ajna ont aussi rééditer en vinyle la trame sonore du film "Lucifer Rising" de Kenneth Anger. La musique du film a été composée par Bobby Beausoleil, un des associé de Charles Manson, condamné à la prison à vie pour le meurtre de Gary Hinman. Il a composé cette trame sonore alors qu'il était incarcéré et on lui a donné le droit de monter un band de prisonniers avec qui l'enregistrer. Impressionnante pièce musicale pour une toute aussi impressionnante oeuvre cinématographique. /En passant, le disque de Charles Manson sorti sur ESP en 1974 a été réédité en cd.

Crabouif

2010-07-11T19:15:00.000-07:00

Quand j'ai écouté pour la première fois l'album "L'incendie" de Brigitte Fontaine et Areski Belkacem, j'étais content de découvrir ce genre de musique dans la musicologie française. Sorti sur un label de free-jazz français, j'étais agréablement surpris de voir un disque de folk francophone dans son catalogue. J'avais, bien entendu,découvert auparavant l'album "Comme à la radio" qui a laissé une forte impression sur moi. Par la suite, j'ai entendu parler d'un disque, une collaboration entre Jacques Higelin et Areski, j'avais essayé vainement de me le procurer via les internets. J'ai finalement trouvé une copie usagée au magasin Bimbo Tower lors de mon dernier passage à Paris.

Ce disque s'est avéré une superbe découverte, me permettant d'entrevoir une facette plus expérimentale d'un grand de la chanson française, soit Jacques Higelin. C'est encore la revue Actuel qui m'a introduit avec le nom de Higelin. J'avais lu une critique d'un de ses disques où était utilisé le qualificatif "planant" pour le décrire. Je crois avoir tenté d'écouter un disque de Higelin mais je n'ai pas accroché. Sa discographie est somme toute abondante et je ne me souvenais plus quel était le titre de l'album en question. Sur cette collaboration avec Areski, les deux compères laissent libre cours à leur créativité et nous offrent un superbe disque de folk abstrait, minimal, avec des superbes paroles signées Higelin. Un disque quand même varié, oscillant entre des moments spoken word, de chanson et aussi de ethno-folk.

Suite à la lecture du livre "L'underground musical en France", j'ai appris que Higelin et Areski avaient collaboré à d'autres occasions et que les premiers disques de Higelin, sortis sur Saravah, pouvaient être aussi qualifiés d'expérimentaux. J'ai donc récemment trouvé un autre de ces cd en copie usagée à la Bouquinerie du Plateau sur l'avenue Mont-Royal (j'étais d'ailleurs avec une femme à qui j'ose dédier la chanson "Remember" plus haut). En passant, la Bouquinerie se veut de plus en plus une référence à Montréal pour trouver des cd usagés de musique expérimentale, de krautrock, de free-jazz et classique contemporain. Ils achètent aussi à bon prix. Ce cd est celui intitulé "Crabouif", sorti en 1971. Lors d'une première écoute en magasin, je n'étais pas totalement convaincu.Toujours ce caractère "naïf" qu'on retrouve sur la collaboration avec Areski, les enregistrements d'un enfant qui improvise des chansons, Arthur H , en l'occurrence, alors âgé de 5 ans (ce que je n'aime pas beaucoup, d'autant plus que cela a semblé être une mode pendant un certain temps, on retrouve ce genre d'intermèdes sur des disques de Ghédalia Tazartes, David Fenech, Aksak Maboul et autres. Le premier disque de Tricot Machine n'entre cependant pas dans cette catégorie.). Mais les chansons avaient quelque chose d'accrocheur et un titre a attiré mon attention, soit la dernière pièce du disque: "Musique rituelle du Mont des Abbesses (XXe siècle - XVIIIe Arrondissement). Lors de l'écoute j'ai été emporté par ce qui semble une improvisation au banjo, flûte orientale et voix, très minimale, aux teintes vaguement orientales. Je me suis dit que si cette pièce dépassait les 20 minutes, j'achetais le disque, car à ce moment elle vaudrait à elle seule l'album. Et comme de fait, cette pièce s'étire légèrement au-delà des 20 minutes...superbe.

Il était une fois dans l'Ouest

2010-07-09T16:43:00.000-07:00

Ça fait un bout de temps que je souhaite parler de bande dessinée sur ce blog. Je ne suis pas un expert dans la matière mais j'aime tout de même en lire et continue d'en acheter à l'occasion. Comme j'aime aussi parler de choses dont on ne parle que très peu, je vais m'arrêter sur une série qui me fascine totalement, surtout par la richesse de son personnage principal, soit la série western "Jonathan Cartland". Ces bd's se trouvent facilement dans les librairies usagées, soldées à 5$ ou moins et quand je les trouvent, je les achète. Je me souviens d'en avoir lu quelques-unes lorsque j'étais enfant et je n'avais pas trop accroché. Je n'y comprenais pas grand chose et ça manquait de divertissement (pour un enfant). J'ai replongé récemment dans cette série et j'ai été frappé par sa complexité et le souci du détail du scénariste Laurence Harle.

Le personnage de Jonathan Cartland est celui d'un trappeur du 19e siècle, qui parcourt l'Amérique à la recherche de calme et de tranquilité. C'est l'aventure qui le cherche plus qu'il ne cherche l'aventure. On le retrouve souvent sans le sou, alcoolique, désabusé, dans une ville de l'Ouest américain où finalement ses talents de pisteur et de guide sont sollicités. Cartland est un anti-héros comme tant d'autres, seulement la lutte constante qu'il mène contre ses démons intérieurs ajoute une profondeur à laquelle peu de bédéiste peuvent prétendre. Il est aussi très proche des amérindiens, il connaît leurs rites, leurs pratiques et c'est tout un cours sur les premières nations qui nous est livré dans les pages de cette bd. D'ailleurs, on le voit rapidement marié à Petite-Neige, une amérindienne appartenant à la tribu Sioux des Oglalas. C'est d'ailleurs son meurtre par un guerrier Shoshone qui va libérer le langage de l'inconscient de notre héros. À partir de ce moment, on voit Cartland à la recherche de sa propre mort et trouvant du réconfort entre les bras de femmes dangereuses. Mike Tamburo l'avait compris avec sa pièce "Something about dangerous women" et Jonathan Cartland aussi. Il tombe rapidement amoureux de prostituées, meurtrières, narcomanes et ce, sans égards pour les conjoints ou autres amants. Des femmes qui sont hantées par des démons puissants, liées parfois aux siens. Que ce soit Cynthia-Ann, jeune bourgeoise anglaise enlevée par des Navajos, qui devient accro au Mescal et se retrouve pièce maitresse d'un bordel à San Francisco. Cecilia, fiancée du duc allemand Willhelm de qui il s'éprend, accro au laudanum, possédée par des crises hystériques, qui finit écrasée sous des éboulis... Bref, de très beaux personnages féminins, fortes et tourmentées, qui vont séduire notre héros qui tenteras de les sauver comme il peut.

C'est aussi une belle partie de la spiritualité amérindienne qui est exposée au gré des tribus visitées, les Mandans, Hopis, Cheyennes, Navajos... Les rêves de Cartland occupent une part importante du récit; on y voit le rituel de la Danse du Soleil, des esprits maléfiques, des rituels de purification... La dynamique religieuse et les croyances sont superbement exposées. Un souci du détail qui incorpore même le personnage d'un Honukhé, soit un "contraire" chez les Sioux, une pratique rarement explicitée lorsqu'on aborde la spiritualité amérindienne.

Il y a quelque chose de fascinant dans la spiritualité amérindienne. Je l'ai appris un peu malgré moi lors d'un cours sur le sujet que j'ai suivi a l'université. Peut-être est-ce dû au fait que j'occupe moi-même les terres ancestrales de ces tribus, que le nom du pays où j'habite et celui de nombreuses villes est issus des langues autochtones. toujours est-il que je ressens une certaine fierté à pouvoir discourir sur l'histoire amérindienne et leurs pratiques et ainsi ramener à l'esprit des gens que nous habitons leurs terres.

Et comme c'est principalement un blog de musique, je vous laisse sur cette pièce de Gila, tirée de l'album "Bury my heart at Wounded Knee", un projet de Conny Veit et Florian Fricke du légendaire groupe krautrock Popol Vuh, eux aussi probablement fasciné par l'histoire amérindienne.

Zs : "New Slaves" (The Social Registry, 2010)

2010-06-26T15:19:00.000-07:00

Encore de la musique excitante. Les disques dont j'aimerais parler dans ce blog s'accumulent à une vitesse fulgurante et je prends beaucoup de retard dans leur écoute et leur digestion. De plus, les nouvelles entrées abondent et j'ai du me faire une liste pour ne pas en oublier. Au sommet de ma liste, depuis près d'un mois, se trouvait "New Slaves".

Je me souviens l'année dernière dans le cadre du Suoni per il Popolo,je me suis déplacé à la Sala Rossa pour voir le spectacle de Chris Corsano et Six Organs of Admittance. Ce spectacle était annoncé relativement tôt et le mot se passait qu'ils allaient commencer à l'heure. Je suis donc arrivé un peu d'avance pour finalement apprendre qu'un autre groupe s'était ajouté et avait déjà commencé., J'ai pu capter les dernières minutes du set d'un groupe New-Yorkais nommé Zs. Une dernière pièce quand même intéressante, un placement sur scène circulaire, saxophone, guitares et batterie et trouvant dans un feu croisé de rock-noise fortement inspiré de free-jazz. J'ai pu aussi être témoin du plus intense battements de main sur des cuisses de la part du saxophoniste. C'était fort, lourd, intense et ça tirait de tous les côtés. J'ai hésité à acheter un de leur cd et finalement me suis abstenu par manque de moyens.

Il y a quelques mois, le label The Social Registry a fait paraître le nouvel album de Zs, intitulé "New Slaves". Percussif, bruitiste, free, follement intense... Les montées d'adrénaline se succèdent les unes à la suite des autres,pour créer une écoute hautement participative pour un disque iconoclaste.

Zs ont crée une oeuvre intersidérale, teintée d'électroniques éclatés, d'effets de distorsion qui se déplace dans l'espace temps, allant emprunter certaines teintes au Krautrock par des rythmiques de type "motorik", s'inspirant du free-jazz, du noise et même du métal pare moment, dans l'intensité des guitares électriques.Dans ce voyage spatial, des fils électriques de haute-tension sont tendus un peu partout, comme des embûches dédiées aux voyageurs distraits qui écoutent sans porter attention. Lors du contact la décharge est telle qu'on est aisément rebuté. Cependant, les auditeurs plus attentifs et concentrés sauront manoeuvrer dans cette course à obstacle sonore et reconnaîtront la beauté de ce disque. Un grand disque, brutal, urbain, expérimental, ancré dans des courant musicaux intransigeants qui ont su marquer la musique.

L'utilisation de la distorsion sur le saxophone est superbe, Sam Hillmer n'est surement pas le meilleur jouer, mais son jeu gagne tellement en intensité qu'il parvient à nous donner la chair de poule surtout lors des vingt minutes de la pièce titre. Par chance des pièces plus tranquilles viennent créer une brèche dans cet assaut délirant. Ainsi, la superbe "Masonry" vient nous offrir un moment de repos tout en douceur et les deux pièces qui clôturent le disque "Black Crown Ceremony I et II" sont plus retenue, les percussions sont quasi absentes et on se fait traîner dans un univers beaucoup plus ambiant. Sombre , mais ambiant. Finalement, le battage de mains qui m'avait impressionner semble se retrouver sur la pièce "Acres of Sin", un morceau rythmique hallucinant.

Peeesseye & Talibam! (Invada records 2010)

2010-06-17T20:14:00.000-07:00

J'ai entendu parler de Peeesseye lors de leur passage au festival de Victo en 2008. À ce moment, c'était le seul spectacle qui avait attiré mon attention, seulement, la perspective de dépenser 30$ pour ce show, sans compter les deux heures de trajet, ont refroidi considérablement mes ardeurs. J'ai quand même fait mes recherches et déniché deux de leurs albums sur le label Evolving Ear soit, "Commuting between the surface & the underworld" et "Mayhem in the Mansion". Deux excellents disques de folk/noise très sombre, où les trois musiciens de Peeesseye ne rebutent pas attaquer l'abstraction de plein front. D'ailleurs, c'est surement grâce au label Evolving ear que ces deux groupes ont fait connaissance (ou ils se connaissaient déjà), Talibam! ayant fait paraître un cd-r sur ce label.

Les gens qui s'intéressent sérieusement à la musique expérimentale et au free-jazz ont surement entendu parler du duo Talibam!. Depuis près de deux ans, le tandem de Kevin Shea au drums et Matt Mottel aux claviers, fait considérablement parler de lui. Ils cumulent les albums abrasifs de musique improvisée ainsi que des collaborations avec des jazzmen aux mêmes affinités qu'eux. D'ailleurs, ils font parti des quelques groupes contemporains ayant sorti un disque sur le label ESP depuis la reprise de leurs activités l'année dernière. Il và sans dire que Talibam! attire l'attention mais la mienne est passée à côté, trouvant leur free-jazz trop bruitiste et énergique pour m'inciter à acheter un de leur disque.

C'est donc Peeesseye qui m'a convaincu de prendre une chance avec ce disque. Et quelle chance... Ce disque est tout simplement phénoménal. Et je pèse mes mots. Une sublime collaboration entre des artistes partageant une esthétique similaire. Un joyeux mélange de rock, jazz, folk et noise dans un tourbillon multicolore nous propulse dès la première pièce dans un monde complètement excitant. La première pièce "You tried (to eat it)" est supportée par une rythmique dynamique très rock, un riff de guitare monstrueux et des claviers tellement entraînant que je ne peux réprimer un sourire quand la toune démarre pour de bon. Je ne sais pas ce qu'ils ont essayé de manger mais quelqu'un ne semble pas apprécier. Cette pièce à elle seule vaut le disque et ce qui s'ensuit est tout aussi bon. Outre les claviers et le drums, le trio de John Forsythe, Jamie Fennelly et Fritz Welch joue principalement des électroniques indiscernables, de la guitare et des percussions. Ils jouent aussi surement d'autres choses mais l'absence d'infos sur ce disque nous laisse avec le jeu du : "devine les sons qui sont sur ce disque", jeu auquel je n'excelle pas beaucoup.

Enregistré en deux jours, ce disque est focusé en une direction commune; celle qui se dirige à l'extrême des genres et qui se fiche bien où cela peut les mener. Ici,le qualificatif "fusion" veut dire vraiment autre chose que ce à quoi on s'est habitué. Les pièces se fondent les unes dans les autres sans accrochages majeurs et les musiciens nous apparaissent hautement à l'écoute de ce qui se passe. Je crois bien qu'il s'agit de sessions d'improvisation et si c'est le cas, c'est de la haute voltige. Le free-jazz de l'ère "Fire Music" est finalement en train de se redéfinir avec des musiciens d'une autre génération qui osent incorporer leurs influences et les nouveau genres. Le seul point faible est la pièce "Everything for Everyone", un morceau plus noise avec des paroles "démoniaques" tenant des propos peu intéressants sur leur besoin de demeurer sans visage dans ce monde de l'identité afin d'être tous et chacun...bof... Mais par chance cette voix ne dure pas très longtemps et est sauvée en partie par le support d'un autre vocaliste qui récite les mêmes paroles mais de façon plus chantée et sans les effets démoniaques. Mais le reste est de la bombe. Le terme psychédélique s'applique ici mais je manque de qualificatifs pour définir ce que j'entends, surtout dans les moments les plus doux de guitare accompagnés de drones et de claviers mélodiques, tout en demeurant abrasif. L'intensité et les moments plus réfléchis se côtoient sans heurts et font de ce disque une oeuvre de musique improvisée s'inscrivant dans la tradition du free-jazz mais se permettant également de redéfinir le genre.

Talibam! est en spectacle dimanche au Souoni Per Il Ppolo avec les groupes locaux Tonsstartbands et Panopticon Eyelids. À la Casa.

Que faire de la poésie...

2010-06-10T20:50:00.000-07:00

Un des plus beau exemples de branding des cinq dernières années s'est fait dans la musique. Happant au détour la poésie et l'art oratoire. Il s'agit du terme "Slam" qui est mis en cause. Depuis environ cinq ans, on dirait que le terme s'est instillé dans le vocabulaire québécois créant de superbes expressions telles : "T'as fait un bon slam" lorsque , par exemple, je ne faisais que rapper. avant qu'on nous exporte Grand Corps Malade, pas beaucoup de gens au Québec avaient entendu parlé du Slam. D'ailleurs, je crois qu'avant 2000, ceux qui s'y intéressaient venaient 1) du rap, ou 2) étaient anglophones. Pour moi, le terme slam a été défini par le film du même nom, mettant en vedette Saul Williams, que je considérais comme un rappeur (et que je considère toujours comme tel)et que j'admirais préalablement au visionnement du film. Dans ce film, il participe à une soirée Slam, telle qu'elles existaient depuis plusieurs décennies et existent toujours par ailleurs. C'est-à-dire une joute oratoire, avec des règles, des juges, des points attribués. Le slam n'est pas un style de musique et encore moins un sous-produit de la poésie. Mais les temps changent et les définitions aussi, les mouvements de masse étant plus fort que celui de particuliers qui s'évertuent à rétablir les choses. Maintenant si on me dit que je fais du slam, je réponds parfois oui, parfois non, dépendamment de mon humeur.

c'est dommage qu'on n'ait pas parlé du slam plus tôt au Québec, ou non, c'est dommage que l'art oratoire, la poésie parlée n'ait pas eu de vitrine plus intéressante. Il a fallu le succès commercial d'un artiste français pour qu'on embarque dans le "bandwagon", comme on dit. Dommage car on est passé à côté de pleins de trucs, surtout anglophones (mais ça c'est un autre débat): les Coco Café, la poétesse/mc Buttafly, Alexis O'Hara, Ian Ferrier, Patrice Desbiens et pleins d'autres que j'ignore.

Le slam au Québec est décontextualisé, la nécessité de l'utiliser pour traduire un style musical est, me semble-t-il un aberration. Parce que, tenez-le-vous pour dit, de la poésie parlée, rythmée sur de la musique, qui n'est pas nécessairement du rap, ben il en a eu, en France de surcroît et il y a pas si longtemps. Un collègue mélomane français a attiré mon attention vers un groupe que je ne connaissais pas du tout et sur leur premier album en particulier. Il s'agit du groupe Programme et de leur disque "Le cerveau à la place de la bouche". Vous en vouliez du slam? En voilà. Du foutrement bon; des textes acides sur des musiques expérimentales intéressantes et c'est sorti en....... 2000. donc au moins 6 ans avant qu'on entende parler de notre ami Fabien Marceau. Leur site est très intéressant et vaut le coup d'oeil.

Un autre album intéressant dans le même genre, sorti en 2005, est celui de Non-Stop "Road movie en béquilles". Je suis prêt à parier que mes concitoyens québécois n'ont jamais, mais jamais entendu parler de ce type. Pourtant c'est aussi excellent. Ce disque contient un chef d'oeuvre, la pièce "Le fils du soldat inconnu" est une histoire initiatique Lynchéenne narrée sur un fond musical sobre mais totalement captivant. C'est disons, plus hip-hop dans la rythmique des morceaux et le chanteur plus près du rap que Programme. c'est un disque que Martial, le disquaire du Total Heaven à Bordeaux m'avait suggéré.

Tout ça pour en venir à parler des groupes français qui oscillent dangereusement entre le rap et ce qu'on nomme le slam. Le groupe Psykick Lyrikah par exemple est tout simplement génial. Découvert par hasard sur un blog hip-hop français, j'ai fait des pieds et des mains pour me procurer les albums de ce groupe Rennais et leur plus récent, "Vu d'ici", était en tête de liste des disques à acheter lors de ma première tournée en France en 2008. C'est le rappeur Arm qui est le plus intéressant dans ce projet. Les beats sont supers, mais sa poésie est dense et ses images des plus suggestives. Il y a une noirceur incroyable à ces disques... Mon préféré reste le premier : "Des lumières sous la pluie".

Plus récemment, c'est le premier disque du groupe No: "Diagone" qui vient dans cette alternative référentielle où le rap se veut plus poétique, moins rythmique et où les rimes sont plus scandées comme des slogans que "flowées", si je peux me permettre l'expression. Seb Casino, la rappeur musicien derrière ce projet propose une musique sombre, près de l'industrielle mais avec une teinte parfois noise, parfois baroque (notez la présence de clavecin). Vraiment un disque intéressant qui se démarque du rap français conventionnel. Seul point faible, ce flow parfois scandé qui rappelle une technique un peu primitive, propre à un rap français plus old-school début 90.

Mais est-ce du slam? NON!!! Arrêtez. No c'est du rap, comme Héliodrome est du rap. Exemple criant; après ma performance au Festival de musique Actuelle de Victoriaville avec les Filles Électriques,le 21 mai dernier, un québécois francophone vient me féliciter pour mon slam, tandis que quelques instants plus tard,un amateur américain lui vient me féliciter pour mon rap... Autre exemple intéressant, propre au Québec cependant: On m'a proposé d'écrire un texte sur la vie de Miles Davis. Une amie québécoise trouve cela inaccessible, trop hermétique mais le producteur, un français soit dit en passant, trouve ça super bon... Car une chose qui est propre au slam, c'est de rendre la poésie accessible, simple, utilisant des mots pouvant être compris de tous. Et cela s'inscrit directement dans la veine du malaise culturel québecois, où tout doit être accessible et où on se refuse une certaine forme d'élitisme. Aussi, l'élément de référence culturelle y est majeur dans la définition qu'on fait des mots et des genres. Doit-on continuer à se battre pour se sortir de la définition fourre-tout du slam?

Soit dit en passant, je serais en spectacle sous la tente "Slam pepsi" des Francofolies de Montréal le samedi 12 juin à 19h, avec le projet de poésie et musique expérimental Erlenmeyer. Accessible la poésie? Pas sûr...

La dette

2010-05-19T19:57:00.000-07:00

Nous sommes tous plus ou moins endettés, artistiquement bien entendu. Quelqu'un quelquepart a avant nous exploré les sentiers sonores que nous explorons à l'instant. Dans la musique, les véritables innovateurs sont en fait très rares. Si je regarde mon parcours personnel, les tangentes actuellement prises par ma musique et mes intérêts, je ne peux que reconnaître devoir beaucoup à une certaine école artistique, qui est encore méconnue malgré son impact majeur sur la culture moderne.

Et non, je ne parle pas du Hip-Hop..

Ma plus grande influence actuellement vient plutôt d'un mouvement artistique ayant pris naissance à la fin des années 50 et au début des années 60, je nommerais ici le mouvement Fluxus.

Fluxus est à la base un regroupement d'artistes new-yorkais ayant entrepris de redéfinir les règles de l'art et de la création, avec comme assises, entres autres, l'oeuvre du compositeur John Cage. Ainsi, le mouvement Fluxus comprend de la musique, mais aussi du cinéma, de l'art visuel et de la littérature. Un peu comme le hip-hop finalement...

Naturellement, c'est par la musique que j'ai pris contact avec le Fluxus et ce sans le savoir d'emblée. Le premier artiste associé à ce mouvement qui m'a profondément marqué est sans contredit le saxophoniste allemand Peter Brotzmann. Il y a une bonne histoire derrière cette découverte. Quand j'étais jeune, mon père était abonné à la revue culturelle française Actuel, une revue comme il ne s'en fait plus. Je lisais assiduement ce magazine en raison des articles étranges, des photos chocs et bien souvent pour les photos de femmes nues. Ainsi, un début d'adolescence marqué par la puberté amis aussi par l'expérience de drogues psychédéliques. Dans un des numéros d'Actuel, j'avais été frappé par la critique d'un disque, du groupe Material, intitulé «Hallucination Engine». J'écoutais principalement du prog des années 70 à l'époque et le fait qu'un disque contemporain puisse servir à l'hallucination avait piqué ma curiosité. Quelques années plus tard, je suis tombé sur le dit disque au Renaud Bray sur l'avenue du Parc, lors d'un dîner fumerie au Collège Français sur Fairmount. J'y retournais le lendemain, sans aucune gêne, pour voler mon premier disque compact...

Bon, ce disque n'a pas eut l'effet escompté, je ne sais pas trop à quoi je m'attendais mais je me souviens de l'avoir mis dans le lecteur lors d'un de nos nombreux trips d'acide et d'avoir pensé que son écoute allait provoquer des hallucinations... Après les nombreuses protestations de mes amis et l'absence d'hallucinations (même si je me disais que ça allait venir plus tard) j'ai dû remettre «Ummagumma» de Pink Floyd. J'avais cependant découvert des nouveaux noms: Bill Laswell, Nicky Skopelitis, William Burroughs.... Mais c'est Bill Laswell qui m'a marqué le plus. Suffisamment pour que je le retrouve des années plus tard derrière un projet fascinant de hip-hop intitulé Material Intonarumori. Sur ce disque on retrouvait Laswell à la prod mais aussi Kool Keith, Ramm El Zee, Juggaknots, Killah Priest, Flavor Flav et d'autres moins connus (J'ai appris plus tard que Laswell avait produit des disque d'Afrika Bambaataa, mais ça c'est une autre histoire).

Par la suite, j'ai arrêté de me droguer intensément et j'ai commencé à m'intéresser à la musique expérimentale. Mon ami 1-2-d'piq avait un disque chez lui d'une collaboration entre Bill Laswell et Peter Brotzmann nommé «Low Life». Disque difficile encore aujourd'hui, que je n'ai jamais écouté au complet je crois. Cependant j'étais curieux et quand j'ai vu dans le ICI (quand c'était bien, en 2001...) que Peter Brotzmann jouait dans une salle qui m'était alors inconnue nommée Casa del Popolo, j'ai décidé d'aller y faire un tour. J'en suis sorti transformé. Brotzmann jouait ce soir là avec William Parker et Hamid Drake et lors de cette soirée s'est profilé ce qui allait devenir mon obsession; le free-jazz et l'improvisation.

Ce n'est que bien plus tard que j'ai appris que Brotzmann faisait parti du mouvement Fluxus.

Qu'est ce donc le Fluxus? On relie l'origine du Fluxus à la pensée de John Cage qui parfois prône la deconstruction des écoles musicales et remet en question l'idée de la virtuosité dans la musique. La musique, comme l'art, n'a pas à se limiter à des écoles de pensée ou à des diktats esthétique. Dans ce monde, tout est possible et chacun est un artiste potentiel. Joseph Beuys a été également associé au Fluxus, et l'influence de ce penseur sur la scène musicale allemande des années 70 est indéniable (premier albums de Kraftwerk en tête de lice). Dans ce monde du choix et de la spontanéité, on apprend à jouer des instruments par nous-mêmes (comme Brotzmann),on compose des pièces pour de l'eau ou pour le silence et rien n'empêche de composer une oeuvre pour un plongeur devant la jouer dans le vagin d'une baleine (Nam June Paik). Ce monde est libre, créatif et dérangeant... C'est Georges Maciunas, un artsite visuel, qui aurait parti ce mouvement en 1961 à New-York, Autour de lui étaient regroupés des musiciens, des peintres, des réalisateurs, une petite communauté rendue possible grâce à Lamonte Young , semble-t-il.

En parlant de Young, c'est toute une génération de musiciens gravitant autour du Fluxus qui vont également s'inspirer de la musique modale indienne (les drones), surtout avec l'arrivée de Pandit Pran Nath à New-York en 1972. Cela a permis l'éclosion d'une école dite minimaliste avec en tête les Lamonte Young, Terry Riley, Henry Flynt, John Cale, Angus Maclise, Tony Conrad, Charlemagne Palestine, Rhys Chatham...Les Velvet Underground n'étant que la pointe de cet iceberg artistique

Au Japon le mouvement prend aussi de l'ampleur. Taj Mahal Travellers est définitivement le groupe qui actuellement m'inspire le plus, eux aussi associé au Fluxus. Les drones sont omniprésent et les oeuvres de Yoshi Wada et Takehisa Kosugi sont transcendantale. Mais on oublie souvent une des plus célèbre porte-parole (malgré elle) de ce mouvement; Yoko Ono, qui avant de rencontrer John Lennon fût mariée à Toshi Ichiyanagi, un des grands compositeurs et musicien du Fluxus japonais. Certains oublient que Yoko Ono avait une démarche artistique nettement plus intransigeante que son célèbre mari et quand on la dénigre en la traitant d'opportuniste, on peut se demander si ce n'est pas le contraire qui est arrivé aussi.

De plus, si je prends en considération les groupes de musiques contemporains que j'admire le plus, ceux-ci se rapprochent tous plus ou moins de l'idée du Fluxus. La liste serait longue... Et ça va aussi plus loin, en désinstitutionnalisant l'Art, le Fluxus a ouvert la porte à l'esthétique DIY qui influença énormémnet le mouvement punk et , pourquoi pas, le hip-hop aussi. La dette est immense et il faut savoir repayé à qui on a pris...

A explorer, le site de Ubu Web

L'énigme Will Oldham

2010-05-09T19:28:00.000-07:00

Il y a des émotions et des gens qui les mettent en musique. Will Oldham est , selon moi, un des artistes les plus marquants des quinze dernières années. Bien sûr, il n'a pas connu un succès commercial retentissant, mais cela ne l'empêche pas de sortir un album par année (en moyenne) et de bénéficier d'une reconnaissance majeure des acteurs important dans l'industrie du disque. J'aurais été curieux de voir son spectacle live en première partie de Bjork et la réaction du public...

Que ce soit sous son nom, le pseudonyme de Bonnie Prince Billy ou au sein des Palace Brothers et Palace Music, Oldham possède cette voix particulièrement fragile et une façon de chanter reconnaissable entre mille. Et au-delà du style il y a les textes. C'est probablement ce qui le distingue el plus de tous les autres auteurs compositeurs de sa catégorie( catégorie qui incluerait qui ? Vic Chesnutt? Smog?...suggestions?). C'est surtout sous Bonnie Prince Billy que j'ai été séduit par Will Oldham. Certains thèmes sont des thèmes majeurs dans la musique, surtout ceux portant sur les relations humaines; l'amour, l'amitié et la solitude sont des sources inépuisables d'inspiration pour ceux qui savent y puiser. D'autant plus que je me questionne continuellement sur le genre de vie que ces gens doivent mener, où du moins sur les pensées qui les habitent au quotidien...

Je suis entré de plein pied dans le monde de Bonnie Prince Billy par la porte du fabuleux «Master and Everyone» (2003). À ce moment (2003), je suis en peine d'amour et aux prises avec des considérations spirituelles. C'était avant de connaître Leonard Cohen. Mais quand même, c'était une des rares fois où quelqu'un mettait mes émotions en musique de cette façon et je ne pouvais qu'apprécier sa profondeur. Combien de fois ai-je ressenti cette montée d'émotions de ma gorge à mes yeux à l'écoute de «Hard life» et «The way». Ce disque a d'ailleurs connu un succès intéressant (pour un disque dépouillé de ce genre). J'avais cependant accroché sur une critique faite par Ian Penman dans les pages du Wire, qui ne partageait pas l'engouement de tous sur ce disque, lui préférant un disque antérieur, «I See a Darkness» (1999). Il lui reprochait aussi la «barbe conceptuelle» sur la pochette du disque, perçue plus par l'auteur comme existant pour des considération esthétiques plus que comme une simple barbe... Quand j'ai finalement écouté «I See a Darkness» j'ai compris pourquoi et je lui ai donné raison.

Cet album m'est apparu comme nettement supérieur au niveau des chansons, paroles et arrangements. On y trouve de vrais perles et ce, en abondance. Je parle ici de la pièce titre, de «Black» et surtout, mais surtout, de «Death to Everyone». On se permet de crier au génie en parlant de cette chanson, Oldham s'aventurant sur une avenue ô combien glissante mais tellement bien réussie en souhaitant la mort de tous. De plus, les thèmes sont plus variés et ne portent pas tous sur les relations amoureuses.

Par la suite, sa collaboration avec Matt Sweeny sur «Superwolf» (2005) était tout aussi cryptique. Sutout dans les paroles, où Oldham nous surprend en incarnant des personnages feminins et masculins dans une même chanson en écrivant à la première personne (ce qui porte parfois à la confusion). Je crois que les émotions qui sont les mieux portées par ces chansons sont celles qui sont contradictoires; l'amour - la haine, le désir et le rejet, incluant des allusions incongrues à la sexualité... Un disque tellement puissant et intime que c'en est troublant.

Étrangement, est inclus dans le livret de la pochette de «Superwolf» un court texte de l'écrivain américain Paul Bowles, portant sur la distinction entre l'alcool et le cannabis et leurs usages dans les sociétés musulmanes (haschish) et occidentales (alcool), ainsi que leurs impacts psychologiques sur les populations. Texte intéressant qui cependant vient brouiller la cohérence de l'oeuvre musicale. La logique de son insertion ne tient surement que par un fil,qui se trouve dans la tête de son créateur, mais échappe à celui qui le questionne.

Les disques plus récents de Bonnie Prince Billy «Beware» (2009), «The Letting go» (2006), «Lie down in the light» (2008), entres autres, ne me sont pas apparus aussi lumineux que leurs prédécesseurs. Me laissant avec l'impression que Oldham tente de rendre son chemin plus accessible. Notez que je n'oppose pas ici lumineux à sombre.

Dans «Survivance des Lucioles» de Georges Didi-Huberman, il analyse certains écrits de l'auteur et cinéaste l'italien Pier Paolo Pasolini. Il parle de ces hommes-lucioles qui cherchent leur voie à travers les ténèbres en suivant les «lueurs mouvantes du désir» dans l'amour et l'amitié. Dans ses nombreux disques, Oldham a réussit à faire preuve d'humanité et c'est cette même humanité qui cherche à nous faire signe dans la nuit, nous rappelant que nous sommes vivants, en quête d'amour et des autres....

Et si je ressasse tout ça, c'est que naturellement, les émotions sont revenues; l'amour et la tristesse, emmenant avec elles leur lot de pensées et d'actions contradictoires et j'ai besoin de quelqu'un qui peut encore les exprimer pour moi.

Pour me donner l'impression d'échapper à cette tromperie.

Ashtray Navigations: «Four Raga Moods» (Ikuisuus, 2006)

2010-05-06T08:40:00.000-07:00

Suite à une écoute inspirante et une critique élogieuse d'une des plus récentes parutions d'Ashtray Navigations, je me devais de redécouvrir l'abondant catalogue musical de Phil Todd, l'homme derrière ces explorations du cendrier.

«Four Raga Moods» avait échappé à mon radar et en lisant les descriptions de cet album, je me suis convaincu que c'était tout à fait pour moi, d'autant plus que le titre m'était prédestiné. On peut se douter du type de flots sur lesquels navigue Todd; une mer brumeuse, à l'odeur de souffre, sous laquelle se trouvent des bouches volcaniques menaçant d'exploser à tout moment. Mais c'est aussi une mer chimique, un peu comme ces fontaines qu'on retrouve dans les bric-à-brac chinois, celles qui au contact de l'air vont produire une sorte de gaz fumigène,gaz qu'on dit innofensif mais que personne ne prendrait la chance d'inhaler. Par contre, les fumées d'Ashtray Navigations ne sont pas innofensives.

Sur ce disque, Phil Todd fait appel à quelques invités : Ben Reynolds, Pete Nolan (de GHQ), Chris Hladowski, Alex Neilson (Trembling Bells, Directing Hand...), Andy Jarvis, Matt Cairns et Melanie Delaney. Phil Todd est bien inscrit dans la scène expérimentale de Glasgow et est probablement un des artistes issu de cette scène le plus laissé pour compte mais somme toute le plus intéressant. Les quatres pièces composant ce «Four Raga Moods» sont hautement intoxiquantes et nous entraînent dans un monde surréel. Une écoute attentive, complète est vouée à nous amener dans un ailleurs et cette qualité se retrouve dans les différentes sorties de Phil Todd, ce qui en fait, à mon avis, de la grande musique.

Malgré la présence d'invités de marques, c'est la pièce solo de Todd «Hey Sunflower Motherfucker» qui se détache du lot. Un tapis de noise, de drones, couvert d'un jeu de guitare vaguement orientalisant, suivi d'un apex de drums et de sons distorsionnés font de cette pièce le morceau de résistance de ce disque. Soulignons aussi «The Pete Nolan Effect», qui dure plus de 30 minutes et s'avère une sublime pièce transcendantale de noise, casios cheaps, guitares, moog et une pléthore d'instruments contribuant à un sublime magma sonore. C'est une formule simple, reprise un peu tout le long du disque, mais très efficace. On a droit a un juste équilibre entre noise, psychédélisme et mélodies, l'esthétique lo-fi faisant plus pencher vers le noise. Une musique contemplative, résolument moderne.

Déficit Des Années Antérieures :« Action and Japanese Demonstration» (Fractal, 2008)

2010-04-29T22:56:00.000-07:00

Il y a de ces labels....je vous dis....

Les gens derrière le label français Fractal sont tout simplement géniaux. Ils osent sortir des trucs iconoclastes et rééditer des chefs d'oeuvres. Rock Japonais, Free-jazz, musiques contemporaines, expérimentales... Ma première altercation avec le catalogue Fractal fut avec leur réédition des deux volumes du Frank Wright Quartet: «Center of the World» et «Last polka in Nancy ?», deux testaments vibrants d'un saxophoniste trop peu endisqué. Par la suite, ce fut le fabuleux duo d'Arthur Doyle et Sunny Murray «Dawn of a New Vibration», un des mes disques préférés de free-jazz encore à ce jour.

Ils ont osé aussi reprendre deux titres majeurs du catalogue Futura, soit l'album de Fille qui Mousse et Jac Berrocal «Musiq Musik». Lepuis longtemps épuisés, Fille qui Mousse vient de se faire rééditer par le label Futura en cd. Mais ils ne répondent pas à mes demandes incessantes de faire la même chose avec celui de Jac Berrocal, insistez auprès d'eux ici.

Arrive la réédition de Déficit Des Années Antérieures... Ce disque est étrangement sorti en 1982, mais cette réédition comporte des ajouts de documents audio datés de 1985 «Musique et Bruit du Bas Pa-Tât». Quel disque intéressant. On à ici un album se rapprochant de l'esthétique et de la démarche des Sun City Girls via leur série Carnival Folklore Resurrection. Sauf que, tandisque les SCG faisaient dans le punk bruitiste, DDAA jouaient de la musique ethnique pseudo-japonaise inventée et le résultat est excellent. Qualifiant leur musique d'«antimusic», les membres de DDAA semblent plus appartenir à une école issue de la performance ou à la limite du Fluxus. Mais cela n'enlève rien à leur aptitude de jouer des instruments et ils viennent créer des perles musicales. La présence de beatbox électro sur quelques pièces leur donne un quelquechose de plus qu'on retrouve rarement dans ce genre de musique ( bon cette musique est surement la seule en son genre , mais vous voyez l'idée...), s'inscrivant très bien dans l'époque où ont eu lieu ces sessions d'enregistrements. Guitare acoustique et électrique, koto ? (c'est crédité no koto, mais on dirait vraiment du koto), percus, saxophone, voix, synthés, instruments préparés... Cette musique imaginaire improvisée (all songs unwritten and composed by ... ?) vaut la peine d'être découverte.

Le groupe existe toujours et continue de sortir des disques, principalement des collaborations avec d'autres artistes, visitez leur myspace.

Payz Play: Je me souviens

2010-04-21T20:35:00.000-07:00

Payz Play : Chronique d'une mort annoncée

J'ai hésité longuement avant d'écrire sur la mort de Payz Play. Premièrement, car plusieurs ont déjà souligné l'évènement et deuxièmement en raison de ma proximité avec le groupe.

Pour ceux qui l'ignorent encore, Payz Play est né de l'écroulement d'Atach Tatuq. En fait, non. Payz Play existait bien avant, sous la forme de Son 2PT, le duo lyrical de RU et Égypto-Boz sur l'album «Suce mon Index» de Traumaturges. Et peut-être même avant, inconsciemment, quand RU a été introduit à Traumaturges, du fait qu'il jouait du drum dans un band avec Naes quand ils avaient 14 ans...Ceux-ci ont continué les collaborations et maintenu le nom Son 2PT durant quelques années, jusqu'à ce que la fin imminente d'Atach Tatuq se fasse sentir. C'est alors qu'ils sont passé en mode renaissance; trouver un nouveau nom accrocheur et capitaliser sur la nouvelle direction artistique prise par ToastDawg/Naes au niveau des beats. L'ajout de Ephiks au groupe s'est faite naturellement, mais je ne crois pas que sa présence était déterminante pour la genèse groupe. Il a sans aucun doute influencé le son de Payz Play mais pas sa création. Je me souviens quand Naes m'a fait écouter les premières maquettes de Payz Play, je n'ai pas caché le fait que je n'aimais pas ça. Il va sans dire que mon opinion a crée un petit froid mais on a pu rapidement passer par-dessus. Car ça c'est peut-être un problème. Le fait que ce sont des amis qui font de la musique, n'est pas nécessairement garant de mon appréciation de cette musique. Ce consensus du goût arrive seulement dans des groupes d'amis un peu trop tricoté serré, où l'esprit critique disparaît.

Ainsi, je n'ai pas apprécié. J'ai aimé les beats mais les paroles humoristiques, ironiques/sarcastiques, m'ont immédiatement rebutées. Je me répète, mais quand j'écoute du rap, j'aime écouter des paroles sensées, intelligentes, profondes et là... ce n'était pas ma tasse de thé. Je crois que ce qui m'a fâché le plus, est le fait que ceux qui chantaient ces paroles, étaient des gars avec qui j'ai grandi musicalement et qui avaient toujours fait une musique que j'appréciais. Ce n'était plus le cas maintenant. J'ai critiqué sévèrement cette direction artistique, la jugeant un peu trop opportuniste. C'est difficile pour des amis d'avoir à s'exprimer de cette façon. Trop souvent on considère notre pratique artistique comme étant une part intime de notre être et ne pas avoir le support de nos amis ou leur appréciation, peut remettre en jeu cette notion même d'amitié. C'est peut-être ce qui s'est produit .... car malgré les sentiments positifs que j'entretiens avec les membres de Payz Play, la vie a fait en sorte que nos liens se sont malgré tout éffilochés...

Maintenant que Payz Play est mort, je me permet une sortie en règle, en réponse à l'article d'Égypto pour Nomag en lien plus haut, seulement en réponse à cet article.

Cher Égypto,

Quand nous nous sommes rencontrés, il y a près de quinze ans, je n'aurais jamais cru que nous allions prendre part ensemble à cette épopée musicale initiée au Cégep. Ni à cette amitié qui nous a mené sur des chemins incroyables. Nous avions tous nos raisons bien personnelles d'embarquer dans ce projet, mais par amour du rap... je ne crois pas. Je sais maintenant qu'il y a des courants plus puissants qui nous traversent, en lien avec l'estime de soi ou juste une pulsion libidinale. Il serait intéressant d'analyser ces premières motivations, juste pour voir comment cela s'est concrétisé aujourd'hui. Tiens je lance un piste; ce n'est pas surprenant de voir la fin du projet arriver au même moment que le début d'un autre projet, soit celui de la paternité.

Ainsi, nous avons démarré un projet musical qui s'est poursuivi bien au-delà de nos espérances, qui ne nous a peut-être pas menés aussi loin que nous le désirions à l'époque, mais quand même... L'expérience Atach Tatuq a été palpitante et nous a permis quand même de se mériter une reconnaissance de la part de l'industrie musicale. Ce que je retiens de plus formateur par contre, sont les 4-5 années d'existence de Traumaturges. En réécoutant cet album aujourd'hui, je me dis qu'on était vraiment en avance sur notre temps. C'est dommage que nous n'ayons pas poursuivi avec ce groupe, car je crois que c'est ce qui nous aurait permis de nous rendre le plus loin. Mais maintenir une vision à cinq; dix paires d'yeux et d'oreilles, avec des aspirations bien différentes, s'est avéré plus difficile qu'on ne le pensait.

Je ne sais pas quelles étaient tes aspirations profondes. Mais en lisant l'article que tu as écrit pour le Nomag, je ne peux que réfléchir sur notre parcours. Le tien, le mien, celui de l'Intrus, Rass... Tu critiques la vente de cd à la baisse, souligne que le cd tel qu'on le connaît tire à sa fin et que vivre de la musique rap au Québec est une utopie que seuls quelques élus parviennent à briser. Tu as probablement raison. En fait tu as raison. Ta conclusion sur l'éventuelle gratuité de votre future musique dans le monde virtuelle vient aussi susciter des questions.

La même semaine que j'ai lu ton article, j'ai reçu une boîte du webzine Foxy Digitalis, pour lequel je fait des critiques musicales. Dans cette boîte il y avait plein de cd's, mais aussi un lot impressionnant de cassettes. Plusieurs de ces cd's sont en fait des cd-r, assemblés à la main, avec un souci de l'esthétique et d'originalité pour l'emballage qui me laisse à chaque fois perplexe. On a pensé que le vinyle était mort et il revient en force, on a tué la cassette et elle renaît dans les milieux plus underground, on prédit la mort du cd, mais il se regénère déjà. Adorno a souligné le caractère fétichiste de la musique, son support matériel en est aussi pour quelquechose. La vente de cd telle qu'on l'a connu est effectivement relayée à une époque révolue. Les mentalités changent, celles des consommateurs, mais aussi celles des artistes. Cependant, je me méfie d'un artiste qui fait de la musique avec comme seul but de pouvoir en vivre. Serait-ce que Payz Play avait cette fonction? Vous avez pris la décision de faire un projet musical dans l'ère du temps afin d'en tirer un profit qui vous aurait permis de faire de la musique à temps plein? Ce serait légitime, mais ô combien ursupateur. Ursupateur car il y a une dénégation du réel, celui du corps traversé par la pulsion créatrice. Dans un tel cas, la seule issue semble bien la mort, car le corps ne vit qu'un certain temps dans cette forme de crédulité auto-suggestionnée. Jusqu'à ce qu'un autre objet vient prendre la place laissée par la béance...j'ai parlé de la paternité... la pulsion elle, reste constante.

Peut-être que c'est ce qui m'attend aussi. Quand finalement je serais prêt à passer à un autre chose, devenir père par exemple. Peut-être que je cesserais une certaine forme de créativité, je ne sais pas. Ce que je sais cependant, c'est que depuis la fin d'Atach Tatuq, je fais de la musique pour mon bon plaisir, sans frein, sans retenue, j'improvise, je crée, comme bon me semble et, étrangement, c'est cette façon de faire qui m'a permis de voyager avec ma musique. Je sors des disques que je n'espère pas vendre, je fais des spectacles auxquels je n'attend personne, je sors même cette semaine une cassette...

Je suis nostalgique, c'est vrai. Je regarde parfois trop vers le passé, c'est vrai aussi. Mais ce faisant je garde en tête notre parcours commun et ne peut qu'être fier d'avoir partagé l'expérience d'Atach Tatuq et de Traumaturges avec toi et les autres. Mon historique d'AT sur ce blog était une apologie d'un passé taché par des conflits stupides. Cette entrée se veut l'apologie d'un futur créatif, libéré de toute forme de contraintes.

Word

Khyro

Certains me l'ont déjà demandé, je met pour vous un lien pour vous procurer le mixtape de DJ Cut Killer avec des artistes québecois.

The Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O. « In 0 to infinity» (Important Records 2010)

2010-04-14T12:25:00.000-07:00

Je suis allé voir Acid Mothers Temple (AMT)lors de leur passage à Montréal au début du mois d'avril à la Sala Rossa. Malgré qu'ils viennent presque à chaque année, je ne m'étais jamais déplacé pour les voir en show, même si je possèdais quelques disques du groupe.

Je ne sais pas ce qui m'a motivé à y aller cette fois-ci, mais toujours est-il que je devais tenter l'expérience. D'ailleurs, j'avais entendu parlé de leur mythique «merch table» et il y avait quelques titres que je souhaitais me procurer. En arrivant au spectacle, je me suis immédiatement dirigé vers les disques et me suis procuré les deux albums dont je discuterais ici. Tout d'abord, je dois mentionner que le spectacle était à la hauteur de mes attentes et, sans être un grand fan, j'ai beaucoup apprécié l'intensité. J'y ai rencontré aussi le chum d'une amie d'enfance qui était venu voir ce spectacle avec un groupe d'amis pour fêter les quarante ans de l'un d'eux. Quelle en fut pas ma surprise donc de le voir à ce show, ne me doutant aucunement de son intérêt pour ce genre de musique. Ceux -ci se sont assis avec moi et ce n'est qu'après quelques échanges convenus, qu'on m'a averti que je risquais d'être surpris plus tard car ils avaient tous pris un buvard avant le spectacle... Je les ai envié l'espace d'un instant...D'autant plus que ceux-ci ne pouvaient plus contenir leur satisfaction face à l'intense prestation offerte ce soir-là. C'était beau à voir.

Le disque que je souhaitais vraiment me procurer est la version d'AMT de la pièce «In C» de Terry Riley. Ce disque était paru en vinyle seulement sur Eclipse il y a quelques années. Sur ce disque AMT interprète «In C» mais aussi leurs compositions «In E» et «In D» (superbe drone). J'étais donc très satisfait de le trouver sous sa version cd japonaise, édité par Macaroni records. Je suis un grand fan de Terry Riley, j'admire l'oeuvre et aussi l'homme. Je ne peux pas dire que «In C» est ma composition préférée, mais comme une grande partie créative est laissée aux interprètes, certaines versions valent mieux que d'autres. Une des plus reconnue et intéressante reste celle de l'Infonie (Mantra), enregistrée en 1970 sous la direction de Walter Boudreau. La versions d'AMT est considérée comme «l'enfant terrible» des interprétations mais mon ignorance en théorie musicale ne em permet pas de comprendre vraiment pourquoi... Il paraît qu'ils ont joué cette pièce lors d'un festival à l'honneur de Terry Riley et que leur performance a été accueillie de façon mitigée par le public, qui s'attendait plus à du minimalisme contemporain...

Le plus récent disque est donc une suite logique de «In C». Avec quatre pièces intitulées «In 0», «In A», «In Z» et «In infinity», on peut voir où tout ça se dirige. Je n'étais pas sûr de vouloir acheter ce disque et c'est la description que m'en a fait le claviériste Higashi Hiroshi qui m'a convaincu: «This one is like, hum...dance music.» Ouin, ooookkaaayyy... Pas super «dance music» mais un album vraiment excitant où les électroniques dominent et qui souligne le retour de Cotton Casino. Comme on peut s'y attendre, c'est des pièces répétitives, droney mais comme AMT sait les faire; avec de la disto en masse, du drums enragé, pleins de claviers (une nouveauté) et un bassiste complètement dément. Je tiens à souligner que c'est lui qui m'a le plus impressionné lors du show. Tsuyama Atsushi est malade, son jeu de basse précis et faisant preuve d'une grande virtuosité. Il jouait non seulement de la basse mais il chantait aussi, jouait de la guitare acoustique et de la clarinette (ou tarogato?). J'imagine que c'est lui qui joue le saxophone (ou clarinette) en introduction de la pièce «In infinity» que je déduis comme clin d'oeil à «Dorian Reed» de Riley ou à ses explorations avec saxophone et time-lag accumulator sur «Poppy Nogood». Un disque vraiment halluciné,intense et écoutable, bien différent des sorties que j'appréciais habituellement d'Acid Mothers Temple, soit leurs albums un peu plus «folk» («La Novia» et «Mantra of Love», entres autres).

Je vais porter mon t-shirt fièrement.

Souvenirs d'Halifax

2010-04-06T16:11:00.000-07:00

En faisant la critique du disque de Gonjasufi, j'ai réécouté le disque de Recyclone et Soso «Stagnation and Woe». C'est un excellent disque; sombre à souhait, qui plairait à tous les fans de Soso(c'est lui qui assure la production),tant au niveau des beats que des paroles de Recyclone. Celui-ci attaque de front la société moderne capitaliste qui réduit l'homme à l'esclavage. Des textes hautement poétiques, denses livrés sur un mode plus spoken word que rap...

Recyclone est un rappeur méconnu; presqu'une légende dans son Halifax natal mais qui n'a pas réussi à s'exporter à l'extérieur, surtout pas au Québec. Ses deux premiers albums, «Dead World» et «Corroding the Cellular Engine» parus en 97 et 99 respectivement, ont été réédités ensemble sous «Corroding the Dead World» par Clothes Horse Records. Récemment, il a rejoint un collaborateur de longue date, J. Lapointe de Archive Mastering, dans le groupe rock instrumental (post-rock?) Instruments. En passant, Archive Mastering, est une référence en matière de matriçage dans le hip-hop underground au Canada.

La fin des années 90 fut une période hautement inspirée pour la communauté hip-hop d'Halifax. C'est toujours intéressant de cibler un mouvement culturel, de voir comment les différents acteurs se sont influencés. Le Hip-Hop canadien doit énormément à cette scène un peu plus expérimentale, d'où ont émergé des artistes profitant actuellement d'un rayonnement international. À cette époque, j'ai fait connaissance avec cette musique qui a sans aucun doute, influencé mon approche du rap et du Hip-Hop.

Je ne me souviens plus quel album j'ai écouté en premier. Probablement le disque de Sebutones «50-50 where it counts», que j'avais sur une cassette enregsitrée. Ce disque ne m'est pas paru accessible aux premiers abords; des flows monotones sur des beats vraiment étranges , mais ce sont les thématiques et les paroles qui m'ont poussé à approfondir ce disque. En fait, avec Traumaturges, on était pas très loin niveau beats expérimentaux. Par la suite, les projets solo de Sixtoo et Buck 65 ont mérité une bonne partie de mon attention, Buck 65 demeurant un peu plus accessible à mes oreilles. Les albums solo de Sixtoo où il rap sont devenu très difficile à trouver, surement car il a lui-même renié cette partie de son passé. L'année dernière j'avais été stupéfait de trouver à l'Oblique le disque de Sixtoo "Antagonist Survival Kit" et lors de mon passage à Berlin l'automne dernier, j'ai bénéficié d'une chance inouïe de tomber sur l'album "The Psyche Continuum". Moi, je continue d'aimer le genre...

Une autre cassette que j'ai écouté abondamment, est celle de Josh Martinez «Josh Martinez & The Hooded Fang», parue en 99. Martinez s'est présenté comme un rappeur hyper créatif avec des sujets poignants et un flow nasillard facilement reconnaissable. Un autre type à qui je m'identifiais par son flow parfois spoken, parfois plus chanté qui écrivait des textes impressionnants. À l'époque, je me souviens que Chance Won disait travailler sur son album et je jalousait le le fait qu'il ait un featuring avec Josh Martinez...

Je me souviens aussi quand j'ai acheté le cd de Kunga 219 «Tharpa's transcripts...A time and a place» au CellBlok. Ce cd m'a séduit immédiatement, par la musicalité des beats mais aussi par le propos fortement teinté de bouddhisme de Kunga 219. D'autant plus que cela survenait à une époque où j'étais moi-même intéressé par la Bouddhisme. J'ai écouté ce disque à répétition. C-Lok vendait aussi d'autres disques du groupe The Goods, avec Kunga 219 et Gordski, mais ceux-ci m'intéressaient moins. J'appréciais les morceaux plus spoken word, ce qui se traduisait dans mon art lors de nos shows. On est en 99...8 ans avant que le Québec ne découvre le «Slam».

Malheureusement, peu de traces de ces albums classiques se trouvent sur internet et je ne me sens pas suffisamment à l'aise pour les rendre accessible ici.

Vidéo de la pièce «Gearbox Therapy» de Recyclone et Soso

Gonjasufi :« A Sufi and a Killer» (Warp, 2010)

2010-03-29T21:09:00.000-07:00

Il est toujours intéressant de relever les mouvements inconscients qui trament les sphères culturelles. Celle où je porte naturellement le plus d'attention est la musique. En restant à l'affut des nouvelles tendances et en redécouvrant les anciennes. Depuis quelques temps déjà, on assite à une recrudescence de l'esthétique lo-fi dans les productions musicales. Mais un lo-fi voulu, se voulant intégré à la recherche musicale et non pas nécessairement vu comme une contrainte. Récemment, et j'en parlais un peu sur ce blog, les écrivains du Wire ont mis au monde le terme Hypnagogic Pop pour définir un mouvement musical résolument lo-fi, s'inspirant des années 80. Ceci faisait suite au courant dit de «Hauntology» où l'utilisation d'échantillons de musique de bibliothèque générique était de mise, rappelant un passé enfoui.

Parallèlement, l'ouverture sur les musiques du monde provenant d'Orient, d'Afrique, d'Amérique du Sud connaît aussi un développement intéressant, toujours avec une esthétique lo-fi. On peut penser aux groupes issus d'Afrique tels; Konono #1, Staff Benda Bilili, Tinariwen.... Bref plusieurs ont réussi à sortir d'un underground culturel où ils étaient confinés. Mais l'underground existe toujours....

Le Hip-Hop, fidèle à ses habitudes d'échantillonage, n'est pas en reste. Avec Madlib et OhNo en tête d'affiche, la musique dite «world» retrouve ses lettres de noblesse grâce à des productions usant allègrement d'échantillons retravaillés, plaqués sur des beats qui plaisent aux amateurs.

Quel est le lien avec Gonjasufi me direz-vous? Et bien, tout simplement que ce disque s'inscrit de plein front dans cette esthétique et cette mouvance et que ce n'est pas surprenant (un peu) de voir Warp s'intéresser à cet artiste. Mais comme toute musique underground expérimentale, elle se pointera le nez dans la musique populaire sans redonner à ce dont elle s'est inspirée. Comme Karkwa qui découvrent le piano préparé...

L'album «A Sufi and a Killer» est la collaboration du chanteur Gonjasufi et du beatmaker GasLamp Killer. Ce dernier a produit presque tous les beats, les autres étant de Mainframe et un est de Flying Lotus.... D'ailleurs GLK fait partie du crew de Flying Lotus et, d'après moi, si ce n'était de ce dernier, ce disque ne se serait jamais rendu dans les bureaux de Warp et serait resté une perle de l'undergound. Seulement, plusieurs éléments étaient déjà en place pour justifier le succès que le disque connaît. Car s'il y a quelquechose dont ce disque souffre, c'est bien les emprunts évidents à des styles ou des tendances un peu moins connues.

Au niveau des paroles et de la voix, Gonjasufi n'invente pas la roue et vient se placer dans la lignée des Daniel Johnston, Wesley Willis de ce monde. Le freak qui marmonne un peu n'importe quoi, avec des paroles parfois hyper naïves, auxquelles ont veut nous faire croire à une profondeur spirituelle... Certains pourront questionner sa santé mentale en fonction de l'image qu'on veut nous vendre de lui. Mais ses entrevues sont super intéressantes et il semble avoir toute sa tête. Sa façon de chanter me fait penser au premier disque de Dudley Perkins; chanteur qui n'en est pas vraiment un, à la voix brut mais au charme indéniable. D'ailleurs, je mettrais également le premier album de Devandra Banhart dans cette catégorie.

Au niveau des beats, c'est intéressant. J'ai déjà décrié le manque d'originalité de OhNo et ses productions «empruntées» à Selda Bagcan. Ici c'est parfois pareil (pas tous le temps, ce qui fait aussi la richesse du disque). Je me répète, mais le label Finders Keepers, poursuit une mise à jour et un corpus anthropologique phénoménal en ressucitant des classiques de musiques orientales issues des années 60-70. en passant, leur plus récente sortie, «Pomegranates» est une compilation de musique iranienne des années 70, où se mélangent folk, disco, funk, musique arabisante...pleins de bons breaks! Le label Sublime Frequencies aussi, tout comme les gens derrière la série Éthiopiques. OhNo s'y est plongé abondamment en nous servant récemment un disque composé de samples d'Éthiopiques. Gas Lamp killer suit donc OhNo de près. Il a composé des bons beats, échantillonnant beaucoup de musique orientale, des trucs qu'on retrouve sur les labels cités ci-haut. Une première écoute m'a tout de suite donnée l'impression que j'écoutais un mélange d'Omar Souleyman et de Dudley Perkins. Non seulemet les samples sont familiers, mais certains breaks de drums ont été déjà surutilisé. L'échantillon de piano sur la pièce «Advice» est le même que «The Earl Town Hermit» sur l'excellent disque de Recyclone et Soso «Stagnation and Woe». Et d'autres sons sont tout aussi familiers (le loop du track «Duet»). Certains beats sont définitivement dans l'école post-dilla et celui produit par Flying Lotus ressemble à une prod de MF Doom combinée avec Jay Dee.

Maintenant, parlons un peu de cette esthétique lo-fi, avec des voix trempées dans le delay et autres effets. C'est la raison principale pour laquelle j'ai eu Omar Souleyman en tête, le côté lo-fi de la prod orientalisante, qui est somme toute, bien réussie. Mais cette utilisation d'effets dans la voix, des paroles à la limite du discernable, a déjà fait des petits dans l'underground avec les Skaters, Ferraro, Sun Araw... Dans le même style, l'écoute de Gary War «Horrible Parades» reste plus excitante

J'ai discuté de cette approche lo-fi avec un ami et ce, à la lumière du nouveau disque de Ghislain Poirier. En voulant reprendre des rythmiques plus près du Soca, Poirier s'est heurté au côté lo-fi de la chose: synthé cheaps, des vieux beatbox... Celui-ci semble avoir voulu conserver l'esthétique avec des moyens plus modernes. Ce qui au final fait que certains beats sonnent «cheap». Il y a une raison qui justifie le retour aux machines analogues....

Mais n'allez pas penser que le disque de Gonjasufi n'est pas bon. Au contraire, c'est vraiment bien. Des pièces comme «She's Gone» et «I've Given» sont totalement magiques (et il y a en a pas mal d'autres) et l'écoute dans l'ensemble est très bonne. Seulement, il ne s'agit pas d'un disque transcendant, criant d'originalité comme on veut un peu nous le faire croire. Mais chapeau à Warp d'avoir suivi le mouvement...

Et un vidéo écoeurant de Omar Souleyman!!!

Tom Carter & Christian Kiefer : «From the Great American Songbook» (Preservation , 2008)

2010-03-22T20:15:00.000-07:00

Une des raisons pour laquelle j'adore aller voir des spectacles de musique, est que si nous avons affaire à un artiste soucieux de ses fans (et de son porte-monnaie), celui-ci aura une table de «merch» bien garnie. Offrant ses albums à des prix accessibles et surtout, en offrant des sorties qu'on trouve difficilement sur le marché.

Lors de la foire du Under the Snow, Tom Carter et Marcia Bassett ont tenu une table durant une heure ou deux le samedi et ont vendu beaucoup de stock. J'en ai profité pour acheter le vinyle d'Hototogisu sur Nashzaphone (à 12$...au lieu de 30$), ainsi que ce cd de Tom Carter et Christian Kiefer.

J'ai connu Tom Carter au sein du duo (autrefois trio) Charalambides et par la suite, porté une oreille attentive à ses expériences solo. Musicien somme toute prolifique, Carter sort des albums sur une base régulière, en solo mais aussi au sein de différentes formations et avec divers collaborateurs. Plus connu pour son jeu «monolithique» (droney/ ambiant), porté par la disto, mon disque préféré de ce dernier reste son plus mélodique, soit un cd sorti sur Digitalis intitulé «Glyph», sorti en 2006. La-dessus, Tom Carter nous montre sa finesse en tant que guitariste mélodique ainsi que son inventivité. Mais je suis comme ça, malgré mon intérêt envahissant pour la musique expérimentale, je reste quand même plus porté émotivement vers des musiques conservant un aspect mélodique. De l'autre côté, avant ce jour, Christian Kiefer était un parfait inconnu et il le reste encore. Tout ce que je sais c'est qu'il s'agit d'un musicien folk, ayant sorti des albums obscurs, et plus que probablement, très mal distribués...

L'idée derrière cette collaboration est simple; reprendre des chansons tirées du «Great American Songbook». Il s'agit de répertoire de chansons «américaines», presque toutes issues entre les années 1900 et 1950. On oscille donc entre jazz, ragtime, blues, bluegrass, gospel... Le meilleur porte-étendard de ce répertoire reste encore le film «O brother where art Thou?» et sa fabuleuse trame sonore. Bien entendu de nombreux artistes folk ont repris ces classiques. On pense notamment à Johnny Cash, Willy Nelson, Paul Robeson, Joan Baez, Townes Van Zandt, Pete Seeger....et la liste est longue. Certaines pièces ont une origine parfois un peu plus lointaines et sembleraient provenir du répertoire britannique, qui a été incorporé au folk appalachien. Bref, on voit que s'attaquer à ces chansons est une tâche difficile, car elles font partie d'un bagage musical commun aux américains et que de nombreux artistes ont repris ces oeuvres à leur compte.

Ainsi, si Tom Carter s'associe à un tel projet, le résultat ne peut qu'être intéressant. Et il l'est. C'est même plus qu'intéressant, c'est tout simplement fascinant. Carter et Kiefer ont réussi ce qui m'apparaît comme un tour de force, soit de reprendre des classiques dans un contexte beaucoup plus expérimental et improvisé, tout en conservant l'âme des pièces choisies. On a donc un juste équilibre entre mélodicisme et abstraction sonores qui m'a séduit dès la première écoute. On peut penser en premier qu'il s'agit d'un duo de guitares, ne s'éloignant pas très loin du registre folk... mais le mépris est de taille. L'instrumentation est foisonnante et donne lieu à des superbes moments, comme le solo d'orgue de Kiefer sur «Will The circle be unbroken» et le jeu free du drum sur «The Entertainer». Aucune des pièces ne semble méconnaissable (selon ma connaissance du répertoire), elles conservent toutes un aspect traditionnel, mais les musiciens se permettent des moments très intimes, ayant la capacité de transporter le morceau ailleurs. D'autres musiciens viennent s'ajouter sur certaines pièces, dont Scott Leftridge à la basse, Chip Conrad aux drums/percus et Ben Massarella (de Califone) aux steel drums. Kiefer, joue de la guitare, du piano, de l'orgue, du banjo et il chante sur certaines pièces. Pour sa part, Tom Carter joue principalement de la guitare électrique,acoustique et de la lap steel. L'enregistrement est aussi superbe, autant dans sa qualité sonore qu'au niveau du mix, où sur la majorité des pièces, Carter et Keifer, se partageant le jeu de guitares, sont répartis chacun de leur côté (droite/gauche), faisant d'une écoute avec des écouteurs un pur moment de bonheur...

De plus, le label australien Preservation a fait un travail de maître au niveau de l'emballage et de la présentation du cd, chaque chanson est accompagnée d'un court texte descriptif ou inspiré , écrit par des musiciens folk contemporains issus de la même scène expérimentale: James Jackson Toth (Wooden Wand), Glenn Jones, Byron Coley, Tony Conrad, Sharron Kraus, Tetuzi Akiyama... Le souci du détail est très présent; l'origine de chaque pièce est inscrite à l'intérieur, en mentionnant le compositeur original présumé, son année de composition, qui sont les musiciens qui l'ont rendu populaires ainsi que les anciens titres de ces pièces. La seule chose qui manque peut-être, sont les raison motivant le choix des pièces réinterprétées sur ce disque. Mais c'est un bien petit détail...

Petit vidéo d'une des chansons reprise sur le disque:

Conversations de salon

2010-03-18T22:39:00.001-07:00

La semaine dernière avait lieu le festival Under The Snow. Une initiative de Jeff Rioux, patron du label Where Are my Records (en passant, amateur d'indie pop, faut écouter la plus récente sortie du label: The Fatales, c'est très bon) et fondateur du fanzine/maintenant webzine Emoragei. Depuis, deux-trois ans, ce festival tombe de plus en plus dans mes goûts avec une belle sélection de groupes expérimentaux/noise. Samedi et dimanche avait lieu le salon du disque et des arts underground, en marge du festival Under the Snow. Un peu comme l'Expozine, le Puces Pop ou autres salon du genre, Jeff voulait rassembler des artistes de toutes disciplines en un même lieu afin de favoriser la diffusion de leur art. Encore une belle initiative, qui prendra cependant un certain temps avant de s'imposer comme évènement. Disons que le troisième édition risque d'être plus imposante. Donc, pas beaucoup de personnes se sont déplacés pour ce salon mais j'ai eu la chance de tenir une table pour Endemik Records et le week-end fut agréable. Quand même pas mal de ventes, surtout aux autres exposants cependant (!). Une belle opportunité de faire connaître le label Endemik et dans cet optique, notre objectif a été pleinement atteint.

De belles rencontres, des échanges intéressants, bref, si Jeff Rioux persiste dans sa démarche et continue de tenir ce salon lors des prochaines éditions du Under The Snow, ça risque de devenir un évènement intéressant. Parmis les rencontres intéressantes, je peux mentionner Cynthia Bellemare du Conseil des Arts de Montréal (bon, je le sais, anciennement de la SOPREF), Michel Levasseur du Festival de Musique Actuelle de Victoriaville (et des disques Victo), les gars du label de Québec p572, le band Oromocto Diamond, la maison de production Sang d'Encre, l'atelier de sérigraphie Korpo, le label français Chez. Kito.kat...

On a fait pas mal d'échanges de disque et un type en particulier a voulu nous échanger son cd. Ce gars-là n'était pas un exposant mais se promenait de table en table et j'ai accepté pour être gentil... Après ce geste impulsif (et les reproches de ypl), j'ai un peu regretté mon geste... Il faut dire que visuellement l'espèce de pochette new-age (paysage coucher de soleil style), intitulée «The Golden Road», avec une photo du musicien à l'arrière où il semble complètement illuminé, ne prédisait rien de bon. Dans le livret, il y avait des remerciements et les paroles des chansons en anglais et encore une fois, ce ne m'inspirait pas vraiment...Quand on traite de «Light of god», qu'on remercie Jésus, Saint-Germain, Godfre et Lotus...bref... J'avais tellement d'appréhensions que je n'étais pas super enthousiaste à l'idée d'écouter ce cd, sauf peut être pour en rire. Mais je l'ai finalement mis dans le lecteur et le miracle s'est produit : je l'ai écouté au complet... Surprenamment, c'est un disque super bien fait, de chansons folk/pop mystico-religieuses, juste sur le bord du quétaine, avec des arrangements me rappelant Joanna Newsom ou Owen Pallett. Même la voix du type n'est pas si mal et son anglais est très bon. Il y a même des interludes instrumentales que je qualifierais d'expérimentales, qui font partie des bons moments du disque (parcequ'il y en a). De plus, il joue la majorité des instruments... Mais faut aussi relativiser; je ne dis pas que je vais écouter ce disque souvent, ni que c'est vraiment bon, seulement la surprise était de taille et juste pour ça je devais en parler...

Vous n'avez qu'à juger par vous même.

Richard Pinhas et la Terre de glace

2010-03-15T13:25:00.000-07:00

Je demande le froid. Rêve de glace, de paysages dénudés, balayés par le vent. Je rêve aussi de volcans, de sources d'eau chaudes, de geyser... D'une lande vierge et froide où je règnerais comme le seul homme. Peut-être est-ce l'arrivée d'un printemps précoce, le changement d'heure... Toujours est-il que je ressens une forme d'incomplétude. Comme si le cycle de la mort hivernale ne s'était pas complètement bouclé. Mon hiver intérieur persiste, malgré le soleil et la température clémente...

Depuis plusieurs années je rêve aussi à l'Islande. Il y a quelque chose de foncièrement mystérieux et d'attirant dans ce pays, qui fait que mon esprit retourne souvent contempler la possibilité d'y mettre les pieds. Je ne suis pas le seul qui y rêve. Je ne sais pas si c'est la production faramineuse d'artistes comme PIB qui y est pour quelque chose, mais avec l'éclosion des Bjork, Sigur Ros, Mùm et autres, il doit bien y avoir une source de création intemporelle dans laquelle il serait possible de puiser. Lors de mon passage à Berne l'automne dernier j'ai ressenti cet élan de créativité inhérent à la ville, je me suis fait traverser par elle et penser qu'y vivre quelques temps serait bénéfique. On m'a dit aussi que Berne était une ville triste, s'harmonisant bien avec notre musique. L'Islande bénéficie-t-elle aussi de cette aura?

Depuis dix ans, Reykjavik accueille le festival Iceland Airwaves qui s'étire désormais sur cinq jours. L'année dernière c'était plus de 150 groupes dont plus du deux tiers sont issus d'Islande...pour une population de près de 320 000 c'est énorme.

Mon premier intérêt pour l'Islande musicale est venu du superbe album «Story of Iceland» d'Eyvind Kang, sorti sur Tzadik en 2000. Une composition ésotérique qui m'a profondément marquée lors de sa découverte. Peut-être que dès ce moment j'ai associé mystère avec Islande.

Par la suite c'est le film «The Sea» (2003) qui m'a séduit. Film du même réalisateur que Reikjavik 101 (Baltasar Kormákur), qui raconte un drame familial tournant autour de la situation économique et sociale de l'Islande, avec des commentaires acerbes sur l'état des choses. Mais Kormakur réussit à teinter ses personnages des couleurs pourpres et vermeils, rehaussant la particularité monochrome du paysage social.

Et depuis quelques jours, l'excellent disque de Richard Pinhas «Iceland» (1979) m'accompagne et fait remonter ces épiphanies. Quel disque majestueux, un précurseur au courant New-Age, une musique synthétique sombre, froide où guitare électrique , synthétiseurs et électroniques épousent les formes l'un de l'autre. Un autre disque bien en avance sur son temps, qui n'a connu qu'un succès relatif. Avant de produire ce disque, Pinhas était membre du duo Heldon et a collaboré avec Deleuze sur une pièce nommée «Le Voyageur», où ce dernier faisait un spoken word soutenu par la musique d'Heldon. D'aileurs le premier album de Pinhas, intitulé «Rhizosphère», est le fruit du parcours d'un étudiant en philosophie, grandement inspiré par Deleuze et l'avant-garde musicale de son époque. Cuneiform Records a réédité une grande partie du catalogue de Pinhas/Heldon, pour notre plus grand bonheur.

Ce qui est d'autant plus fascinant, est que j'écoute en parallèle le plus récent disque de Yellow Swans «Going places». C'est très, très, proche de «Iceland». C'en est même troublant (mais dans un bon sens). C'est surtout au niveau des ambiances sonores que la similitude est frappante, le traitement des sons est cependant beaucoup plus saturé chez Yellow Swans que chez Pinhas. Normal, Yellow Swans ont une esthétique plus «noise» et cela n'apparaît pas comme surprenant sachant qu'ils se sont fait connaître au sein cette scène musicale. Par contre, ce nouvel album est sorti sur Type et est beaucoup plus mélodique de ce que j'avais entendu d'eux auparavent.

Le printemps n'est pas qu'une saison...

Ararat: « Musica de la Resistencia» (Meteor City, 2009)

2010-03-09T21:34:00.000-08:00

Nous avons ici une autre perle qui risque de passer sous le radar. Et ce, probablement parceque c'est sorti sur un label qui se spécialise en d'autres genres de musiques. Naturellement, il faut préciser. Meteor City semble définitivement plus tremper dans le «stoner rock» et autre genre de rock un peu plus lourd. Donc un label sous lequel vient difficlement se greffer un disque de folk expérimental. Des guitares acoustiques et électriques, du piano, des ambiances lourdes et sombres, des manipulations électroniques. Stoner rock ? Pas vraiment, mais quand même...

Ararat est le fruit d'un certain Sergio Chotsourian, musicien argentin d'origine arménienne. Celui-ci est le chanteur et guitariste du groupe Los Natas(!), un groupe stoner-rock qui semble connaître un certain succès (en Amérique du Sud). Avec l'aide de son frère Santiago au piano ainsi qu'avec quelques autres musiciens, il a composé un album réellement fascinant. Évidemment, il est allé puiser dans ses racines arméniennes et Caucasienne, mais y a mélangé aussi des sonorités folk sud-américaines, des expérimentations studio et de lourdes guitares électriques. Un hommage à la résistance qui fait le point sur ses propres origines.

Sans rien connaître sur ce groupe, dès la première écoute, j'ai su que c'était des gens qui venaient plus d'une scène métal. Certaines orchestrations sont typées; des riffs de guitares électriques soutenus par des accords d'orgues apocalyptique, s'inscrivant dans un genre plutôt doom-folk, des drums lourds et des ambiances complexes bien travaillées. Mais c'est plus riche que ce que je peux en dire. Ce sont des longues pièces avec des changement au milieu, des mélodies rejouées à l'envers sur des bandes, une mélodie de piano me rappelant étrangement les chants kurdes et arméniens tels qu'annotés par G.I. Gurdjieff, une voix espagnole trempée dans le reverb et pas mal de guitare acoustique. Si'l faut faire un lien avec le rock (ou stoner..), je dirais que par moments, on pense entendre des échos de Boris à son plus mélodique/psychédélique, ou encore Comets on Fire... mais on échappe vite à ces rêveries pour revenir dans la réalité particulière de cet album.

Il s'agit d'un disque qui s'inscrit pleinement dans la tradition de la musique psychédélique sud-américaine des années 70, rappelant au passage l'oeuvre de Lula Cortes, mais qui ne se veut surtout pas une pâle copie; on se dirige d'un pas ferme vers un ailleurs. L'originalité ne manque pas sur cet enregistrement, l'effort d'actualisation des influences culturelles est remarquable. Et c'est un phénomène qui risque de devenir de plus en plus intéressant. Avec les mouvements des populations à travers le monde (des arméniens en Argentine par exemple), on va assister à un métissage culturel assez particulier dans le monde de la musique. Et là je ne parle pas de ces groupes alter-mondialistes où autre soupe fade qu'on nous sert dans la sections musique du monde au Archambault. Je parle de la musique expérimentale, avec des jeunes musiciens issus de l'immigration, de deuxième génération, qui vont tenter de créer quelquechose de complètement nouveau en puisant à même leur identité ethnique, culturelle, sociale, etc... En ancrant leurs pieds solidement dans les entrailles de leur terre d'accueil et utilisant leur être comme agent transformateur des pulsions qui habitent leur inconscient.

Petite intro d'une pièce qui, en réalité, dure bien plus longtemps:

Schlachtfest Session II (Klangbad, 2008)

2010-03-06T10:32:00.000-08:00

Le groupe Faust peut être perçu comme l'exemple typique d'une rupture de band qui s'est terminée d'une façon embrouillée. Le groupe qui en 71 devait redéfinir le rock allemand, a finalement pris une tangente beaucoup plus expérimentale pour aboutir avec la sortie de leur premier album «Faust». Ils sont quand même parvenus à redéfinir le genre et leur premier disque demeure est des plus particulier de leur discographie (si ce n'est le plus particulier). Toujours est-il que le groupe s'est séparé en 75 et ont fait un bref retour dans les années 90. Mais ça ne semble pas avoir fonctionné... Depuis, cette brève réunion, il existe maintenant deux versions du groupe Faust et les deux font des shows et des tournées. Une des versions du groupe est formée de Jean-Hervé Peron et Werner «Zappi» Diermaier, deux des membres originaux. Ils se sont associès à d'autres musiciens pour leurs shows dont le guitariste Steven Wray Lobdell (excellent Davis Redford Triad). Ce sont eux qui reprennent principalement les vieux succès de Faust et qui sont venus au Pop Montréal l'année dernière. L'autre Faust est tenu par le claviériste Hans-Joachim Irmler, autre membre fondateur du groupe. Celui-ci se fait plus discret de notre côté de l'océan, mais est encore très actif dans la scène musicale allemande. En effet, il a parti le label Klangbad et produit un festival annuel du même nom. Klangbad est devenu au fil des ans un label très intéressant et devrait voir prochainement la sortie d'un nouvel album de Faust (son Faust).

Schlachtfest est un festival issu de Klangbad (qui a ensuite changé de nom?). En 2006 avait lieu la deuxième édition, qui a mené à ce superbe enregistrement. Précisons que ce n'est pas un enregistrement live, c'est actuellement un enregistrement studio où se sont rejoints différents musiciens ayant participé au festival. Il s'agit d'une très belle collection de musiciens où les générations et les origines se mélangent en une superbe séance d'improvisation.

Tout d'abord on retrouve John Tchicai au saxophone ténor, pillier du free-jazz en Europe et un peu en Amérique, Tchicai est un des saxophoniste les plus mélodiques du free-jazz qui soit. Irmler lui-même vient jouer des claviers et est accompagnée par deux collaborateurs de la génération «Kosmische» soit; Roman Bunka du groupe Embryo au oud et Jan Fride du groupe jazz-rock Kraan à la batterie et aux percussions. Ces vétérans sont accompagnés de musiciens de la scène expérimentale de Glasgow: Hanna Tuulikki et Aby Vullimy (toutes deux de Nalle) au chant et à la viole, Chris Hladowski (Nalle, Family Elan, Daniel Padden One Ensemble) au bouzouki, et George Murray du Glasgow Improvisers Orchestra, au trombone.

Juste en se servant des repères musicaux préexistants, on peut se faire une idée approximative du genre de musique qu'on pourra retrouver sur ce cd et on ne sera pas très loin de la vérité. Définitivement particulier, on mélange free-jazz, folk, synthétiseurs, musique orientale et le résultat est très étonnant, même s'il y a une proximité esthétique avec ce qui se faisait en Allemagne dans les années 70. Il y a un côté mélodique presque omniprésent sur les pièces, ce qui facilite grandement l'écoute. Il y a certaines envolées free par moment, mais en général l'ambiance est plutôt «orientale». Une pièce en particulier me fait penser à la collaboration de Jan Garbarek et Anouar Brahem sur ECM, où Roman Bunka et John Tchicai se partagent l'avant plan, soutenu par une percussion électronique apocalyptique. On retrouve rarement tous les musiciens ensemble sur une pièce (en fait, je crois que ça arrive presque sur la première pièce seulement...),ce qui nous donnent des pièces assez épurées où on perd rarement de vue le focus mélodique. Bref, Une belle session d'improvisation qui mérite d'être entendue, où ce sont les vieux krautrockers accompagnés de Tchicai qui brillent le plus.

http://www.klangbad.de/xtc/product_info.php/info/p83_Schlachtfest-Session-II.html